نقاشی روسی قرن بیستم: روندهای اصلی. جهت های اصلی هنرهای زیبا قرن بیستم - SkillsUp - کاتالوگ مناسبی از درس های طراحی، گرافیک کامپیوتری، درس های فتوشاپ، درس های فتوشاپ هنرهای زیبا روسی قرن بیستم

روند واقع گرایانه هنر در پایان قرن نوزدهم شروع به از دست دادن زمین کرد. در آغاز قرن، هنر نو شروع به تسلط کرد. با خطوط پرآذین، نقوش بیومورفیک، استفاده از مواد و فناوری های جدید مشخص می شود.

در نقاشی، مرسوم بودن تزئینی، تزئینات فرش، واضح است، گویی که تصاویر مجسمه ای متجلی می شود.

M. A. Vrubel (1856-1910) نماینده برجسته سبک Art Nouveau بود که هنرش با شعار "همه چیز تزئینی است" اجرا می شد. "دیو" - تصویر تعیین کننده در کار وروبل. در تصویر او هیچ تمایلی برای پیروزی تردیدهای خود وجود ندارد، بلکه فقط ناامیدی و ناامیدی است. برس های وروبل متعلق به بسیاری از پرتره ها است، یکی از آنها تاجر و بشردوست مامونتوف است. این هنرمند افسانه و ماورایی را در آثار خود "پان"، "شاهزاده قو" و سایر تصاویر اسطوره ای بیان کرد.

وروبل در کارهای خود از تکنیک های متفاوتی استفاده می کرد و گاه ژانرها و انواع هنر را در هم می آمیخت. او همچنین به مجسمه سازی و طراحی می پرداخت. در نقاشی های دیواری یادبود کلیسای ناجی بر روی خون ریخته شده در سن پترزبورگ شرکت کرد.

ایده "هنر ناب" باعث ظهور مجله "دنیای هنر" شد. این مجله در دوران پیش از انقلاب به کانون حیات هنری تبدیل شد.

هنرمندانی که در اطراف "دنیای هنر" متحد شدند مطالعه تاریخ روسیه را تشویق کردند، علاقه به هنرمندان قرن 18 را برانگیختند و فعالیت های موزه را توسعه دادند. آنها به توسعه تصویرسازی (I. Ya. Bilibin (1876-1942)، K. A. Somov (1869-1939)) و هنر تزئینی تئاتر (L. S. Bakst (1866-1924)، N. K. Roerich (1874-1947) کمک کردند.

خلق و خوی انقلابی مستقیماً بر نقاشی و گرافیک تأثیر گذاشت. هنرمند K. Yuon انقلاب را در مقیاس کیهانی در اثر "سیاره جدید" به تصویر کشید. انعکاس واقعیت انقلابی در چشمان هنرمندان را می توان در آثار K.S. Petrov-Vodkin "مرگ یک کمیسر"، "1918 در پتروگراد" و N. Kupriyanov "ماشین های زرهی" مشاهده کرد.

در سال 1922، انجمن هنرمندان انقلابی روسیه ایجاد شد. یکی از نمایندگان برجسته آیزاک برادسکی بود که آثار "متعارف" را خلق کرد: "لنین در اسمولنی" و "سخنرانی لنین در کارخانه پوتیلوف".

"درباره بناهای جمهوری" - فرمان لنین در سال 1918، اعلام برنامه برای تحریک توده ها با کمک مجسمه های یادبودی که به شخصیت های انقلاب و فرهنگ اختصاص داده شده است (طرح "تبلیغات یادبود"). مجسمه سازان در مدت کوتاهی مجبور شدند آثار زیادی را از مواد ارزان قیمت و ارزان خلق کنند.

تاتلین در سال 1920 برج انترناسیونال III را ایجاد کرد که نماد هنر جدید و آرزوهای انقلابی است.

ایوان شاردر مجموعه ای از مجسمه های افراد کار سوسیالیستی را خلق می کند: "کارگر"، "دهقان"، "ارتش سرخ" و همچنین بنای یادبود گورکی برای میدان ایستگاه بلوروسکی.

در دهه 1920، آثار V. Mukhina ظاهر شد: پروژه "کار آزاد شده"، "زن دهقان"، "زن کارگر و مزرعه جمعی" - یک گروه مجسمه سازی که باعث شهرت این هنرمند شد.

افتتاح نمایشگاه کشاورزی سراسر اتحادیه در مسکو گامی تعیین کننده در توسعه مجسمه سازی در اتحاد جماهیر شوروی است. S. T. Konenkov نیز در تزئین مجسمه شرکت کرد. علاوه بر این، او مجسمه هایی را با اجرای طرح "تبلیغات یادبود" خلق کرد: نقش برجسته "به کشته شدگان در مبارزه برای صلح و برادری ملل"، "استپان رازین".

رئالیسم سوسیالیستی

در اولین کنگره سراسری نویسندگان اتحاد جماهیر شوروی در سال 1934، قوانین اساسی روش جدید ادبیات و هنر، یعنی رئالیسم سوسیالیستی، تدوین شد. این یک کنترل ایدئولوژیک سخت و تبلیغاتی بود که برای ستایش قهرمانان کار سوسیالیستی، انقلابیون، کارگران، دهقانان طراحی شده بود. طرح اثر هنری قرار بود منعکس کننده واقعیت انقلابی، میل به آینده ای روشن تر و دیدگاه های مادی گرایانه باشد.

نقاشی B. Ioganson "بازجویی از کمونیست ها" به وضوح تمام اصول رئالیسم سوسیالیستی را منتقل می کند: احساسات قابل توجه، تصاویر محکم و فرم های یادبود.

A. Deineka آثاری را در مورد موضوعات ساخت معماری جدید، ورزش و هوانوردی می نویسد: "خلبانان آینده"، "در ساخت کارگاه های جدید"، "در دونباس". کار بر روی موزاییک های ایستگاه مترو مایاکوفسکایا (مسکو).

معروف "مسکو جدید" اثر Y. Pimenov نماد زندگی جدید، لذت تغییر است: بازسازی مسکو و نقش غیر معمول یک زن.

جنگ بزرگ میهنی

جنگ بزرگ میهنی به طور قابل توجهی بر توسعه هنر تأثیر گذاشت. همانطور که در دوره انقلاب، ژانر اصلی هنرهای زیبا پوستر بود. استادان گذشته و همچنین هنرمندان جوانی که با پوسترهای معروفی مانند "سرزمین می خواند!"، "برای وطن!"، "جنگجو ارتش سرخ، نجات دهید!" به شهرت رسیدند، روی پوسترها کار کردند.

دو دوره به وضوح در توسعه فرهنگ هنری روسیه در قرن بیستم متمایز است: از آغاز قرن تا دهه 1930. و دهه 30 تا 80 دو دهه اول قرن بیستم - اوج هنر روسیه، به ویژه نقاشی و معماری. جستجوی تصاویر جدید منجر به مطالعه عمیق‌تر ریشه‌ها و سنت‌های ملی شد. هنرمندان بدوی دنیای پیچیده و متناقض فولکلور شهری را به حوزه هنر "بالا" وارد کردند و به فرهنگ عامیانه و روزمره روی آوردند. در دهه های اول قرن بیستم بود که میراث باستانی روسیه، به ویژه شمایل نگاری، دوباره کشف شد. زبان تصویری نمادهای روسی تا حد زیادی بر نگرش به رنگ، فضا و سازماندهی ریتمیک بوم تأثیر گذاشت.

انقلاب اکتبر 1917 که کمونیست ها را به قدرت رساند، مسیر توسعه هنر روسیه را تغییر داد. در نیمه اول دهه 20. هنرمندان همچنان به آزمایشات و جستجوها ادامه دادند، گروه ها و انجمن های جدیدی ایجاد کردند. با این حال، در نیمه دوم دهه، زندگی هنری تحت فشار فزاینده ایدئولوژیک و اداری دولت قرار گرفت. بسیاری از استادان مجبور به رفتن به خارج از کشور شدند و کسانی که باقی ماندند تحت تعقیب مطبوعات قرار گرفتند، فرصت نمایشگاه را از دست دادند و برخی نیز دستگیر شدند. ضربه اصلی را کسانی خوردند که به سمت اشکال انتزاعی هنرهای زیبا گرایش داشتند.

ایدئولوژی دولتی به اصطلاح مطرح کرد رئالیسم سوسیالیستی -نسخه دیگری از هنر آکادمیک که برای آموزش مردم با روحیه اخلاق کمونیستی طراحی شده است. در سال 1932، همه انجمن های هنری مستقل با یک فرمان خاص دولتی ممنوع شدند و یک سیستم دولتی از اتحادیه های خلاق ایجاد شد - اتحادیه هنرمندان اتحاد جماهیر شوروی، اتحادیه معماران اتحاد جماهیر شوروی، و غیره. دوران توتالیتاریسم آغاز شد، زمانی که هر اشکال فرهنگ که در هنجارهای رئالیسم اجتماعی قرار نمی گرفتند فقط در شرایط غیرقانونی می توانستند وجود داشته باشند (موج "آوانگارد زیرزمینی" به ویژه در دهه های 60 و 70 قدرتمند بود). وضعیت فقط در نیمه دوم دهه 1980 به تدریج شروع به تغییر کرد.

معماری.در نتیجه ملی شدن زمین ها و املاک بزرگ در شهرها، دولت، یعنی حزب کمونیست حاکم، تنها مشتری کارهای ساختمانی در روسیه شوروی شد. اما در دهه اول پس از انقلاب، دستور ایدئولوژیک آن هنوز بر هنر معماران تأثیری نگذاشته بود. مسابقات آزاد، بحث‌ها، پروژه‌های اصلی و سیستم‌های آموزشی در دانشگاه‌های هنر تصویری از یک خیزش خلاقانه بی‌سابقه را در اواخر دهه 10 و 20 میلادی ایجاد کردند. قرن 20 سپس در معماری نمادی از دگرگونی جامعه، ساختن «دنیای جدید» را دیدند. دامنه جهات بسیار گسترده بود: از ادامه سنت نئوکلاسیک دهه 10. به جسورانه ترین نوآوری معماران سنت گرا تلاش کردند تا سبکی «انقلابی» بر اساس اشکال معماری گذشته ایجاد کنند، آنها را تعمیم دهند و به آنها بیان بیشتری ببخشند. میراث معماری شرق باستان بسیار محبوب بود. زبان ساده و بزرگ او، نقوش او که از ابدیت و جاودانگی صحبت می کند، به طور فعال در مجموعه های یادبود استفاده می شد.

زندگی معماری دهه 20. تا حد زیادی توسط فعالیت های گروه های خلاق تعیین می شود. در سال 1923 ، انجمن معماران جدید (ASNOVA) بوجود آمد که برجسته ترین نمایندگان آن N. A. Ladovsky ، K. S. Melnikov بودند. در سال 1925، انجمن معماران مدرن (OSA) ایجاد شد که شامل برادران L. A.، V. A. و A. A. Vesnin، M. Ya. Ginzburg، I. I. Leonidov، I. A. Golosov و دیگران بود (آنها را سازنده نامیدند). انجمن‌ها به شدت با یکدیگر بحث می‌کردند، اما ایده‌آل مشترک آن‌ها ساختمانی بود که کاملاً فکر شده، آسان برای استفاده، با حداقل کار و مصالح ساخته شده بود.

در اوایل دهه 30. در توسعه معماری شوروی یک نقطه عطف شدید وجود داشت. در سال 1932، تمام انجمن ها در اتحادیه معماران اتحاد جماهیر شوروی ادغام شدند، در سال 1933 آکادمی معماری اتحاد جماهیر شوروی تأسیس شد. از این پس، استفاده از میراث گذشته، عمدتاً هنر ساختمانی دوران باستان و رنسانس، به اصل خلاق غالب معماری شوروی تبدیل شده است. پروژه های نمونه ساختمان های مسکونی، مدارس و مؤسسات عمومی توسعه یافتند. توسعه صنعت ساخت و ساز در درجه اول با هدف کاهش هزینه و سرعت بخشیدن به کار انجام شد: از سال 1927 که بلوک های خاکستر شروع به استفاده کردند، در سال 1940 اولین خانه های پانل ساخته شد.

محتوای اصلی معماری نیمه دوم دهه 50 و 60. ساخت و ساز انبوه مسکن وجود داشت. نوع جدیدی از مسکن در توسعه تجربی حومه مسکو شکل گرفت. به جای طرح خط سنتی، اصل یک منطقه کوچک سبز با گروه‌هایی از ساختمان‌های مسکونی در اطراف نهادهای عمومی و فرهنگی معرفی شد. دکوراسیون خانه های پنج طبقه بسیار ساده است، فیلم آپارتمان ها به حداقل می رسد. این با وظیفه اصلی طراحان مطابقت دارد تا مسکن را واقعاً برای مصرف کننده عادی در دسترس قرار دهند.

برخلاف "تزیینات" دوره قبل در معماری ساختمانهای رسمی دهه 60-70. صراط مستقیم و زهد به عنوان معیار در نظر گرفته شد و شکل غالب آن یک موازی بتنی با نوارهای پیوسته از پنجره ها بود.

در دهه 70-80. در حومه شهرهای بزرگ، مجتمع های مسکونی با طرح اولیه ظاهر شد که در آنها ویژگی های محلی نقش برجسته و محیط طبیعی بازی می شود. در طراحی پلاستیکی ساختمان ها، خشکی سابق به طور فزاینده ای با عدم تقارن آزاد و بیان تزئینی فرم ها جایگزین می شود که یادآور معماری پست مدرن غرب است.

در اوایل دهه 90. رونق ساخت و ساز در مسکو آغاز شد. چندین هزار ساختمان جدید در مرکز تاریخی شهر ساخته شد. برای جایگزینی همان نوع و معماری بلوک لاکونیک دهه 70-80. شکل‌ها، سبک‌ها و مواد مختلفی به وجود آمد. استفاده از فن آوری های بالا آغاز شد، خانه هایی با دیوارهای شیشه ای، سازه های باربر و قطعات تیتانیوم ظاهر شدند. به این جهت در معماری می گویند تکنولوژی بالا. سبک های تاریخی، که با ویژگی سنتی منظر شهری مطابقت دارد، به ویژه محبوب شده اند. نقوش معماری قدیمی مسکو، مانند برج‌های کرملین، حتی در ساختمان‌های ساخته شده از شیشه و آهن، که با برجک‌ها نیز تاج‌گذاری شده‌اند، قابل توجه است. این جهت "سبک مسکو" نامیده شد.

الکسی ویکتورویچ شوسف(1873-1949) - معمار روسی که بر متنوع ترین سبک های سنتی و آوانگارد تسلط داشت. او به عنوان معمار ارشد نمایشگاه کشاورزی و صنایع دستی و صنعتی سراسر روسیه (1922-1923) و دومین کارگاه طراحی شورای شهر مسکو (1932-1937) خدمت کرد. او مدیر گالری ترتیاکوف (1926–1929) و از سال 1946، سازمان‌دهنده و مدیر موزه معماری، که اکنون نام او را دارد، بود.

به عنوان استاد معماری کلیسا به سبک روسی نام خود را به دست آورد ": کلیسا بنای یادبود در میدان کولیکوو، کلیسای جامع تثلیث در لاورای پوچایف، صومعه مارتا و مریم در مسکو، همه - 1908-1912. هتل زیارتی در باری (ایتالیا؛ 1910-1913)، کلیسای ارتدکس St. نیکلاس دلپذیرو غیره.

شوسف به طرز درخشانی بر اصول آوانگارد سازه گرایی تسلط یافت - موسسه تحقیقاتی بالنولوژی و فیزیوتراپی در سوچی (1927-1931). ساختمان نارکومزم در مسکو (1928-1933). او به طور ارگانیک سازنده گرایی را با یادآوری دوران باستان در معروف ترین اثر خود ترکیب کرد - مقبره V. I. لنین در میدان سرخ (1929-1930). در آثار بعدی شچوسف، آوانگارد به طور مداوم جای خود را به سبک سازی ملی-تاریخی می دهد، که به طرز چشمگیری بیانگر ترحم تاریخی "کلاسیک گرایی استالینیستی" است - هتل "مسکو" (1932-1938)؛ پل موسکوورتسکی (1936-1938)؛ تئاتر اپرا و باله بولشوی به نام A. Navoi در تاشکند (1940–1947); ساختمان NKVD در میدان لوبیانکا (1946). در سال 1941 تکمیل شد مجتمع ایستگاه راه آهن کازانسکی(در سال 1913 شروع شد).

پروژه های بازسازی شهرهای جنگ زده: ایسترا (1942-1943)، نووگورود (1943-1945) و کیشیناو (1947) در کارهای بعدی او، جایگاه مهمی را اشغال کردند.

کنستانتین استپانوویچ ملنیکوف(1890-1974) در سال 1917 از مدرسه نقاشی، مجسمه سازی و معماری مسکو فارغ التحصیل شد. در 1916-1918 ملنیکوف در طراحی و ساخت شرکت داشت کارخانه خودروسازی AMO در مسکو. ملنیکوف در کارگاه های معماری کار می کرد و تدریس می کرد. پروژه های متعدد او - ساختمان های عمومی، ساختمان های مسکونی، گاراژها، بناهای تاریخی- صفحه ای درخشان در معماری شوروی است.

در دهه 20. شهرت جهانی توسط شوروی به ملنیکوف رسید غرفه در نمایشگاه بین المللی هنرهای تزئینی پاریس در سال 1925. "یادبود زنده" مسکو توسط ملنیکوف ساخته شد خانه شخصی در خط Krivoarbatsky، که در آن همه چیز غیر معمول است: چیدمان، فضا، ساخت و ساز. ساختمان گرد از دو استوانه عمودی که به یکدیگر بریده شده اند با سازماندهی فضای داخلی اصلی مدل سازی شده است. پروژه های نوآورانه ملنیکوف که بیشتر آنها روی کاغذ باقی ماندند، او را در زمره پیشگامان معماری مدرن قرن بیستم قرار داد.

ولادیمیر گریگوریویچ شوخوف(1853-1939) یکی از اولین کسانی بود که از سازه های مشبک فولادی انحنای دوگانه استفاده کرد - برج رادیویی (1922).

در 1933-1939 تیمی از معماران (B. M. Iofan، V. G. Gelfreikh، V. A. Schuko) پروژه ای را توسعه دادند. کاخ شوروی در سواحل رودخانه مسکو.

در 1949-1953 ساخته شده ساختمان دانشگاه دولتی مسکو در تپه اسپارو، طراحی شده توسط L. Rudnev, S. Chernyshev, P. Abrosimov, V. Nasonov.

معماران M. Posokhin و A. Mndoyants و دیگران ساختند کاخ کنگره های کرملین (1959-1961)، طراحی شده خیابان کالینین (آرباط جدید، 1962–1969).

در 1974-1981 ساخته شده ساختمان تئاتر درام و کمدی در تاگانکا، معماران آن: A. V. Anisimov، Yu. P. Gnedovsky، B. I. Tarantsev و دیگران.

در سال 1967، N.V. Nikitin معروف را ساخت برج تلویزیونی اوستانکینو.

در سال 1997، طبق پروژه Z. K. Tsereteli، a مرکز خرید در نزدیکی میدان Manezhnaya.

مجسمه سازی.پس از سال 1917، هنر مجسمه سازی در روسیه اهمیت اجتماعی و سیاسی خاصی پیدا کرد. تبلیغات شوروی به دنبال ایجاد تصویری از مدرنیته به عنوان یک دوره قهرمانانه بود، افسانه ای که در برابر چشمان ما به واقعیت تبدیل می شود. بناهای تاریخی نقش کلیدی در مجسمه سازی شوروی داشتند.

برای مدتی، مجسمه‌سازی شوروی همچنان پژواک امپرسیونیسم، مدرنیته و آوانگارد اوایل قرن بیستم را حفظ کرد، اما تا پایان دهه 20. نقطه مرجع اصلی بیشتر مجسمه سازان، آثار کلاسیک بود. این را نمایشگاه سال 1928 که به دهمین سالگرد انقلاب اختصاص داشت، به خوبی گواه آن بود. در اینجا برای اولین بار یک ترکیب بندی پرتنش دراماتیک به نمایش درآمد. ایوان دیمیتریویچ شادر (1887–1941) "سنگ سنگفرش سلاح پرولتاریا است" (1927); با شکوه، با الهام از تصاویر گروه امپراتوری روسیه الکساندر ترنتیویچ ماتویف "اکتبر. کارگر، دهقان و سرباز ارتش سرخ» (1927).

در آغاز دهه 30. موج جدیدی از یادبودگرایی آمد. ماتیوی گنریخوویچ مانیزور(1891-1966) در یادبود V. I. Chapaev در کویبیشف (1932)سعی کرد بر "تنهایی" سنتی چهره روی پایه غلبه کند و بر ارتباط قهرمانان خود با مردم تأکید کند.

مجسمه سازی تزئینی نیز رونق گرفت. به عنوان مثال، در سال 1937 قلمرو ایستگاه رودخانه شمالی مسکو با فواره تزئین شده بودتزئین شده توسط مجسمه سازان حیوانات A. N. Kardashovو I. S. Efimov. مجاورت چهره‌های خرس‌های قطبی و دلفین‌های شاداب، شعار معروف «مسکو بندر پنج دریا است» را به تصویر می‌کشد.

در طول جنگ بزرگ میهنی و در سالهای پس از جنگ در مجسمه سازی، مانند تمام هنرهای شوروی، دو جهت قابل توجه است: رسمی، رژه قهرمانانه، و دیگری - انسانی تر و حساس تر به حقیقت خشن جنگ. به راحتی می توان با مقایسه، به ویژه، دو اثر مانند بنای یادبود "جنگجو - آزادیبخش"در پارک یادبود برلین (1946-1949)، ساخته شده است اوگنی ویکتورویچ وچتیچ (1908–1974).

در مجسمه سازی دهه اول پس از جنگ، «تزیین» پیروز شد. ولع به زندگی سطحی، برای جزئیات جزئی و تزئینات سرسبز به سبک تاجر گاهی اوقات منطق تکتونیکی ساخت یک فرم را از بین می برد - بنای یادبود یوری دولگوروکی (1954)، بر اساس این پروژه در مسکو ساخته شده است سرگئی میخائیلوویچ اورلوف (1911–1971).

در نیمه دوم دهه 50. نیاز به یک تصویر مجسمه ای واضح و سنگین را که در آن ایده مستقیماً از طریق فرم بیان می شود ، بیشتر و بیشتر متوجه شد - بنای یادبود V. V. مایاکوفسکی در مسکو (1958)کار الکساندر پاولوویچ کیبالنیکوف(1912-1987). یادبودهای اصلی ظاهر شدند، که در آن مجسمه واقعی جای خود را به نقش اصلی منظره یا ترکیب معماری که حافظه تاریخی را حفظ می کند، داد. بنای یادبود به افتخار اکتشاف فضایی در مسکو، 1964، نویسندگان A. P. Faydysh-Krandievsky, M. O. Barsh, A. N. Kolchin).

فضای "ذوب" سیاسی 1956-1964 به ظهور فرهنگ شوروی در جهات مختلف، از جمله مواردی که دور از رئالیسم سوسیالیستی بود، کمک کرد. آثار ارنست یوسفویچ نیزوستنی "انفجار اتمی" (1957)، "دافنه" (1963)، "قلب مسیح" (1973-1975)در مورد مبارزه اصول ابدی - خوب و بد صحبت کنید.

همراه با جذابیت به فرم های انتزاعی، که قدمت آن به آوانگارد باز می گردد، سنت های یادبودگرایی در مجسمه سازی حفظ شد.

ورا ایگناتیونا موخینا(1889-1953) - مشهورترین مجسمه ساز شوروی. گروه مجسمه سازی او "کارگر و دختر مزرعه جمعی"که در سال 1937 ساختمان پاویون داخلی را در نمایشگاه بین المللی پاریس تاج گذاری کرد و اکنون در چشم انداز مسکو قابل مشاهده است. پیروزی تاریخی این گروه، در پاسخ به وظیفه خاص تجلیل ایدئولوژیک، به طور همزمان تمایلات کلی کار هنرمند را بیان می کند - ترحم مقیاس و قدرت، کشش به قدرت و پویایی با اراده فرم ها، عشق به بزرگان. این ویژگی ها به دلیل همخوانی با روح دوران، به موخینا اجازه داد تا به چهره ای برجسته در هنر رسمی شوروی تبدیل شود.

استعاره یک انگیزه و غلبه سریع، حاصل تجربه انقلاب، در بسیاری از آثار موخینا تکرار می شود - "باد" (1926-1927)، "تنه زن" (1927)، "بوریاس" (1938). در همین حال، احساس اغراق آمیز توده بدنی مشخصه او، به وضوح و قوی ترین حالت در "زن دهقان" ("بابا"، 1927). مجسمه های موخینا تعادل ایده آل ایستا و تلاش با اراده قوی برای مقامات دولتی را نشان می داد، ترکیبی از سنگینی زمینی با اشتیاق عمده.

این هنرمند به طور همزمان در ژانرهای مجلسی کار می کند. در دهه 1940 او به طور فعال در هنر شیشه ای مشغول است: همراه با گلدان ها و جام ها، او پرتره های شیشه ای را اجرا می کند. ("پرتره V.I. Kachalov"، 1947).

علاقه به پرتره او را در طول زندگی رها نمی کند. پرتره های موخینا اغلب تصاویری از افراد نزدیک به او هستند، اما آنها فاقد غزلیات مستقیم هستند. موخینا به سمت راه حل های تعمیم یافته، به یاد ماندگاری محدود پلاستیک ها می کشد. در پرتره های قهرمانان جنگ - B. A Yusupova (1942)- شیوه او جزئی‌تر و مستندتر می‌شود، اما حس یک فرم منسجم به او اجازه می‌دهد از روایت بیش از حد اجتناب کند.

رنگ آمیزی. دوران قبل از انقلاب هنر روسیه در دهه 1910 از نفوذ جریان های فرمالیستی گذشت: کوبیسم، آینده نگری، حتی هنر غیر عینی. بسیاری از اینها اکنون فقط متعلق به تاریخ است.

محیط هنری روسیه توانست گرایش‌های نوآورانه کوبیسم و ​​آینده‌گرایی را ترکیب کند تا به ترکیبی دست یابد که در پاریس دست نیافتنی بود. سنتز روسی در درجه اول مفهومی بود. این نتیجه خلاقیت گروه های متعدد هنرمندان متحد در انجمن سن پترزبورگ "اتحادیه جوانان" بود. هنرمندان برجسته آغاز قرن با وفاداری واقعیت موجود را به تصویر می کشیدند، هنرشان علیه ظلم و ستم انسان معطوف بود و عشق به آزادی نیز در آن جاری بود.

بوریس میخائیلوویچ کوستودیف(1878–1927) - نقاش روسی. در سال 1903 برای نقاشی دیپلم "بازار در روستا"مدال طلا و حق سفر به خارج از کشور را دریافت کرد.

او در ژانر پرتره بسیار کار کرد - "پرتره F. I. Chaliapin"، که به گونه های تعمیم یافته اجتماعی – روانی تبدیل شده اند. در همان زمان، او با اشتیاق روی نقاشی هایی کار می کرد که زندگی قدیمی روسیه را که عمدتاً استانی بود، به تصویر می کشید. او مطالبی را از خاطرات دوران کودکی و برداشت های حاصل از اقامت مکرر خود در منطقه ترانس ولگا برای آنها به دست آورد.

او طرح‌های جذابی را پر از جزئیات سرگرم‌کننده در ترکیب‌بندی‌های چند پیکره ساخت و گونه‌های مشخصه زن روسی را در نقاشی‌هایی که با تحسین و کنایه ملایم نویسندگی رنگ‌آمیزی شده بود، بازسازی کرد. نقاشی او بیشتر و بیشتر رنگارنگ شد و به هنر عامیانه نزدیک شد. او مضامین جشن های شرووتاید و فستیوال های محلی را به روش های مختلف تغییر داد.

آثار کوستودیف: "Shrovetide" (1919)، "تاجر برای چای" (1918)و غیره.

کوستودیف بسیاری از پرتره های گرافیکی و تصویری ساخت، طرح هایی از دکوراسیون جشن پتروگراد، نقاشی ها، کاریکاتورها و جلد کتاب ها و مجلات با محتوای مختلف ساخت، تصاویر دیواری و تقویم "دیوار" ساخت، 11 نمایش تئاتر طراحی کرد.

نیکلاس روریچ(1874–1947) - نقاش روسی. او در ژانر تاریخی کار می کرد، مناظر را نقاشی می کرد. روریچ در همان زمان به فعالیت های علمی نیز می پرداخت. او حفاری هایی انجام داد و در مؤسسه باستان شناسی سن پترزبورگ سخنرانی کرد.

در سال 1899، این هنرمند چرخه "آغاز روسیه" را تصور کرد. اسلاوها". شامل نقاشی بود "مهمانان خارج از کشور"، "شوم" (1901)، "شهر در حال ساخته شدن است" (1902)و غیره.

در 1903-1904 این هنرمند به منظور مطالعه هنر باستانی روسی و عامیانه سفرهای زیادی به شهرهای روسیه انجام داد. نتیجه آنها مجموعه ای از مطالعات چشم انداز بیانی بود: "روستوف بزرگ" (1903)، "حیاط کلیسای پسکوف" (1904)اما نه تنها دوران باستان روسیه روریچ را به خود جذب کرد. از نیمه دوم دهه 1900. او در آثار خود به عصر حجر، و به تصاویر حماسه اسکاندیناوی، و به افسانه های شرق پرداخت.

رمز و راز و عرفان مناظر هنرمند را متمایز می کند. پیش بینی فاجعه های جهانی - "نبرد آسمانی" (1912)، "شهر محکوم" (1914)و ... در همین سالها تکنیک نقاشی استاد نیز تغییر کرد. از نقاشی رنگ روغن به سمت مزاج رفت و شروع به استفاده از زمینه های رنگی کرد.

فعالیت چند جانبه روریش فقط شامل نقاشی نمی شد. او به عنوان طراح تئاتر، در «فصول روسی» اثر معروف دیاگیلف در پاریس شرکت کرد. منظره روریچ برای "رقص های پولوتس" از اپرای A.P. بورودین "شاهزاده ایگور" (1909) مردم پاریس را شگفت زده کرد. در مجموع در سال های پیش از انقلاب این هنرمند بیش از 10 اجرا طراحی کرد.

از سال 1928، روریچ و خانواده اش در هند ساکن شدند. روریچ توجه زیادی به دانش بودیسم و ​​سایر ادیان جهانی داشت. دیدگاه های مذهبی و فلسفی او در چرخه نقاشی "معلمان شرق" (دهه 1930) منعکس شد.

ویکتور الپیدیفورویچ بوریسوف-موساتوف(1905-1870) در پی این بود که دنیای واقعی را یادآور دنیای دیگر، غیر واقعی و زیبای گذشته معرفی کند. او مستعد تزئینات بود، تصویر را به نوعی تابلو تبدیل می کرد، او عاشق رنگ آبی-سبز بود. شخصیت‌های بیشتر نقاشی‌های او زنان جوانی بودند که لباس‌های قدیمی در پس‌زمینه یک خانه‌نشینی به تن داشتند. اما اینها تصاویر تاریخی نبودند.

این هنرمند به کلی‌ترین و تقریبی‌ترین نشانه‌های دوران باستان نیاز داشت تا از آنها برای انتقال احساس مرثیه‌ای خود استفاده کند، که با تأملاتی در مورد گذشته‌ای که به‌طور برگشت ناپذیری از بین رفته تغذیه می‌شود. "ملیله" (1901) و "کنار برکه" (1902)، "گردنبند زمرد" (1903-1904).

در سال 1899، نقاشی "برکه" که در یکی از نمایشگاه ها نشان داده شد، موفقیت بزرگی بود و محبوبیتی را برای نویسنده خود به ارمغان آورد، که قبلا فقط در دایره باریکی از همکاران و کارشناسان ارزش داشت.

در سال 1904، بوریسوف-موساتوف سفارش چهار نقاشی را برای یک عمارت غنی دریافت کرد. او موضوع پیشنهادی «چهار فصل» را به شیوه‌ای بسیار عجیب تفسیر کرد و همان‌طور که در کارهای قبلی آغاز شده بود، با استفاده از موتیف‌ها و جزئیاتی که دوست داشت، ادامه داد، اما آنها را تابع یک راه‌حل ترکیبی کاملاً جدید کرد. طرح های آبرنگ ساخته شده توسط او نوید یک کار برجسته را می داد، اما نقاشی ها به دلایل نامعلومی اجرا نشدند.

به زودی این هنرمند به تاروسا نقل مکان کرد و آخرین ماه های زندگی خود را در آنجا گذراند. او به شدت مانند قبل کار کرد: او چندین مطالعه منظره عالی ایجاد کرد که به نقطه عطفی در نقاشی منظره روسی تبدیل شد و تقریباً نقاشی Requiem را تکمیل کرد. در سال 1905 درگذشت.

مارک زاخارویچ شاگال(1887-1985) - یکی از شگفت انگیزترین چهره ها در هنر قرن XX. او را یک خیال‌پرداز، یک نویسنده علمی تخیلی، یک اسطوره‌ساز، یک جادوگر می‌نامیدند، او را باستان‌گرا و مبتکر می‌دیدند، او را به بدوی‌گرایی، اکسپرسیونیسم، سوررئالیسم و ​​دیگر جریان‌های هنر مدرن نزدیک می‌کردند، اما هر تعریفی قبل از آن ناتوان است. رمز و راز خلاقیت شاگال

در حال حاضر ساخته های اولیه شاگال ("کرمسا"، 1908، "مردگان"، 1908، "تولد"، 1910)اصالت نادری از جهان بینی را آشکار می کند، اگرچه در آثار دوره سن پترزبورگ می توان ردپایی از تأثیرات تجربه شده توسط هنرمند جوان را یافت. او به سنت کلاسیک و نمادگرایی مدرن ادای احترام کرد. روند توسعه بیشتر آن با جنبش نئو بدوی گرایی مطابقت دارد.

شاگال که به راحتی تکنیک های جدیدترین گرایش ها را جذب می کند، بر اساس این اصل عمل می کند که «آنچه را که مال خودم است می برم جایی که آن را پیدا می کنم» و با آنچه درونی ترین مبنای جهان بینی او را تشکیل می دهد، کوچکترین سازش نمی کند. در عطش سیری ناپذیر خلاقیت، او به آن درجه شدید از تشدید واکنش های روحی می رسد، به آن تنش شاعرانه ـ وجدآمیز، زمانی که تمام مرزهای بین امر مرئی و خیالی، بیرونی و درونی از بین می رود و هنرمند حقیقتاً آنچه را که در رویا می بیند می بیند. در مورد اینکه چه چیزی را دوست دارد و به چه چیزی اعتقاد دارد. از این رو بیان خیره کننده فرم و رنگ، دگرگونی های خارق العاده دنیای عینی در بوم های شاگال - "من و روستا"، 1911; "روسیه، خرها و دیگران"، 1911-1912. "ویلنیست"، 1912-1913; "مادر شدن. زن باردار، 1913.

شرکت در نمایشگاه های پاریس، مسکو، سن پترزبورگ، آمستردام، برلین، شاگال به شهرت رسید.

شاگال با نوشتن شعر در تمام زندگی خود ، تکنیک های صرفاً شاعرانه را به نقاشی منتقل کرد که تحقق استعاره باید برجسته شود. شخصیت‌های او طوری در آسمان قدم می‌زنند که انگار روی زمین راه می‌روند. "پیاده روی" (1917)، "بر فراز شهر" (1914-1918). چیزهایی که در نقاشی‌ها و طراحی‌های شاگال وجود دارد، عادت‌های انسانی، چهره‌های مشخصی دارند - "داخلی با گل" (1918)و گاهی اوقات به نمادهای فضا-زمان در مقیاس کیهانی تبدیل می شوند - "ساعت ها" (1914).

شاگال عمر بسیار طولانی داشت و خستگی ناپذیر کار کرد. او صدها نقاشی و صفحات گرافیکی، چرخه های گسترده تصویرسازی در تکنیک های مختلف (برای کتاب مقدس، داستان های "هزار و یک شب"، "ارواح مرده" اثر N.V. Gogol و غیره ایجاد کرد. او به صحنه‌سازی و لباس‌های تئاتر مشغول بود، نقاشی‌های به یاد ماندنی (سقف اپرای بزرگ پاریس، نقاشی‌های اپرای متروپولیتن نیویورک)، پنجره‌های رنگی، موزاییک‌ها و ملیله‌ها را اجرا کرد. به این باید سرامیک و مجسمه سازی را نیز اضافه کرد.

ولادیمیر اوگرافوویچ تاتلین(1885-1953) - یکی از برجسته ترین چهره های هنر جدید دهه 1910-20، بنیانگذار سازه گرایی. به طور کلی، یک فرد منحصر به فرد آوانگارد روسیه است. زندگی او زندگی یک متعصب و زاهد بود، خلاقیت تمام آن را پر کرده بود.

در ابتدا، تاتلین به گونه ای نقاشی می کرد که تأثیر لاریونوف را با عناصر کوبیسم ترکیب می کرد، سپس به سمت «نقوش برجسته تصویری» رفت (آنها همچنین «ضد نقش برجسته» یا «گزیده های مادی» هستند). این انتزاعات حجمی-فضایی ساخته شده از آهن و چوب، با استفاده از شیشه، گچ، کاغذ دیواری، قطعاتی از چیزهای تمام شده و تا حدی پردازش شده با وسایل تصویری، ابتدا توسط او در نمایشگاهی در استودیوی خود (1914) و سپس در نمایشگاه ها به نمایش درآمد. تراموا B، "1915"، "فروشگاه". آنها خط سازنده گرایی را در آوانگارد روسیه، خط علم مواد آغاز کردند.

تاتلین طرح‌هایی از ظروف، لباس‌ها و حتی اجاق‌ها می‌سازد، اما مدل‌های او معمولاً اتوپیایی هستند، پروژه‌هایی از ایده‌ها هستند، نه چیزهایی. چنین "یادبود بین المللی سوم" ("برج تاتلین"، 1919-1920)- تجسم نمادین دوران انقلاب.

در دهه 1920 تاتلین به طور فعال در کمیساریای خلق آموزش و اینخوک کار می کند، در موسسه هنر کیف و وخوتین تدریس می کند. وظایف عمومی چیزی بیرونی برای او نیست، آنها، به قولی، بخشی از هنر هستند. تاتلین که هنرمند یک انبار کلی و وجودی است، هنر را به انواع و ژانرها تقسیم نمی کند - او به ساختن فرم های جدید در همه چیز به یکباره مشغول است، از معماری تا تجارت کتاب و از طراحی تا صحنه نگاری.

آثار تئاتری بعدی او ("ما تسلیم نخواهیم شد"، تئاتر مجلسی، 1935، و غیره) که به آثار اولیه ("تزار ماکسیمیلیان"، حلقه ادبی و هنری مسکو، 1911، و غیره) در محدوده ایده های صحنه ای تسلیم شد. سطح بالایی از مهارت و تفکر هنری را حفظ کنید. این سطح توسط نقاشی اواخر او حفظ شده است - مجلسی، نازک. طبیعت های بی جان که "برای خود" انجام می شود با هر نوع خشونت علیه طبیعت بیگانه است.

ناتالیا سرگیونا گونچاروا(1881-1962) به عنوان یک مجسمه ساز آموزش دید، بعدا نقاشی را آغاز کرد. آثار اولیه امپرسیونیستی او با موفقیت در نمایشگاه های جهان هنر به نمایش درآمد.

در حالی که هنوز در مدرسه بود، گونچارووا با M.F. لاریونوف، سرنوشت شخصی و خلاقانه خود را با او مرتبط کرد. این هنرمند به کوبیسم و ​​آینده نگری علاقه مند بود و در سال 1906 به بدوی علاقه مند شد.

نئو بدوی گرایی گونچاروا سهم بزرگ او در هنر اوایل قرن بیستم است. این هنرمند از نماد روسی، چاپ های رایج مردمی، بت های بت پرست، "زنان سنگی" الهام گرفت - "درو نان" (1908)، "ماهیگیری" (1909)، "بت ها" (1908-1909).

یکی از ویژگی های نقاشی او استفاده از لکه های رنگی صاف بود که با یک طرح کلی مشخص شده بود. در 1911-1912 گونچارووا شروع به اقرار به اصول رایونیسم می کند که توسط لاریونوف توسعه یافته است. از معروف ترین آثار او در این زمان می توان به "دوچرخه سوار".

کار گونچاروا همیشه با درک مواجه نمی شد. در سال 1911، پلیس خواستار حذف این نقاشی از نمایشگاه جک از الماس شد "خدای باروری". در سال 1912، کلیسا با چرخه چهار قسمتی مخالفت کرد "بشارتان".

یک صفحه جداگانه از بیوگرافی خلاقانه گونچاروا کار او در نشریات آینده نگر است. در سال 1912، کارت پستال های لیتوگرافی با نقاشی های گونچارووا ظاهر شد. در سال 1913 او نسخه هایی از شاعران V.V. خلبانیکوا، A.E. کروچنیخ، ک.ا. بولشاکووا، S.P. بوبروا، در عین حال تقریباً تنها کسی از آینده پژوهان بود که از روایت آثار خود نمی ترسید.

1913 پر حادثه ترین در کار او بود. در نمایشگاه لوبوک که توسط لاریونوف برگزار شد، 6 اثر آبرنگ از گونچارووا به نمایش گذاشته شد که تجربه ای از احیای سنت های نقاشی عامیانه بود.

در سال 1915، گونچارووا و لاریونوف روسیه را ترک کردند و پیشنهاد دیاگیلف را برای همکاری با یکدیگر پذیرفتند. در شرکت دیاگیلف ، این هنرمند روی طراحی اجراها کار کرد "قصه های روسی"، "روسری کلمبینی"بهترین خلاقیت او مناظر و لباس بود "عروسی" (1923)و "پرنده آتشین" (1926). گونچارووا اغلب با تئاترهای اروپا و آمریکا همکاری می کرد. او تحصیلات خود را در نقاشی و گرافیک رها نکرد، در نمایشگاه ها شرکت کرد.

میخائیل فدوروویچ لاریونوف(1881-1964) - هنرمند روسی، شوهر N.S. گونچاروا.

سالهای تحصیل مربوط به دوره اولیه امپرسیونیستی کار لاریونوف است. او به روشی که از هنرمندان فرانسوی به ارث رسیده بود، مجموعه ای کامل از نقاشی ها را خلق کرد. تنش رنگ، غنای بافت های تصویری، نقاشی هایی مانند "رز بوش"، "ماهی در غروب آفتاب". آثار او در نمایشگاه‌های انجمن آبرنگ‌نویسان روسی، دنیای هنر، در نمایشگاه روسی سالن پاییز 1906 در پاریس موفق بود.

در سال 1907، لاریونوف هنر بدوی عامیانه را کشف کرد - چاپ عمومی روسی، علامت صنایع دستی و غیره. مرحله بدویگرایی در کار هنرمند پربارترین مرحله است. لاریونوف به فرهنگ خیابانی علاقه دارد - سریال های "دندی ها" و "آرایشگران". در نمایشگاه "جک از الماس" در سال 1910، او بوم را به نمایش گذاشت "نان"، یادآور علامت نانوایی است. در نمایشگاه "دم الاغ" در سال 1912 که توسط خود لاریونوف برگزار شد، نقاشی هایی از "سری سرباز" به نمایش گذاشته شد - "سرباز در حال استراحت" (1910).

بدوی گرایی لاریونوف حتی در نقاشی های حصارها و کتیبه ها الهام گرفت. در دهه 1910 لاریونوف خود را به عنوان یک سازمان دهنده درخشان نشان داد: او گروهی از هنرمندان جوان مسکو را رهبری کرد، در سال 1913 نمایشگاهی از چاپ های محبوب آماده کرد که شامل تصاویر عامیانه شرقی و اروپایی، علائم، نان زنجفیلی چاپ شده و غیره بود، در همان سال او نمایشگاهی را برگزار کرد. نمایشگاه نمونه های اصلی و پرطرفدار آیکون نگاری.

در نمایشگاه تارگت (1913)، لاریونوف آثاری از یک ناتمام ارائه کرد چرخه زهرهو چهار بوم "فصول" (1912)که از سوی منتقدان به عنوان یک چالش تلقی می شد. آنها از زبان نقاشی های کودکان و نمادهای باستانی استفاده می کنند که با متن بی تکلف تکمیل می شود.

"هدف" به بالاترین نقطه در توسعه ایده های هنری لاریونوف تبدیل شد. در سال 1913، لاریونوف بروشور Luchism را منتشر کرد، که در آن نظریه یک روند جدید را فرموله کرد: "سبک نقاشی تابشی به اشکال فضایی برخاسته از تقاطع پرتوهای منعکس شده اشیاء مختلف اشاره دارد. پرتو به طور معمول در هواپیما با یک خط رنگی به تصویر کشیده می شود. نقاشی های درخشان - "خروس و مرغ" (1912)، "لوچیسم» (1912)و غیره.

رایونیسم لاریونوف پایه های هنر انتزاعی را بنا نهاد. از سال 1912، لاریونوف بسیار به گرافیک مشغول بود: او یک سری کارت پستال لیتوگرافی ساخت که نقاشی های او را تکرار می کرد.

در سال 1915 ، به دعوت S. P. Diaghilev ، همراه با N. S. Goncharova ، به گروه باله روسیه پیوست و روی طرح های لباس و مناظر کار کرد. از سال 1919، لاریونوف و گونچارووا در پاریس مستقر شدند. این هنرمند همچنان به نقاشی و گرافیک پرداخت و در نمایشگاه ها شرکت کرد و به طور جدی به جمع آوری علاقه مند شد.

نیکو (نیکلای اصلانوویچ) پیروسماناشویلی(1862–1918) - نقاش بدوی گرجی او که یک استاد خودآموخته بود، آثار خود را بر اساس سنت های فولکلور خلق کرد. مضامین اصلی نقاشی‌های او صحنه‌های ژانر است که در میان آنها جشن‌های رنگارنگ گرجی، ترکیب‌بندی‌های تک پیکر، تصاویر متعدد و طبیعت بی‌جان در وهله اول قرار دارند. در نگاه اول، همه ترکیب‌بندی‌های او ساده‌لوحانه کودکانه به نظر می‌رسند: چهره‌های ایستا که به شیوه‌ای بسیار شماتیک نقاشی شده‌اند، چهره‌های یخ‌زده، قرار دادن مشروط فیگورها در فضا. اما رنگ آمیزی سختگیرانه و محدود به صحنه ها و شخصیت های خنده دار حس آرامش عاقلانه می دهد. اغلب، تن های تیره در رنگ آمیزی پیروسماناشویلی غالب است. "زنی با یک لیوان آبجو."

زینیدا اوگنیونا سربریاکوا(1884-1967) در یک محیط هنری بزرگ شد. او آموزش منظم هنری دریافت نکرد و حرفه ای رشک برانگیز خود را در درجه اول مدیون تأثیر محیط و حتی بیشتر - به تلاش های خود و شدیدترین خواسته ها از خود بود. او به طور مداوم در طبیعت کار می کرد، طرح ها، منظره ها و پرتره ها می نوشت - "پشت توالت. سلف پرتره» (1909).

در سال 1914 سربریاکوا چندین ماه را در ایتالیا گذراند و در آنجا از نزدیک هنر رنسانس را مطالعه کرد. او در همان سال یک نقاشی جذاب خلق کرد "فرزندان"، پرتره گروهی فرزندانشان. اما نیروهای اصلی هنرمند به توطئه هایی از زندگی دهقانی داده شد. دو عکس "حمام" (1912، 1913)نمایشی مملو از هماهنگی روحی و جسمی، جذابیت شادی بی ادعا.

نقاشی ها دنبال شد. "دهقانان"(1914؛ قطعه ای از یک ترکیب بزرگ که توسط خود هنرمند تخریب شد) برداشت (1915)، سفید شدن بوم (1917) و زن دهقان خفته (1917). این آثار اکنون به عنوان مرثیه ای برای بهترین ها تلقی می شوند که روستای پیش از انقلاب روسیه را متمایز می کند.

در سال 1924 سربریاکوا به پاریس رفت. او خیلی کار می کرد، اما آنچه از زیر قلم مو بیرون می آمد نسبت به آنچه در سال های قبل از انقلاب اجرا می شد به طرز محسوسی پایین تر بود.

پاول نیکولایویچ فیلیمونوف(1883-1941) - یکی از رهبران آوانگارد روسیه. وسواس خلاقانه او عده ای را به وجد آورد و برخی دیگر را دفع کرد. زهد او تبدیل به افسانه شد.

اولین آثاری که روش تحلیلی فیلونووی را پیش‌بینی می‌کنند به سال 1910 برمی‌گردد - نقاشی "خانواده دهقان"، نقاشی "سرها". اگر در نقاشی تمایل به توضیح دقیق فرم همچنان وضوح معمول رابطه بین شکل ها و پس زمینه را نقض نمی کند، در این صورت تصویر قبلاً ترکیبی از تصاویر در مقیاس های مختلف است که با یک دیدگاه وحدت به هم متصل نشده است. به عنوان میوه ای از خیال آزاد تلقی می شود.

فعالیت خلاق فیلونوف در اوایل دهه 1910. از نزدیک با انجمن هنری سنت پترزبورگ "اتحادیه جوانان" مرتبط است. در این زمان، چیزهای مهمی از او مانند "غرب و شرق"، "شرق و غرب"، (هر دو 1912-1913)و معروف "جشن پادشاهان" (1913).این آثار از نظر روحی نمادین، در عین حال گرایش فیلونوف به نئو بدوی گرایی و اکسپرسیونیسم را نشان می دهند.

آلیاژ پیچیده ای از جهت گیری های سبکی، ترکیبی از واقعی و خارق العاده، "آناتومیزه کردن" شکل جسم، تکنیک "کریستال" - با این ویژگی ها فیلونوف با وروبل مرتبط است. فیلیمونوف با توسعه اصول هنر تحلیلی، عمداً آن را با کوبیسم مخالفت کرد. به گفته وی، کوبیسم از طریق هندسه سازی، اراده خود را بر جهان تحمیل می کند و از این رو زبان هنر را قدیس می بخشد و هنرمند تحلیلگر به دنبال تقلید از طبیعت در همان شیوه عمل است.

فعالیت فیلونوف به حوزه نقاشی محدود نمی شد. در سال 1913، او دو منظره عظیم را که شهر را به تصویر می‌کشد، تکمیل کرد. او همچنین با شاعران آینده پژوه در انتشار مجموعه های چاپ سنگی همکاری داشت.

از بهترین آثار فیلونوف می توان به نقاشی ها اشاره کرد "خانواده دهقان (خانواده مقدس)" (1914)، "گلهای جهان شکوفا می شوند" (1915)، آبرنگ "برنده شهر" (1914-1915)، "کارگران" (1915-1916).

کار سخت در کارگاه، نمایشگاه ها، اختلافات، شرکت در سازماندهی پتروگراد اینخوک، رساله های نظری، تمرین آموزشی، رهبری انجمن "استادان هنر تحلیلی" (MAI) - فعال ترین فعالیت فیلونوف در دهه 1920 است. در این زمان او ده ها طرح و نقاشی خلق کرد - فرمول امپریالیسم (1925)، سر زنده (1923)، فرمول بهار (1928-1929)، دروازه ناروا (1929)و غیره.

ناسازگاری آشکار کار فیلونوف با ایدئولوژی رئالیسم سوسیالیستی به این واقعیت منجر شد که در دهه 1930. این هنرمند خود را در انزوا یافت و عملاً از امرار معاش محروم شد.

ال (لازار مارکوویچ) لیسیتسکی(1890-1941) یکی از اولین هنرمندان آوانگارد روسی بود. او کاشف و مبلّغ نظام نبود، بلکه محبوب کننده زبان بود. این هنرمند را از مکتب و تعصب نجات داد، اما کار او را با وسعت فوق العاده ای از کاربردها فراهم کرد. نام لیسیتسکی بیشتر با گسترش زیبایی شناسی جدید به عنوان "سبک زمان" مرتبط است. او مانند هیچ کس دیگری، با مشارکت فعال در پروژه های بین المللی به رسمیت شناختن بین المللی آن کمک کرد.

در دوره تدریس معماری و چاپ در مدرسه هنر مردمی در ویتبسک (1919-1920)، لیسیتسکی به خلاقیت غیر عینی رسید. لیسیتزکی عضو انجمن Unovis شد که توسط Malevich ("تأیید کنندگان هنر جدید") تأسیس شد. اصول شکل‌سازی سوپرماتیسم نه تنها توسط او در ژانرهای توده‌ای اقتباس شد (پوستر "سفیدها را با گوه قرمز بزنید"، 1920)، اما همچنین به روش خود در "ضمایر" توسعه یافته است ("پروژه هایی برای تصویب جدید"، 1919-1924). به عنوان مدل های فضایی معماری اتوپیایی، "پرون ها" انتقال هندسه سوپرماتیستی را از یک صفحه به یک حجم، به مقیاس یک محیط شهری واقعی ممکن کردند - آنها همچنین به عنوان مبنایی برای طرح های معماری محقق نشده لیسیتسکی (آسمان خراش افقی، اشتراکی) عمل کردند. خانه، باشگاه قایق بادبانی).

شکل دیگری از توسعه قوانین سوپرماتیست "پیکره ها" (طرح های صحنه نگاری) برای تولید غیرقابل تحقق اپرای "پیروزی بر خورشید" (1920-1921) بود که توسط هنرمند به عنوان "نمایش الکترومکانیکی" تصور می شد. ماشین آلات و تمرینات اختراعی برای لیسیتسکی بسیار مورد توجه بود (یکی از بهترین اختراعات او پروژه تریبون متحرک خطیب، 1924) بود.

لیسیتسکی با ترویج آوانگارد شوروی در وحدت سبکی مفاهیم تشکیل دهنده آن (سوپرماتیسم، سازه گرایی، عقل گرایی)، آن را در بستری غربی ساخت. او همراه با I. G. Ehrenburg مجله "Thing" (1922) را با M. Shtam و G. Schmidt - مجله "ABC" (1925) تأسیس کرد. در مسابقات و نمایشگاه ها شرکت کرد. در عین حال در زمینه تبلیغات و گرافیک کتاب، عکاسی و پوستر به فعالیت های زیادی ادامه داد.

نقاشی پس از انقلاب 1917 انقلاب 1917، جنگ داخلی، قحطی و ویرانی، نابودی کامل سبک زندگی قدیمی، تشدید سیاست سرکوبگرانه بلشویک ها، مردم را در ترس و سردرگمی فرو برد. دولت جدید فهمید که بازگرداندن مردم به خلقت پس از تحولات شدید تنها در صورتی امکان پذیر است که (صادقانه یا رسمی) به درستی راه انتخاب شده ایمان داشته باشند. تعلیم و تربیت، علم و هنر توسط نظریه پردازان بلشویک به عنوان ابزاری برانگیخته و آموزشی تلقی می شد که امکان تبلیغ اندیشه های کمونیسم و ​​کنترل ایدئولوژی جامعه را فراهم می کرد.

کنستانتین فدوروویچ یوون(1875-1958). سرنوشت از هر نظر به او لطف داشت. موفقیت خیلی زود به سراغش آمد و همیشه همراهش بود. مردم متوجه نقاشی های او در نمایشگاه های دانشجویی شدند و با کمال میل آنها را خریدند. او به عنوان یک منتقد هنری با آثاری در مورد آثار هنرمندان روسی، در مورد تکنیک نقاشی، در مورد آموزش هنری عمل کرد. بلافاصله پس از فارغ التحصیلی از کالج، یوون شروع به تدریس کرد و در تمام زندگی خود این کار را انجام داد و قدردانی زیادی از دانش آموزانش به دست آورد.

یوون آثار زیادی در سطوح مختلف از خود به جای گذاشت. او نقاش، گرافیست و طراح تئاتر بود. او خود را در نقاشی موضوعی امتحان کرد، پرتره هایی از معاصران خود کشید، اما نقاشی منظره حرفه واقعی او بود. او برخی از اصول امپرسیونیست های فرانسوی را بدون شکستن سنت های رئالیسم روسی نیمه دوم قرن نوزدهم، یعنی بدون «حل کردن» شکل اشیاء در محیط، آموخت.

او شادی و زیبایی را در طبیعت و زندگی دوست داشت. با کمال میل خورشید، برف، لباس های عامیانه روشن، بناهای معماری باستانی روسیه را به تصویر کشید - "ترینیتی لاورا در زمستان" (1910)، "روز آفتابی بهار" (1910)؛ "خورشید مارس" (1915). نقاشی او معروف است «گنبدها و پرستوها. کلیسای جامع تثلیث - سرگیوس لاورا "(1921). این یک منظره پانوراما است که از برج ناقوس کلیسای جامع در یک عصر تابستانی صاف، در غروب آفتاب نقاشی شده است. در زیر آسمان لطیف، زمین رونق می گیرد و در پیش زمینه، گنبدهای آفتابی با صلیب های طرح دار طلایی می درخشد. این موتیف نه تنها بسیار زیبا است، بلکه برای دوران مبارزه بی‌رحمانه دولت جدید با کلیسا نیز جسورانه است.

به موضوعات تاریخی - انقلاب و جنگ میهنی - یوون نیز از طریق چشم انداز نزدیک می شود - "رژه در میدان سرخ مسکو در 7 نوامبر 1941" (1942).

در میان آثار بعدی یوون، آثاری که در روستایی در نزدیکی مسکو نوشته شده اند برجسته هستند - «پایان زمستان. ظهر» (1929); "یک پنجره باز. لیگاچوو" (1947)و آنهایی که با توجه به خاطرات دوران جوانی نوشته شده اند و با زندگی مسکوی قدیمی مرتبط هستند که این هنرمند را بزرگ کرده است - غذا دادن به کبوترها در میدان سرخ در سالهای 1890-1900 (1946).

نقاشی دهه 20-30 در هنرهای زیبای دهه 20. جستجوهای هنری آغاز قرن همچنان ادامه دارد. گواه این امر وجود گروه بندی ها و گرایش های گوناگونی است که مسائل خلاقانه را به طرق مختلف حل می کنند. بزرگترین آنها انجمن هنرمندان روسیه انقلابی (AHRR)، انجمن هنرمندان Easel (OST)، انجمن "4 هنر"، انجمن هنرمندان مسکو (OMH) هستند. همه این انجمن ها به طور رسمی در دهه 30 منحل شدند.

انجمن هنرمندان انقلابی روسیه(1922-1932) بیش از همه بود. AHRR با تکیه بر سنت‌های واقع‌گرایانه پیشگامان، با شعار «هنر برای هنر» با گرایش‌های چپ در هنر مبارزه کرد و هنرمندان را فراخواند و از هنرمندان خواست تا نقاشی‌های ژانری با موضوعات مدرن و تاریخی-انقلابی خلق کنند. از جمله هنرمندان این جهت می توان به برادسکی، ریاژسکی، گرکوف، یوگانسون، گراسیموف و دیگران اشاره کرد.

بوریس ولادیمیرویچ یوگانسون(1893-1973). نقاشی‌های او در هنر شوروی نمونه‌ای در نظر گرفته می‌شد که به طور ایده‌آل با اصول رئالیسم سوسیالیستی سازگار بود.

در نقاشی اولیه ایوگانسون، داستان غالب است، توجه زیادی به جزئیات طرح شده است. او پانورامایی از سایت های ساخت و ساز می نویسد: "برای مبارزه با ویرانی" (1922)، "ساخت نیروگاه برق آبی Zemo-Avchalskaya" (1925). او به وضوح به علایق و ناخوشایندهای خود اشاره می کند، در مورد روابط و دستورات جدید: "دادگاه شوروی" (1928). به دنبال یک نوع اجتماعی جدید: "ربفک می رود (دانشجویان دانشگاه)" (1928). تصویر پر است از بسیاری از قسمت های تقریبا مستقل. "ایستگاه راه آهن تقاطع در سال 1919" (1928).

در دهه 1930، هنرمند بدون رها کردن ملموس بودن موقعیت های زندگی و طبیعی بودن نقاشی، تلاش می کند تا نوعی حماسه شوروی خلق کند. او به دنبال تصاویری از «قهرمانان» و «شرورهای» اسطوره سیاسی جدید است و در موقعیت‌های دراماتیک با آن‌ها روبرو می‌شود. "بازجویی از کمونیست ها" (1933)، "در کارخانه قدیمی اورال" (1937).

این هنرمند همچنین پرتره هایی را نقاشی کرد - "پرتره کارگردان V. I. Nemirovich-Danchenko (1948). و در سال 1950، تحت رهبری او، یک گروه کامل از هنرمندان یک بوم بزرگ خلق کردند "سخنرانی وی. آی. لنین در کنگره سوم کومسومول"- نمونه مشخصی از خلاقیت جمعی غیرشخصی که سپس تشویق شد.

در دهه 1940-1960 ایوگانسون زمان زیادی را به تدریس اختصاص داد. از سال 1962 رئیس فرهنگستان هنر بود.

انجمن نقاشان سه پایه(1925-1932) فارغ التحصیلان جوان VKHUTEMAS - اولین دانشگاه هنر شوروی را گرد هم آورد. OST شامل اشترنبرگ، داینکا، ویلیامز، آننکوف، تایشکر، پیمنوف و دیگران بود.آنها برخلاف آرروتسی، آرمان زیبایی شناختی خود را نه در گذشته، بلکه در جستجوهای معاصر برای هنر اروپایی یافتند. موضوعات آثار اوستوف صنعتی شدن، منظر شهری، تصاویر قرن جدید است. آثار هنرمندان OST پویایی ترکیب، وضوح طراحی و لکونیسم فرم است.

الکساندر الکساندرویچ دینکا(1899-1969) به نظر می رسد که نقاشی های او مظهر ترحم تاریخ شوروی در دهه های 1920-1930، شعارهای بصری و جذابیت های آن است. لذت پیروزی صنعتی شدن و پیشرفت تکنولوژی، ایمان به ذهن سالم در بدن سالم - این احساس از جهان در نقاشی و گرافیک هنرمند با تمامیت و اصالت مطلق منعکس شد.

دینکا با عضویت در OST (1925) خود را در میان مدافعان نقاشی سه پایه و در نتیجه مخالف برنامه آوانگارد "هنر تولید" یافت. اول از همه، دینکا به این عنوان مقید به سنت نقاشی نبود. او یک درک صرفا گرافیکی از فرم را وارد نقاشی خود کرد. نقاشی های او رنگارنگ نیستند - بیان پویای ترکیب ها بر اساس یک ریتم خطی دقیقاً تنظیم شده است که در بهترین آثار دارای یک پوستر نشانه و در عین حال مختصر به یاد ماندنی است. ("دفاع از پتروگراد"، 1928، "اسکی بازان"، "دویدن"، هر دو 1934).

ریتم پویا، عینیت برجسته و عشق به زوایای تیز به نوعی "کارت تلفن" هنرمند تبدیل می شود - این نشانه ها به طور غیرقابل تشخیصی قابل تشخیص هستند: گرافیک کتاب او ("مس" اثر N. Aseev، 1930)، پوسترهای سال های مختلف، آثار تاریخی. (موزاییک های ایستگاه های مترو مسکو "Mayakovskaya"، 1939؛ "Novokuznetskaya"، 1943). به نظر می رسد نقاشی بعدی از قوانین زیبایی شناسی استوو دور است - "حومه مسکو" (1941)؛ "دفاع از سواستوپل" (1942)؛ "کنار دریا" (1956-1957).

آثار Deineka به طور کامل ایده ها و اصول هنری استادان OST - "تکنیست ها" را که از زندگی جدید الهام گرفته شده است، عمدتاً جنبه های صنعتی و ورزشی آن، و از نظر سبکی به سمت اکسپرسیونیسم آلمانی جذب می شود، تجسم می بخشد.

به موازات آن، در حال توسعه، و در طول سال ها بیشتر و مهم تر، حوزه دیگری از کار او - پرتره های اتاقی، مناظر طبیعی است. در این ژانرهای "کوچک" که دیگر به وظیفه ارائه تصویری بزرگ از زمان محدود نمی شوند، دینکا غنایی را به دست می آورد، آنها استعداد یک نقاش ظریف را آشکار می کنند.

یوری (جورج) ایوانوویچ پیمنوف(1903-1977) می خواست هنرمندی از زمان حال باشد تا احساس امروزی از زندگی را که با روح و ظاهر هر روز می گذرد تجسم بخشد. بنابراین معلوم شد که او یک هنرمند بسیار شوروی است. اما استوفسی ها نه تنها مضامین، بلکه کل ساختار هنر خود را می خواستند کاملاً مدرن کنند. به نظر می رسید این اکسپرسیونیسم آلمانی است، با زبان تصویری تند و گاه گروتسک. پیمنوف می نویسد "جنگ معلولان"، با ماسک های بی چشم به جای صورت (1926)، ورزشکاران اسکلتی زاهد ("دویدن"، 1928)و کارگران تقریباً به همان اندازه لاغر در پس زمینه لوکوموتیوهای بخار سخت کشیده شده و خرپاهای فولادی در تصویری که از نظر عنوان و هدف پوستر مانند است. "صنایع سنگین را بدهید!" (1927).

تا دهه 1930 شدت جعلی از کار پیمنوف ناپدید می شود. با قلم موی متحرک و سبک، با رنگ های روشن، پرتره های زنانه را می کشد. ("پرتره L. A. Eremina"، 1935)، طبیعت نزدیک مسکو، تنوع رنگین کمانی اشیا و پارچه ها در اتاق رختکن بازیگر زن ("بازیگر"، 1935). سطح رنگین کمانی زندگی او را مجذوب خود می کند: بخش های تازه بازسازی شده اوخوتنی ریاد، سر بریده دختر، دستانش روی فرمان ماشین باز، میخک های کنار شیشه جلو - همه به رنگ های صورتی و آبی با رنگ های ظریف امپرسیونیستی. ("مسکو جدید"، 1937).

ژانر رپورتاژ غنایی، تحسین عاطفی از شلوغی جشن زندگی شهری تا پایان عمر پیمنوف عناصر او باقی خواهند ماند. از اواخر دهه 1950 هدف اصلی مشاهده او محله های جدید اطراف مسکو است. او بسیار ناقص و خالی از سکنه آنها، شیوه زندگی موقت و در عین حال نابسامان آنها را تحسین می کند.

پیمنوف با کارهای تئاتری اش شناخته می شود: او نمایشنامه «برای کسانی که در دریا هستند» را طراحی کرد. B. A. Lavreneva (1946)، "استپ گسترده" اثر N. G. Vinnikov (1949).

نمایندگان انجمن "4 هنر"(1924-1931) به بررسی ویژگی های تعامل نقاشی، مجسمه سازی، معماری و گرافیک پرداخت. این انجمن شامل هنرمندان پتروف-ودکین، برونی، ساریان، فاورسکی، کوزنتسوف بود. آنها برای حرفه ای بودن بالا، برای غنای عاطفی آثار خود تلاش کردند.

کوزما سرگیویچ پتروف-ودکین(1878-1939). سرنوشت خلاقانه پتروف-ودکین با خوشحالی توسعه یافت. تبدیل پسر یک کفاش به یک نقاش مشهور، حرکت سریع او از ولگا به مراکز فرهنگ اروپایی، نزدیکی او به بزرگترین چهره های هنر روسیه در محافل تصفیه شده شهری - همه اینها فوق العاده به نظر می رسد.

قبلاً در دوره اولیه ، کار پتروف-ودکین با جهت گیری نمادین مشخص شده بود. («مرثیه»، 1906؛ «ساحل»، 1908؛ «رویا»، 1910). طنین عمومی اولین اجراهای این هنرمند بحث برانگیز بود. نقاشی "رویا" جنجال داغی را ایجاد کرد و شهرت گسترده ای را برای این نقاش جوان به ارمغان آورد.

تکامل بیشتر نشان می دهد که نمادگرایی زبان هنری ریشه در ماهیت نقاش و همچنین در سنت شمایل نگاری داشت که کشف مجدد آن در آن زمان اتفاق افتاد. "بازی پسران" (1911)و به خصوص "حمام کردن اسب سرخ" (1912)نقطه عطف اساسی در کار پتروف-ودکین است. گرچه تفصیل پلاستیک حجم ها وارد تضاد خاصی با متعارف بودن رنگ و مسطح شدن فضا می شود، اما در اینجا می توان به وضوح میل به ترکیب سنت های نقاشی شرقی و غربی را خواند که بسیار پربار بود.

در سراسر دهه 1910. دامنه جستجوهای پتروف-ودکین بسیار گسترده است. به نظر می رسد ارگانیک ترین آثار مربوط به موضوع مادری باشد که در تمام آثار پتروف-ودکین وجود دارد. ("مادر"، 1913؛ "صبح. حمام کنندگان"، 1917).

در همان زمان، ایده هایی که پتروف وودکین را به ایجاد یک سیستم هنری منحصر به فرد سوق داد، در حال بلوغ بودند. مشکل فضا به منصه ظهور می رسد که در «چشم انداز کروی» حل می شود. تنوع موقعیت های فضایی در تصویر با قانون گرانش مرتبط است: محورهای مایل اجسام، همانطور که می گویند، یک فن را تشکیل می دهند که از داخل تصویر باز می شود - "ظهر. تابستان (1917)، اولین قدم ها (1925)، بهار (1935)درک فضا به عنوان "یکی از قصه گوهای اصلی تصویر"، همراه با تفسیری خاص از نقش رنگ (بر اساس سه گانه اصلی: قرمز، زرد، آبی)، سبک نقاشی بالغ پتروف را تعیین کرد. -ودکین

در اولین سالهای پس از انقلاب، پتروف-ودکین به ویژه اغلب به زندگی بی جان روی آورد و امکانات تجربی غنی در این ژانر پیدا کرد - "صبح بی جان" (1918).

آخرین اثر قابل توجه پتروف-ودکین - «1919. اضطراب" (1934). اگرچه نام تصویر به رویدادهای تاریخی خاصی اشاره دارد، اما معانی متضاد را ترکیب می کند و به نمادی از یک دوره کامل تبدیل می شود.

گرایش به ارزش‌های ابدی که در آثار پتروف-ودکین نهفته است، توسط ایدئولوژی شوروی زمان استالین قابل قبول نبود. پس از مرگ این هنرمند، نام او نیمه فراموش شده بود. فقط در اواسط دهه 1960. کشف جدیدی از پتروف-ودکین وجود داشت که به لطف آن مقیاس واقعی استعداد و ارزش میراث خلاق او اکنون مشخص است.

نقاشی سال های جنگ. جایگاه مهمی در هنرهای زیبای سال های جنگ به پوستر تعلق دارد. یکی از اولین پوسترهای تبلیغاتی آغاز جنگ "میهن صدا می زند!" I. M. Toidze. در طول سال های جنگ، کوکرینیکسی (کوپریانوف، کریلوف، سوکولوف) به طور فعال کار می کرد و پوسترهای طنز و غم انگیز را برای پنجره TASS ایجاد می کرد. اندوه برای مردگان، نفرت از دشمن، شادی پیروزی ها و تلخی شکست - همه این احساسات در آثار هنرمندان زمان جنگ طنین انداز شد.

کوکرینیکسی: میخائیل واسیلیویچ کوپریانوف (1903–1991)، پورفیری نیکیتیچ کریلوف (1902–1990)، نیکولای الکساندرویچ سوکولوف (متولد 1903). هر سه در وخوتماس مسکو - وخوتین (1921-1929) تحصیل کردند، که در روزنامه دیواری آن جامعه خلاق آنها شکل گرفت، که تا پایان عمر آنها تثبیت شد. به طور جداگانه ، آنها به نقاشی مشغول بودند و در نمایشگاه ها عمدتاً مطالعات غنایی کوچک ، عمدتاً مناظر را نشان دادند. آنها با هم، تحت یک نام مستعار رایج (که بر اساس هجاهای اولیه نام خانوادگی جمع آوری شده است)، عمدتاً به عنوان گرافیست، کاریکاتوریست و تصویرگر عمل می کردند.

در اواخر دهه 1920 - اوایل دهه 1930. چندین آلبوم با کارتون های نویسندگان منتشر کرد، کارتون هایی را در مورد موضوعات روزمره ترسیم کرد. از سال 1933 آنها کاریکاتوریست دائمی روزنامه پراودا بودند که آنها را به رهبران اصلی و مبلغان (به شکل طنز) خط رسمی سیاسی در کشور تبدیل کرد.

در طول جنگ بزرگ میهنی، همراه با کاریکاتور، تعدادی پوستر منتشر شد (از جمله آنها - اولین پس از حمله آلمان پوستر "بی رحمانه دشمن را شکست داده و نابود خواهیم کرد!"، 1941 - با کاریکاتور هیتلر) و طنز "TASS Windows". و در گرافیک کتاب، هنرمندان با تصاویر کنایه آمیز و گروتسک شروع می کنند. مصور "12 صندلی" اثر ایلف و پتروف (1933 و 1967)، "زندگی کلیم سامگین" اثر ام. گورکی (1934); آثار M. E. Saltykov-Shchedrin، N. V. Gogol، داستان های A. P. Chekhov و غیره.

در نقاشی سه پایه، کوکرینیکسی ها به طور مشترک به دنبال این بودند که تجربه خود را از گرافیک سیاسی و عمدتاً طنزآمیز روی یک بوم نقاشی بزرگ اعمال کنند. قبلاً در سال 1933 ، آنها سریال "چهره دشمن" را نشان دادند - مجموعه ای از کاریکاتورهای زیبا از ژنرال های گارد سفید. جنگ میهنی برای نقاشی های بزرگ جدید کوکرینیکسی مضامین ایجاد کرد: "زویا کوسمودمیانسکایا" (1942-1947)، "پرواز نازی ها از نوگورود" (1944-1946)، "پایان. آخرین ساعات در مقر هیتلر (1947-1948).

در اینجا، تلاش شد تا تصویری قابل اعتماد از وقایع با تصاویر کاریکاتوری و تفسیری گروتسکی ترکیب شود. روش کار کوکرینیک ها به خودی خود منحصر به فرد است: هنرمندان به یک سبک واحد "کوکرینیک" دست یافتند که استعدادهای شخصی را در یک فرآیند خلاقانه مشترک ترکیب می کند.

آرکادی الکساندرویچ پلاستوف(1893-1972) در طول زندگی خود به عنوان کلاسیک هنر شوروی شناخته شد. کار او حتی به کتاب های درسی مدرسه نیز راه یافت. با این حال، بهترین نقاشی های او به کلاسیک نه شوروی، بلکه هنر روسی قرن بیستم تبدیل شده است. پلاستوف هنرمند بزرگ دهقان روسیه است. او از روی نقاشی ها و پرتره های او به ما نگاه می کند.

فقط در نیمه دوم دهه 1920. او توانست به طور کامل در کار هنری شرکت کند. در سال 1931 ، خانه پلاستوف سوخت ، تقریباً همه چیزهایی که در آن زمان ایجاد شده بود از بین رفت. او تقریباً در موقعیت یک مبتدی قرار داشت. اما چهل سال کار خستگی ناپذیر - و تعداد آثار او به 10000 رسید. برخی از پرتره ها - چند صد. بیشتر این ها پرتره های هم روستایی ها هستند.

پلاستوف یک رئالیست طبیعی است. غرور مدرنیستی، جستجوی چیزی کاملاً جدید و بی سابقه برای او کاملاً بیگانه بود. او در دنیا زندگی می کرد و زیبایی آن را تحسین می کرد. مانند بسیاری از هنرمندان رئالیست روسی، پلاستوف متقاعد شده است که مهمترین چیز برای یک هنرمند دیدن این زیبایی و بی نهایت صمیمیت است. نیازی به زیبا نوشتن نیست، باید حقیقت را بنویسید و از هر خیالی زیباتر خواهد بود. هر سایه، هر خط در نقاشی های خود، هنرمند بارها در آثار خود از طبیعت بررسی می کند.

این هنرمند در دهه 1930 بسیار و پربار کار کرد، اما اولین شاهکارهای خود را در سال های جنگ خلق کرد. جنگ به عنوان یک تراژدی ملی، به عنوان تجاوز به قوانین طبیعی و مقدس وجود - "فاشیست پرواز کرد" (1942).و خدشه ناپذیری این قوانین، خدشه ناپذیری پایه های زندگی مردم - کلاسیک محدود و زیبا "برداشت" (1945).

و متعاقباً در بهترین آثار خود ، پلاستوف سطح به دست آمده را حفظ کرد: "بهار" (1952)، "جوانی" (1953-1954)، "بهار" (1954)، "تابستان" (1959-1960)، "شام تراکتورداران" (1951). تصادفی نیست که نام بسیاری از آنها چیزی کلی دارد. به پلاستوف توانایی نادری داده شد تا وقایع زندگی واقعی، اغلب معمولی‌ترین وقایع را به تصویری ایده‌آل تبدیل کند، گویی که معنای پنهان و واقعی و اهمیت آنها را در سیستم کلی جهان آشکار می‌کند. بنابراین، او، یک رئالیست مدرن روسی، به طور طبیعی سنت هنری کلاسیک را ادامه داد.

نقاشی سالهای پس از جنگ. آثار هنرمندان سالهای پس از جنگ تحت تأثیر افکار اجتماعی تغییر یافته و عوامل معنوی جدید در حال توسعه است. پس از بلایایی که مردم تجربه کردند، چشم انداز وجودی آرام و بدون ابر به ویژه گلگون و وسوسه انگیز به نظر می رسید. آسیب زندگی اطراف این هنرمند قبلاً متفاوت بود ، ظاهر آن تحت تأثیر تجربه افرادی بود که جنگی وحشتناک را پشت سر گذاشتند ، معیار خوبی و بدی را مجدداً تجربه کردند ، که با چشمان دیگری به جهان نگاه کردند.

در هنر دهه 40 - اوایل دهه 1950. ردپای کیش شخصیت قابل توجه است. غالباً تهمت های جعلی حقیقت تلخ جنگ گذشته و مرحله دشوار احیای اقتصاد ویران شده را از بین می برد. و با این حال، در این زمان، بسیاری از آثار جالب در حال ایجاد است. به طور فعال، "در باد دوم"، با شادی تجربه خیزش سراسری، شور و شوق، زاده شده از پیروزی مدت ها در انتظار، استادان نسل های قدیمی تر کار می کنند. قابل توجه است که نقاشی های با محتوای تاریخی نیز اغلب در این دوره به صورت روزمره حل می شود. این گونه است که میل هنرمندان به یافتن ویژگی هایی در گذشته که با احساسات مردم امروز مطابقت دارد بیان می شود.

این روند به ویژه در کار سروف - "Walkers at V. I. Lenin" قابل توجه است.

تصمیمات کنگره 20 به عنوان تغییرات طراوت و امیدوار کننده تلقی شد - آنها را "ذوب" نامیدند. رئالیسم سوسیالیستی در حال مرگ بود و هنر جدید آنقدر فرمالیستی شد که حداقل اقشار وسیع روشنفکران را برانگیخت.

نقاشی دوران سوسیالیسم توسعه یافته. بوروکراسی برژنف در هنر در اواخر دهه 1950. جامعه شوروی در حال ورود به مرحله به اصطلاح "سوسیالیسم توسعه یافته" است که در هنر منعکس شده است. جهت آن مستقیماً با تصمیمات حزب کمونیست تعیین می شد. ویژگی بارز هنر 60-70 سال. - ترکیبی هماهنگ در حال ظهور از انواع و شاخه های مختلف خلاقیت هنری - از هنر تزئینی و کاربردی گرفته تا آنهایی که به مشکلات ایدئولوژیک در مقیاس بزرگ به شکل تصویری می پردازند. چهره جدید هنر در دهه 60-70. در نقاشی با وضوح بیشتری ظاهر می شود. در همان آغاز دهه 60. تمایل به نشان دادن زندگی مردم شوروی، عاشقانه استثمارهای کارگری، توسعه سرزمین های جدید تا حد امکان روشن و صادقانه وجود دارد. در دوره حاضر می توان شکوفایی واقعی هنرهای گرافیک را مشاهده کرد. در هر جمهوری، در تمام مراکز هنری، استادان جالبی وجود دارند. اما گرافیک فراتر از وسعت است. امکانات آن بیشتر و عمیق تر از نظر پوشش موضوعات جدید درک می شود، ابزارها و تکنیک های بیانی متنوع تر می شوند. همراه با استادانی مانند N. A. Ponomarev (متولد 1918)، V. N. Minaev (متولد 1912)، E. K. Okas (متولد 1915)، D. A. Dubinsky (1920-1960)، در دوره گذشته، در دهه 60-70 پیشرفت کردند. هنرمندان با موفقیت کار می کنند و به جهان تازه و به روش خود نگاه می کنند. اینها G. F. Zakharov، I. V. Golitsin، D. S. Bisti، E. M. Sidorkin هستند.

با بحران جنبش پوپولیستی در دهه 1990، «روش تحلیلی رئالیسم قرن نوزدهم» که در علم روسیه از آن یاد می شود، در حال منسوخ شدن است. بسیاری از سرگردان ها افت خلاقانه ای را تجربه کردند و وارد «مقیاس کوچک» یک تصویر ژانر سرگرم کننده شدند. سنت های پروف بیشتر از همه در مدرسه نقاشی، مجسمه سازی و معماری مسکو به لطف فعالیت های آموزشی هنرمندانی مانند S.V. حفظ شد. ایوانف، K.A. کوروین، وی. سروو و دیگران.

فرآیندهای پیچیده زندگی، تنوع شکل های زندگی هنری این سال ها را تعیین کرد. همه انواع هنر - نقاشی، تئاتر، موسیقی، معماری - برای تجدید زبان هنری، برای حرفه ای بودن بالا ایستاده است.

برای نقاشان اوایل قرن، شیوه‌های بیانی دیگری غیر از روش‌های سرگردان، دیگر اشکال خلاقیت هنری - در تصاویر متناقض، پیچیده و بازتاب مدرنیته بدون تصویرسازی و روایت، مشخص است. هنرمندان به طرز دردناکی به دنبال هماهنگی و زیبایی در جهانی هستند که اساساً با هارمونی و زیبایی بیگانه است. به همین دلیل است که بسیاری رسالت خود را در پرورش حس زیبایی می دیدند. این زمان از «آوا»، انتظار تغییرات در زندگی عمومی، باعث بسیاری از گرایش ها، انجمن ها، گروه بندی ها، برخورد جهان بینی ها و سلیقه های مختلف شد. اما همچنین باعث جهانی شدن نسل کامل هنرمندانی شد که پس از سرگردانان «کلاسیک» به میدان آمدند. تنها نام بردن از اسامی V.A. سروو و م.ا. وروبل

نقش مهمی در رواج هنر روسیه، به ویژه در قرن 18، و همچنین هنر اروپای غربی، در جذب استادان اروپای غربی به نمایشگاه ها، توسط هنرمندان انجمن دنیای هنر ایفا شد. "Miriskusniki" که بهترین نیروهای هنری را در سن پترزبورگ گردآوری کرد، مجله خود را منتشر کرد و با وجود خود به تثبیت نیروهای هنری در مسکو و ایجاد "اتحادیه هنرمندان روسیه" کمک کرد.

درس های امپرسیونیستی نقاشی هوای معمولی، ترکیب "قاب بندی تصادفی"، شیوه تصویری آزاد گسترده - همه اینها نتیجه تکامل در توسعه ابزارهای تصویری در همه ژانرهای آغاز قرن است. در جستجوی "زیبایی و هماهنگی"، هنرمندان خود را در انواع تکنیک ها و اشکال هنری امتحان می کنند - از نقاشی یادبود و مناظر تئاتر گرفته تا طراحی کتاب و هنرها و صنایع دستی.

در آغاز قرن، سبکی توسعه یافت که همه هنرهای پلاستیک را تحت تأثیر قرار داد، که عمدتاً از معماری (که در آن التقاط برای مدت طولانی غالب بود) و به گرافیک ختم شد که سبک آرت نوو نامیده می شد. این پدیده بدون ابهام نیست ، در مدرنیته نیز پرتحرکی منحط وجود دارد ، ادعایی که عمدتاً برای سلیقه های بورژوایی طراحی شده است ، اما تمایل به وحدت سبک نیز وجود دارد که به خودی خود قابل توجه است. هنر نو مرحله جدیدی در ترکیب معماری، نقاشی و هنرهای تزئینی است.

در هنرهای تجسمی، هنر نو خود را نشان داده است: در مجسمه سازی - با سیال بودن فرم ها، بیان خاص شبح ها، پویایی ترکیب ها. در نقاشی - نمادگرایی تصاویر، اعتیاد به تمثیل.

ظهور Art Nouveau به این معنی نبود که ایده های سرگردانی در پایان قرن از بین رفت. ژانر نقاشی در دهه 1990 توسعه یافت، اما تا حدودی متفاوت از جنبش سرگردان "کلاسیک" در دهه های 1970 و 1980 توسعه یافت. بنابراین، موضوع دهقانی به شیوه ای جدید آشکار می شود. انشعاب در جامعه روستایی توسط سرگئی آلکسیویچ کرووین (1858-1908) در نقاشی "در جهان" (1893، گالری ایالتی ترتیاکوف) به صورت اتهامی تأکید شده است. آبرام افیموویچ آرخیپوف (1862-1930) در نقاشی "Washerwomen" (1901، گالری ایالتی ترتیاکوف) توانست سرزندگی وجود را در کارهای سخت و طاقت فرسا نشان دهد. او تا حد زیادی به لطف اکتشافات تصویری جدید، به دلیل درک جدیدی از امکانات رنگ و نور به این امر دست یافت.

سکوت، "زیر متن"، جزئیات بیانگر به خوبی یافت شده، نقاشی سرگئی واسیلیویچ ایوانف (1864-1910) "در جاده" را تراژیک تر می کند. مرگ یک شهرک نشین" (1889، گالری دولتی ترتیاکوف). شفت‌های بیرون زده، گویی که در فریاد بلند شده‌اند، عمل را بسیار بیشتر از مرد مرده‌ای که در پیش‌زمینه تصویر می‌شود یا زنی که بر سر او زوزه می‌کشد، نمایش می‌دهد. ایوانف صاحب یکی از آثار اختصاص یافته به انقلاب 1905 - "اعدام". تکنیک امپرسیونیستی "ترکیب جزئی" که گویی تصادفاً یک قاب را ربوده است، در اینجا حفظ شده است: فقط یک ردیف از خانه ها، صفی از سربازان، گروهی از تظاهرکنندگان مشخص شده است، و در پیش زمینه، در مربعی که توسط نور روشن شده است. خورشید، شکل سگ کشته شده و فرار از تیراندازی. ایوانف با تضادهای شدید نور و سایه، کانتور رسا از اشیاء و صاف بودن تصویر مشخص می شود. زبانش لطیف است.

در دهه 90 قرن نوزدهم. هنرمندی وارد هنر می شود که کارگر را قهرمان آثارش می کند. در سال 1894، نقاشی از N.A. کاساتکینا (1859-1930) "مینر" (TG) ، در سال 1895 - "معدن زغال سنگ. تغییر دادن".

در آغاز قرن، مسیر توسعه کمی متفاوت از مسیر سوریکوف در موضوع تاریخی مشخص شده است. بنابراین، برای مثال، آندری پتروویچ ریابوشکین (1861-1904) بیشتر در ژانر تاریخی کار می کند تا ژانر صرفاً تاریخی. "زنان روسی قرن هفدهم در کلیسا" (1899، گالری دولتی ترتیاکوف)، "قطار عروسی در مسکو. قرن هفدهم» (1901، گالری دولتی ترتیاکوف)، «آنها می آیند. (مردم مسکو در هنگام ورود سفارت خارجی به مسکو در پایان قرن هفدهم)» (1901، موزه روسیه)، «خیابان مسکوسکایا قرن هفدهم در تعطیلات» (1895، موزه روسیه)، و غیره. - اینها صحنه های روزمره زندگی مسکو در قرن هفدهم است. ریابوشکین با ظرافت شیرینی زنجفیلی، چند رنگ و طرح دارش به ویژه جذب این قرن شد. این هنرمند از لحاظ زیبایی شناختی دنیای گذشته قرن هفدهم را تحسین می کند که به سبک سازی ظریف و به دور از یادبود گرایی سوریکوف و ارزیابی های او از رویدادهای تاریخی منجر می شود. تلطیف ریابوشکین در صافی تصویر، در یک سیستم خاص از ریتم پلاستیکی و خطی، در طرح رنگی ساخته شده بر روی رنگ های اصلی روشن، در راه حل تزئینی عمومی منعکس شده است. ریابوشکین جسورانه رنگ های محلی را وارد منظره هوای معمولی می کند، به عنوان مثال، در قطار عروسی... - رنگ قرمز واگن، لکه های بزرگ لباس های جشن در برابر پس زمینه ساختمان های تاریک و برف، با این حال، در بهترین تفاوت های رنگی چشم انداز همیشه شاعرانه زیبایی طبیعت روسیه را منتقل می کند. درست است، گاهی اوقات ریابوشکین با نگرش کنایه آمیز در به تصویر کشیدن جنبه های خاصی از زندگی روزمره، مانند نقاشی "نوشیدن چای" (مقوا، گواش، تمپر، 1903، موزه روسیه) مشخص می شود. در چهره های ایستا جلو نشسته با نعلبکی در دست، سنجیده، کسالت، خواب آلودگی خوانده می شود، همچنین قدرت ظالمانه زندگی خرده بورژوازی، محدودیت های این افراد را احساس می کنیم.

آپولیناری میخایلوویچ واسنتسف (1856-1933) در ترکیب بندی های تاریخی خود توجه بیشتری به چشم انداز دارد. موضوع مورد علاقه او نیز قرن هفدهم است، اما نه صحنه های روزمره، بلکه معماری مسکو. ("خیابان در کیتای گورود. آغاز قرن هفدهم"، 1900، موزه روسیه). نقاشی "مسکو در پایان قرن هفدهم. در سحر در دروازه‌های رستاخیز (1900، گالری دولتی ترتیاکوف) ممکن است از مقدمه اپرای موسورگسکی Khovanshchina الهام گرفته شده باشد، که واسنتسف کمی قبل از آن مناظر را ترسیم کرده بود.

صبح. واسنتسف در کلاس منظر مدرسه نقاشی، مجسمه سازی و معماری مسکو (1901-1918) تدریس کرد. او به عنوان یک نظریه پرداز، نظرات خود را در کتاب هنر بیان کرد. تجربه تجزیه و تحلیل مفاهیمی که هنر نقاشی را تعریف می کند (مسکو، 1908)، که در آن او از سنت های واقع گرایانه در هنر حمایت می کرد. واسنتسف همچنین بنیانگذار اتحادیه هنرمندان روسیه بود.

نوع جدیدی از نقاشی، که در آن سنت‌های هنری فولکلور به شیوه‌ای کاملاً خاص تسلط یافت و به زبان هنر مدرن ترجمه شد، توسط فیلیپ آندریویچ مالیاوین (1869-1940) ایجاد شد که در جوانی خود به نقاشی نمادها مشغول بود. صومعه آتوس، و سپس در آکادمی هنر زیر نظر رپین تحصیل کرد. تصاویر او از "زنان" و "دختران" معنای نمادین خاصی دارد - خاک سالم روسیه. نقاشی‌های او همیشه رسا هستند و اگرچه اینها معمولاً آثار سه‌قلویی هستند، اما زیر قلم هنرمند تفسیری یادبود و تزئینی دریافت می‌کنند. "خنده" (1899، موزه هنرهای مدرن، ونیز)، "گردباد" (1906، گالری دولتی ترتیاکوف) تصویری واقع گرایانه از دختران دهقانی است که با صدای بلند می خندند یا به طور غیرقابل کنترلی در یک رقص گرد می خندند، اما این واقع گرایی متفاوت از نیمه دوم قرن نقاشی فراگیر، طرح دار، با سکته بافتی است، فرم ها تعمیم می یابند، هیچ عمق فضایی وجود ندارد، چهره ها، به طور معمول، در پیش زمینه قرار دارند و کل بوم را پر می کنند.

مالیاوین در نقاشی خود تزئینی گویا را با وفاداری واقع گرایانه به طبیعت ترکیب کرد.

میخائیل واسیلیویچ نستروف (1862-1942) مانند تعدادی از استادان قبل از خود به موضوع روسیه باستان می پردازد، اما تصویر روسیه در نقاشی های هنرمند به عنوان نوعی دنیای ایده آل و تقریباً مسحور، هماهنگ با طبیعت ظاهر می شود، اما ناپدید شده است. برای همیشه مثل شهر افسانه ای کیتژ. این حس شدید طبیعت، لذت در جهان، در مقابل هر درخت و تیغه علف، به ویژه در یکی از مشهورترین آثار نستروف در دوره پیش از انقلاب - "دیدگاه بارتولوموی جوان" (1889-1890، گالری دولتی ترتیاکوف). در افشای طرح تصویر، همان ویژگی های سبکی مانند ریابوشکین وجود دارد، اما یک حس عمیق غنایی از زیبایی طبیعت همواره بیان می شود که از طریق آن معنویت بالای شخصیت ها، روشنگری آنها، بیگانگی آنها از هیاهوهای دنیوی منتقل می شوند.

نستروف قبل از اینکه به تصویر سرگیوس رادونژ بپردازد، قبلاً با آثاری مانند "عروس مسیح" (1887، مکان نامشخص)، "زاهد گوشه نشین" (1888، موزه روسیه؛ 1888-1888) به موضوع روسیه باستان ابراز علاقه کرده بود. 1889، گالری ایالتی ترتیاکوف)، ایجاد تصاویری از معنویت بالا و تفکر آرام. او چندین اثر دیگر را به خود سرگیوس رادونژ تقدیم کرد (جوانی سنت سرگیوس، 1892-1897، گالری دولتی ترتیاکوف؛ سه گانه "آثار سنت سرگیوس"، 1896-1897، گالری ایالتی ترتیاکوف؛ "سرگیوس رادونژ"، 1891- 1899، موزه دولتی روسیه).

M.V. نستروف نقاشی های یادبود مذهبی زیادی انجام داد: همراه با V.M. واسنتسف کلیسای جامع ولادیمیر کیف را به طور مستقل نقاشی کرد - صومعه در آبستومان (گرجستان) و صومعه مارفو-مارینسکی در مسکو. نقاشی های دیواری همیشه به موضوع باستانی روسیه اختصاص دارد (به عنوان مثال، در گرجستان - به الکساندر نوسکی). در نقاشی های دیواری نستروف، بسیاری از علائم واقعی مشاهده شده است، به ویژه در منظره، ویژگی های پرتره - در تصویر قدیسان. در تلاش هنرمند برای تفسیر مسطح از ترکیب ظرافت، زینت، پیچیدگی پالایش شده ریتم های پلاستیکی، تأثیر بدون شک از Art Nouveau خود را نشان داد.

سبک سازی، به طور کلی، بسیار مشخصه این زمان، تا حد زیادی آثار سه پایه نستروف را تحت تأثیر قرار داد. این را می توان در یکی از بهترین بوم های اختصاص داده شده به سرنوشت زنان - "زبان بزرگ" (1898، موزه روسیه) مشاهده کرد: چهره های عمدا صاف راهبه ها، "چرنیتسا" و "بلیتسا"، شبح های تعمیم یافته، گویی یک ریتم آئینی آهسته است. از نقاط روشن و تاریک - چهره ها و منظره با توس های روشن و صنوبرهای تقریباً سیاه. و مثل همیشه با نستروف، منظره یکی از نقش های اصلی را بازی می کند. این هنرمند نوشت: "من مناظر روسیه را دوست دارم، در پس زمینه آن، به نوعی بهتر است، شما معنای زندگی روسی و روح روسی را واضح تر احساس می کنید."

خود ژانر منظره در پایان قرن نوزدهم نیز به روشی جدید توسعه می یابد. لویتان، در واقع، جستجوی سرگردان ها را در منظره کامل کرد. در آغاز قرن قرار بود حرف جدیدی توسط ک.ا. کوروین، وی. سروو و م.ا. وروبل

در حال حاضر در مناظر اولیه کنستانتین آلکسیویچ کرووین (1861-1939) مشکلات صرفاً تصویری حل شده است - نوشتن خاکستری روی سفید، سیاه روی سفید، خاکستری روی خاکستری. منظره «مفهومی» (اصطلاح M.M. Allenov)، مانند ساوراسوفسکی یا لویتانوفسکی، برای او جالب نیست.

برای کورووین، رنگ‌شناس درخشان، جهان به‌عنوان «شورش رنگ‌ها» جلوه می‌کند. کورووین که سخاوتمندانه از طبیعت برخوردار بود، هم به پرتره و هم به طبیعت بی جان مشغول بود، اما اشتباه نیست اگر بگوییم که منظره ژانر مورد علاقه او باقی مانده است. او سنت های واقع گرایانه قوی معلمان خود را از مدرسه نقاشی، مجسمه سازی و معماری مسکو - ساوراسوف و پولنوف وارد هنر کرد، اما او نگاه متفاوتی به جهان دارد، او وظایف دیگری را تعیین می کند. او در اوایل شروع به نقاشی در فضای عمومی کرد، در حال حاضر در پرتره یک دختر همخوان در سال 1883، می توان توسعه مستقل او از اصول هواگرایی را مشاهده کرد، که بعداً در تعدادی از پرتره های ساخته شده در املاک S. Mamontov در Abramtsevo تجسم یافت. ("در قایق"، گالری ایالتی ترتیاکوف؛ پرتره T. S. Lyubatovich، موزه دولتی روسیه، و غیره)، در مناظر شمالی، اجرا شده در طول سفر اس. مامونتوف به شمال ("زمستان در لاپلند"، گالری دولتی ترتیاکوف ). مناظر فرانسوی او، که با عنوان "چراغ های پاریس" متحد شده است، در حال حاضر یک نقاشی کاملا امپرسیونیستی با بالاترین فرهنگ اتود است. برداشت های تیز و فوری از زندگی یک شهر بزرگ: خیابان های آرام در ساعات مختلف روز، اشیاء حل شده در محیطی با هوای سبک، شکل گیری شده توسط یک ضربه قلم موی پویا، "لرزنده"، جریانی از چنین ضربه های قلم مویی که باعث ایجاد توهم پرده باران یا هوای شهری اشباع شده با هزاران بخار مختلف، - ویژگی هایی که یادآور مناظر Manet، Pissarro، Monet است. کورووین خلقی، احساساتی، تکانشی، تئاتری است، از این رو رنگ های روشن و شادی رمانتیک مناظر او ("پاریس. بلوار کاپوچین"، 1906، گالری ایالتی ترتیاکوف؛ "پاریس در شب. بلوار ایتالیایی." 1908، گالری ایالتی ترتیاکوف). کورووین همان ویژگی‌های اتود امپرسیونیستی، استاد نقاش، هنر برجسته در همه ژانرهای دیگر، عمدتاً در پرتره و طبیعت بی‌جان، بلکه در تابلوهای تزئینی، در هنرهای کاربردی، در مناظر تئاتر را حفظ می‌کند، که در تمام زندگی خود درگیر آن بود (پرتره) Chaliapin، 1911، موزه روسیه؛ "ماهی، شراب و میوه ها" 1916، گالری دولتی ترتیاکوف).

هدیه سخاوتمندانه کرووین برای نقاشی به طرز درخشانی خود را در نقاشی تئاتر و تزئینات نشان داد. به عنوان یک نقاش تئاتر، او برای تئاتر آبرامتسوو (و شاید مامونتوف اولین کسی بود که از او به عنوان یک هنرمند تئاتر قدردانی کرد)، برای تئاتر هنری مسکو، برای اپرای خصوصی روسیه، جایی که دوستی مادام العمر او با چالیاپین آغاز شد، کار کرد. شرکت دیاگیلف کرووین مناظر تئاتر و اهمیت هنرمند در تئاتر را به سطح جدیدی ارتقا داد، او انقلابی کامل در درک نقش هنرمند در تئاتر ایجاد کرد و با مناظر رنگارنگ و "دیدنی" خود تأثیر زیادی بر معاصران خود گذاشت. ، ماهیت اجرای موسیقی را آشکار می کند.

یکی از بزرگترین هنرمندان، مبتکر نقاشی روسی در آغاز قرن، والنتین الکساندرویچ سرووف (1865-1911) بود. "دختری با هلو" (پرتره وروشا مامونتووا، 1887، گالری دولتی ترتیاکوف) و "دختری که توسط خورشید روشن شده است" (پرتره ماشا سیمانوویچ، 1888، گالری ایالتی ترتیاکوف) یک مرحله کامل در نقاشی روسی را نشان می دهد. سروف در میان چهره های برجسته فرهنگ موسیقی روسیه بزرگ شد (پدرش آهنگساز مشهور است، مادرش پیانیست است)، با رپین و چیستیاکوف مطالعه کرد، بهترین مجموعه موزه های اروپا را مطالعه کرد و پس از بازگشت از خارج، وارد حلقه آبرامتسیو شد. . در آبرامتسوو دو پرتره ذکر شده در بالا ترسیم شد که شکوه سرووف که با نگاهی روشن و شاعرانه خود به جهان وارد هنر شد از آنجا شروع شد. ورا مامونتووا با حالتی آرام پشت میز می نشیند، هلوها روی یک سفره سفید در مقابل او پراکنده شده اند. خودش و همه اشیا در پیچیده ترین محیط نور و هوا ارائه می شوند. نور خورشید روی سفره، روی لباس، بشقاب دیواری، چاقو می افتد. دختری که پشت میز به تصویر کشیده شده است در وحدتی ارگانیک با تمام این دنیای مادی، هماهنگ با آن، پر از لرزش حیاتی، حرکت درونی است. تا حد زیادی، اصول نقاشی هوای معمولی در پرتره پسر عموی این هنرمند ماشا سیمانوویچ که درست در فضای باز نقاشی شده بود منعکس شد. رنگ‌ها در اینجا در تعامل پیچیده با یکدیگر ارائه می‌شوند، آنها فضای یک روز تابستانی را کاملاً منتقل می‌کنند، بازتاب‌های رنگی که توهم پرتوهای خورشید را ایجاد می‌کنند که از میان شاخ و برگ می‌لغزند. سروف از رئالیسم انتقادی استادش رپین به «رئالیسم شاعرانه» (اصطلاح D.V. Sarabyanov) می رود. تصاویر ورا مامونتووا و ماشا سیمانوویچ با حس لذت زندگی ، احساس روشن بودن ، جوانی پیروزمند روشن آغشته است. این امر با نقاشی امپرسیونیستی "سبک" به دست آمد، که "اصل شانس" برای آن بسیار مشخص است، یک فرم حجاری شده با یک قلم موی پویا و آزاد که تصور یک محیط پیچیده هوای نور را ایجاد می کند. اما بر خلاف امپرسیونیست ها، سروف هرگز یک شی را در این محیط حل نمی کند تا غیر مادی شود، ترکیب او هرگز ثبات خود را از دست نمی دهد، توده ها همیشه در تعادل هستند. و مهمتر از همه، ویژگی های تعمیم یافته یکپارچه مدل را از دست نمی دهد.

سرووف اغلب نمایندگان روشنفکر هنری را نقاشی می کند: نویسندگان، هنرمندان، هنرمندان (پرتره های K. Korovin، 1891، گالری ایالتی ترتیاکوف؛ لویتان، 1893، گالری ایالتی ترتیاکوف؛ یرمولوا، 1905، گالری ایالتی ترتیاکوف). همه آنها متفاوت هستند، او همه آنها را عمیقاً فردی تفسیر می کند، اما نور انحصار فکری و زندگی خلاقانه الهام گرفته بر همه آنها می تابد. شکل یرمولوا شبیه یک ستون باستانی یا بهتر است بگوییم یک مجسمه کلاسیک است که با فرمت عمودی بوم بیشتر شده است. اما نکته اصلی چهره است - زیبا، مغرور، جدا از هر چیز کوچک و بیهوده. رنگ آمیزی فقط بر اساس ترکیبی از دو رنگ: سیاه و خاکستری، اما در سایه های مختلف تعیین می شود. این حقیقت تصویر که نه با روایت، بلکه با ابزارهای صرفاً تصویری ایجاد شده بود، با شخصیت یرمولوا مطابقت داشت، که با بازی مهار شده، اما عمیقاً نافذ خود، جوانان را در سال های پرتلاطم اوایل قرن بیستم تکان داد.

پرتره درب ورودی یرمولوا. اما سروف چنان استاد بزرگی است که با انتخاب مدلی متفاوت، در همان ژانر پرتره رسمی، در واقع با همان ابزار بیانی، توانست تصویری از شخصیتی کاملاً متفاوت خلق کند. بنابراین، در پرتره پرنسس اورلووا (1910-1911، موزه روسیه)، برخی جزئیات اغراق آمیز است (کلاهی بزرگ، پشتی بیش از حد بلند، زاویه تیز زانو)، توجه برجسته به تجمل داخلی، که تنها به صورت تکه ای منتقل می شود. مانند یک قاب ربوده شده (بخشی از صندلی، نقاشی، گوشه میز)، به استاد اجازه می دهد تا تصویری تقریباً عجیب از یک اشراف متکبر ایجاد کند. اما همان بدجنسی در معروف "پیتر اول" او (1907، گالری ایالتی ترتیاکوف) (پیتر در تصویر به سادگی غول پیکر است)، که به سروف اجازه می دهد حرکت تند تزار و درباریان را به شکلی پوچ به دنبال او به تصویر بکشد، منجر به تصویری می شود. که مانند پرتره اورلووا کنایه آمیز نیست، بلکه نمادین است و معنای یک دوره کامل را می رساند. این هنرمند اصالت قهرمان خود را تحسین می کند.

پرتره، منظره، طبیعت بی جان، خانگی، نقاشی تاریخی. روغن، گواش، تمپرا، زغال چوب - یافتن ژانرهای تصویری و گرافیکی که سروف در آنها کار نمی کند و موادی که او از آنها استفاده نمی کند دشوار است.

یک موضوع خاص در کار سرووف دهقان است. در ژانر دهقانی او هیچ تیزبینی اجتماعی گردشگر وجود ندارد، اما حس زیبایی و هماهنگی زندگی دهقانی، تحسین زیبایی سالم مردم روسیه ("در روستا. زنی با اسب"، روی نقشه وجود دارد. ، پاستل، 1898، گالری دولتی ترتیاکوف). مناظر زمستانی با طیف رنگ‌های نقره‌ای-مرواریدی خود بسیار زیبا هستند.

سروف موضوع تاریخی را به روش خود تفسیر کرد: "شکارهای سلطنتی" با پیاده روی های لذت بخش الیزابت و کاترین دوم توسط هنرمند زمان جدید منتقل شد ، طعنه آمیز ، اما همیشه زیبایی زندگی را در قرن 18 تحسین می کرد. علاقه سروف به قرن هجدهم تحت تأثیر دنیای هنر و در ارتباط با کار بر روی انتشار تاریخ دوک بزرگ، تزار و شکار امپراتوری در روسیه به وجود آمد.

سروف هنرمندی عمیقاً متفکر بود که دائماً به دنبال اشکال جدیدی از تحقق هنری واقعیت بود. با الهام از آرت نو، ایده هایی در مورد مسطح بودن و افزایش تزئینات نه تنها در ترکیب بندی های تاریخی، بلکه در پرتره او از رقصنده ایدا روبینشتاین، در طرح های او برای ربوده شدن اروپا و اودیسه و ناوزیکای (هر دو 1910، گالری ایالتی ترتیاکوف، مقوا، تمپر). قابل توجه است که سروف در پایان زندگی خود به دنیای باستان روی می آورد. در افسانه شاعرانه که توسط او آزادانه تفسیر شده است، خارج از قوانین کلاسیک، او می خواهد هماهنگی را بیابد، جستجویی که هنرمند تمام کارهای خود را وقف آن کرده است.

به سختی می توان به یکباره باور کرد که پرتره وروشا مامونتووا و ربوده شدن اروپا توسط همان استاد نقاشی شده است، سروف در تکامل خود از اصالت امپرسیونیستی پرتره ها و مناظر دهه 80 و 90 تا هنر نو در تاریخ بسیار متنوع است. نقوش و ترکیباتی از اساطیر باستان.

مسیر خلاق میخائیل الکساندرویچ وروبل (1856-1910) مستقیم تر بود، اگرچه در عین حال به طور غیرمعمول پیچیده بود. قبل از آکادمی هنر (1880)، وروبل از دانشکده حقوق دانشگاه سن پترزبورگ فارغ التحصیل شد. در سال 1884، او برای نظارت بر بازسازی نقاشی‌های دیواری در کلیسای سنت سیریل به کیف رفت و خود چندین ترکیب تاریخی خلق کرد. او طرح های آبرنگی از نقاشی های دیواری کلیسای جامع ولادیمیر می سازد. طرح ها به دیوارها منتقل نشدند، زیرا مشتری از غیر متعارف و رسا بودن آنها ترسیده بود.

در دهه 90، زمانی که این هنرمند در مسکو مستقر شد، سبک نوشتاری وروبل، پر از رمز و راز و قدرت تقریباً شیطانی شکل گرفت که نمی توان آن را با هیچ دیگری اشتباه گرفت. او شکل را مانند یک موزاییک، از قطعات تیز «چهره» با رنگ‌های مختلف، می‌تراشد که گویی از درون می‌درخشد («دختری در پس زمینه یک فرش ایرانی»، 1886، KMRI؛ «فالگیر»، 1895، گالری ایالتی ترتیاکوف) . ترکیب رنگ ها واقعیت رابطه رنگی را منعکس نمی کنند، بلکه معنایی نمادین دارند. طبیعت هیچ قدرتی بر وروبل ندارد. او او را می شناسد، کاملاً مالک اوست، اما دنیای فانتزی خود را می آفریند، کمی شبیه واقعیت. از این نظر، وروبل با امپرسیونیست ها (که تصادفاً گفته نمی شود که در ادبیات همان طبیعت گرایان هستند) مخالف است، زیرا او به هیچ وجه به دنبال تثبیت برداشت مستقیم از واقعیت نیست. او به سمت موضوعات ادبی که به طور انتزاعی تفسیر می کند، می کوشد تا تصاویری ابدی از قدرت معنوی عظیم خلق کند. بنابراین، پس از گرفتن تصویرسازی برای شیطان، او به زودی از اصل تصویرسازی مستقیم ("رقص تامارا"، "گریه نکن، بچه، بیهوده گریه نکن"، "تامارا در تابوت"، و غیره) فاصله می گیرد. و قبلاً در همان سال 1890 "دیو نشسته" خود را ایجاد می کند - اثری در واقع بدون طرح ، اما تصویر ابدی است ، مانند تصاویر مفیستوفل ، فاوست ، دون خوان. تصویر دیو، تصویر مرکزی کل کار وروبل، موضوع اصلی آن است. در سال 1899 او "دیو پرواز" را نوشت، در سال 1902 - "دیو سرکوب شده". دیو وروبل، اول از همه، موجودی رنجور است. رنج در آن بر شر غالب است و این ویژگی تفسیر ملی روسیه از تصویر است. معاصران، همانطور که به درستی اشاره شد، در "شیاطین" او نمادی از سرنوشت یک روشنفکر - یک رمانتیک را دیدند که سعی می کرد سرکشانه از واقعیتی که از هماهنگی نیست به دنیای غیر واقعی رویاها فرار کند، اما در واقعیت خشن زمین فرو رفت. . این تراژدی جهان بینی هنری ویژگی های پرتره وروبل را نیز تعیین می کند: اختلاف معنوی، فروپاشی در خودنگاره های او، هوشیاری، تقریباً ترس، اما همچنین قدرت باشکوه، یادبود - در پرتره S. Mamontov (1897، گالری دولتی ترتیاکوف) گیجی، اضطراب - در تصویر افسانه ای "شاهزاده - سوان" (1900، گالری دولتی ترتیاکوف)، حتی در تابلوهای تزئینی او "اسپانیا" (1894، گالری دولتی ترتیاکوف) و "ونیز" (1893، موزه روسیه) اجرا شده برای عمارت E.D. دانکر، صلح و آرامش وجود ندارد. خود وروبل وظیفه خود را تنظیم کرد - "بیدار کردن روح با تصاویر باشکوه از چیزهای کوچک زندگی روزمره".

صنعتگر و بشردوست که قبلاً ذکر شد ساووا مامونتوف نقش بسیار مهمی در زندگی وروبل ایفا کرد. آبرامتسوو وروبل را با ریمسکی-کورساکوف پیوند داد، هنرمند تحت تأثیر آثار او شاهزاده خانم قو خود را می نویسد، مجسمه های ولخوا، میزگیر و غیره را اجرا می کند. در آبرامتسوو، او نقاشی های یادبود و سه پایه زیادی انجام داد، او به فولکلور روی می آورد: افسانه، به یک حماسه، که نتیجه آن پانل های "میکولا سلیانینویچ"، "قهرمانان" بود. وروبل دست خود را در سرامیک‌ها امتحان می‌کند و مجسمه‌هایی در مایولیکا می‌سازد. او به روسیه و یونان بت پرست، خاورمیانه و هند علاقه مند است - همه فرهنگ های بشر، تکنیک های هنری که او به دنبال درک آنهاست. و هر بار برداشت هایی که او به دست می آورد، به تصاویری عمیقاً نمادین تبدیل می شد که همه اصالت جهان بینی او را منعکس می کرد.

وروبل بالغ ترین نقاشی ها و کارهای گرافیکی خود را در آغاز قرن - در ژانر منظره، پرتره، تصویرسازی کتاب خلق کرد. در سازماندهی و تعبیر تزیینی- مسطح بوم یا ورق، در تلفیق امر واقعی و خارق العاده، در تعهد به راه حل های زینتی و ریتمیک پیچیده در آثار این دوره وی، ویژگی های مدرنیته بیش از پیش خود را نشان می دهد.

وروبل مانند K. Korovin در تئاتر بسیار کار کرد. بهترین صحنه‌های او برای اپراهای ریمسکی-کورساکوف، دوشیزه برفی، سادکو، داستان تزار سالتان و دیگران در صحنه اپرای خصوصی مسکو اجرا شد، یعنی برای آثاری که به او فرصت «ارتباط» با فولکلور روسی را دادند. ، افسانه ، افسانه.

جهان شمولی استعداد، تخیل بی حد و حصر، اشتیاق فوق العاده در تأیید آرمان های نجیب وروبل را از بسیاری از هم عصرانش متمایز می کند.

آثار وروبل درخشان تر از دیگران، تناقضات و پرتاب های دردناک دوران عطف را منعکس می کرد. در روز تشییع جنازه وروبل، بنوا گفت: «زندگی وروبل، همانطور که اکنون در تاریخ ثبت خواهد شد، یک سمفونی رقت انگیز شگفت انگیز است، یعنی کامل ترین شکل وجود هنری. نسل‌های آینده... به دهه‌های پایانی قرن نوزدهم مانند «عصر وروبل» نگاه خواهند کرد... در او بود که زمان ما به زیباترین و غم‌انگیزترین چیزی که می‌توانست بیان شد.

با وروبل، ما وارد قرن جدیدی می شویم، عصر «عصر نقره»، آخرین دوره فرهنگ سن پترزبورگ روسیه، که هم با «ایدئولوژی انقلابی گری» (پ. ​​ساپرونوف) و هم از ارتباطی خارج است. "با خودکامگی و دولتی که مدتهاست دیگر نیروی فرهنگی نبوده است." آغاز قرن با ظهور اندیشه فلسفی و مذهبی روسی، بالاترین سطح شعر همراه است (به نام بلوک، بلی، آننسکی، گومیلیوف، گئورگی ایوانف، ماندلشتام، آخماتووا، تسوتایوا، سولوگوب بسنده می شود). تئاتر درام و موزیکال، باله؛ "کشف" هنر روسی قرن 18 (روکوتوف، لویتسکی، بوروویکوفسکی)، نقاشی آیکون قدیمی روسی؛ بهترین حرفه ای بودن نقاشی و گرافیک از همان آغاز قرن. اما «عصر نقره» در برابر حوادث غم انگیز قریب الوقوع روسیه که به سوی فاجعه ای انقلابی پیش می رفت، ناتوان بود و همچنان در «برج عاج» و در شعرهای نمادگرایی باقی می ماند.

اگر بتوان کار وروبل را با جهت کلی نمادگرایی در هنر و ادبیات مرتبط کرد، اگرچه او مانند هر هنرمند بزرگی، مرزهای جهت را از بین برد، پس ویکتور الپیدیفوروویچ بوریسف-موساتوف (1870-1905) نماینده مستقیم نمادگرایی تصویری است. و یکی از اولین گذشته نگرها در هنرهای زیبا، هنر مرزی روسیه. منتقدان آن زمان حتی او را «رویای گذشته نگر» نامیدند. بوریسوف-موساتوف پس از مرگ در آستانه اولین انقلاب روسیه، کاملاً ناشنوا بود به حالات جدیدی که به سرعت در حال نفوذ به زندگی بود. آثار او غمگینی است برای "لانه های نجیب" خالی قدیمی و "باغ های آلبالو" در حال مرگ، برای زنان زیبا، روحانی شده، تقریبا غیرزمینی، پوشیده از نوعی لباس جاودانه که نشانه های بیرونی مکان و زمان را ندارند.

کارهای سه پایه او بیشتر از همه شبیه به تابلوهای تزئینی نیست، بلکه به ملیله ها شباهت دارد. فضا به شکلی کاملاً مشروط و مسطح حل شده است، چهره ها تقریباً اثیری هستند، مانند، برای مثال، دختران کنار برکه در نقاشی "برکه" (1902، تمپر، گالری ایالتی ترتیاکوف)، غوطه ور در مراقبه رویایی، در تفکر عمیق سایه‌های خاکستری کم‌رنگ و محو شده، تصور کلی زیبایی شکننده، غیرزمینی و کم‌خونی و شبح‌آلود را افزایش می‌دهد، که نه تنها به تصاویر انسان، بلکه به طبیعتی که توسط او به تصویر کشیده می‌شود نیز گسترش می‌یابد. تصادفی نیست که بوریسوف-موساتوف یکی از آثار خود را "ارواح" نامید (1903، مزاج، گالری دولتی ترتیاکوف): چهره های زن ساکت و غیر فعال، مجسمه های مرمری در کنار پله ها، یک درخت نیمه برهنه - طیف رنگ و رو رفته آبی، رنگ های خاکستری و بنفش، شبح بودن تصویر را افزایش می دهد.

این اشتیاق به دوران گذشته، بوریسوف-موساتوف را با هنرمندان "دنیای هنر" مرتبط کرد - سازمانی که در سال 1898 در سن پترزبورگ به وجود آمد و استادان عالی ترین فرهنگ هنری، نخبگان هنری روسیه آن سال ها را متحد کرد. (به هر حال، "دنیای هنر" هنر بوریسوف-موساتوف را درک نکرد و آن را فقط در پایان زندگی هنرمند تشخیص داد.) آغاز "دنیای هنر" عصرها در خانه گذاشته شد. از A. Benois اختصاص به هنر، ادبیات و موسیقی. مردمی که در آنجا جمع شده بودند با عشق به زیبایی و اعتقاد به این که آن را فقط در هنر می توان یافت، متحد شدند، زیرا واقعیت زشت است. دنیای هنر که به عنوان واکنشی به کوچک بودن مرحوم سرگردان، ماهیت آموزنده و مصور آن به وجود آمد، به زودی به یکی از پدیده های اصلی فرهنگ هنری روسیه تبدیل شد. تقریباً همه هنرمندان مشهور در این انجمن شرکت کردند - Benois، Somov، Bakst، E.E. Lansere، Golovin، Dobuzhinsky، Vrubel، Serov، K. Korovin، Levitan، Nesterov، Ostroumova-Lebedeva، Bilibin، Sapunov، Sudeikin، Ryabushkin، Roerich، Kustodiev، Petrov-Vodkin، Malyavin، حتی Larionov و Goncharova. برای تشکیل این انجمن، شخصیت دیاگیلف، حامی و برگزارکننده نمایشگاه ها و بعدها - امپرساریو تورهای باله و اپرا روسی در خارج از کشور (فصول روسیه، که اروپا را با کار چالیاپین، پاولوا، کارساوینا آشنا کرد) از اهمیت زیادی برخوردار بود. ، فوکین، نیجینسکی و دیگران و نمونه ای از عالی ترین فرهنگ در قالب هنرهای مختلف را به جهانیان نشان داد: موسیقی، رقص، نقاشی، صحنه نگاری). در مرحله اولیه شکل گیری "دنیای هنر"، دیاگیلف نمایشگاهی از آبرنگ های انگلیسی و آلمانی را در سن پترزبورگ در سال 1897 ترتیب داد، سپس نمایشگاهی از هنرمندان روسی و فنلاندی در سال 1898 برگزار کرد. مجله ای به همین نام متشکل از دو بخش هنری و ادبی منتشر شد (بخش دوم دارای طرحی مذهبی و فلسفی است، د. فیلسوفوف، د. مرژکوفسکی و ز. گیپیوس تا افتتاح مجله راه نو در آن همکاری داشتند. در سال 1902. سپس جهت مذهبی و فلسفی در مجله میر آرت» جای خود را به نظریه زیبایی شناسی داد و مجله در این قسمت به سکویی برای نمادگرایان دیگر به سرپرستی A. Bely و V. Bryusov تبدیل شد.

مقالات سرمقاله شماره های اول مجله به وضوح مفاد اصلی "دنیای هنر" را در مورد استقلال هنر بیان می کند، که مشکلات فرهنگ مدرن منحصراً مشکلات فرم هنری است و وظیفه اصلی هنر این است که آموزش سلیقه های زیبایی شناختی جامعه روسیه، در درجه اول از طریق آشنایی با آثار هنری.هنر جهانی. ما باید به آنها حق بدهیم: به لطف دنیای هنر، هنر انگلیسی و آلمانی واقعاً به روشی جدید مورد قدردانی قرار گرفت و مهمتر از همه، نقاشی روسی قرن 18 و معماری کلاسیک سنت پترزبورگ برای بسیاری کشف شد. "دنیای هنر" برای "نقد به عنوان یک هنر" مبارزه کرد و آرمان یک منتقد-هنرمند با فرهنگ و دانش بالای حرفه ای را اعلام کرد. نوع چنین منتقدی توسط یکی از خالقان دنیای هنر، A.N. بنوا. "Miriskusniki" نمایشگاه هایی ترتیب داد. اولین مورد همچنین تنها بین المللی بود که علاوه بر روس ها، هنرمندانی از فرانسه، انگلیس، آلمان، ایتالیا، بلژیک، نروژ، فنلاند و غیره را گرد هم آورد. هم نقاشان و هم گرافیست های سن پترزبورگ و مسکو در آن شرکت داشتند. اما شکاف بین این دو مدرسه - سن پترزبورگ و مسکو - تقریباً از روز اول مشخص شد. در مارس 1903، آخرین، پنجمین نمایشگاه دنیای هنر بسته شد، در دسامبر 1904 آخرین شماره مجله دنیای هنر منتشر شد. اکثر هنرمندان به "اتحادیه هنرمندان روسیه" که بر اساس نمایشگاه مسکو "36" ترتیب داده شده است نقل مکان کردند، نویسندگان - به مجله راه جدید که توسط گروه مرژکوفسکی افتتاح شد، نمادهای مسکو حول مجله "ویسی" متحد شدند، موسیقیدانان " شب های موسیقی معاصر» دیاگیلف به طور کامل وارد باله و تئاتر شد. آخرین اثر مهم او در هنرهای تجسمی یک نمایشگاه تاریخی باشکوه از نقاشی روسی از شمایل نگاری تا امروز در سالن پاییز پاریس در سال 1906 بود که سپس در برلین و ونیز (1906-1907) به نمایش گذاشته شد. در بخش نقاشی مدرن، جایگاه اصلی را «دنیای هنر» به خود اختصاص داد. این اولین اقدام پاناروپایی به رسمیت شناختن "دنیای هنر" و همچنین کشف نقاشی روسی از قرن 18 - اوایل قرن 20 بود. به طور کلی برای نقد غربی و یک پیروزی واقعی هنر روسیه.

در سال 1910، تلاشی صورت گرفت تا جانی دوباره به «دنیای هنر» (به رهبری روریچ) بدمد. در محیط نقاشان در این زمان مرزبندی وجود دارد. بنوا و حامیانش از اتحادیه هنرمندان روسیه، مسکوئی ها جدا می شوند و این سازمان را ترک می کنند، اما می فهمند که انجمن ثانویه به نام دنیای هنر هیچ ربطی به انجمن اول ندارد. بنوا با تأسف می‌گوید که «نه آشتی تحت لوای زیبایی اکنون به یک شعار در همه عرصه‌های زندگی تبدیل شده است، بلکه به مبارزه‌ای شدید تبدیل شده است». شکوه به هنرمندان "دنیای هنر" رسید، اما "دنیای هنر" در واقع دیگر وجود نداشت، اگرچه به طور رسمی انجمن تا آغاز دهه 1920 (1924) وجود داشت - با فقدان کامل یکپارچگی، به طور نامحدود. مدارا و انعطاف پذیری موقعیت ها، هنرمندان را از رایلوف تا تاتلین، از گرابار تا شاگال آشتی می دهد. چگونه می توان امپرسیونیست ها را در اینجا به یاد نیاورد؟ جامعه ای که روزی در کارگاه گلیر، در «سالن رد شدگان»، سر میزهای کافه گوربوا متولد شد و قرار بود تأثیری عظیم بر تمام نقاشی اروپایی بگذارد، نیز در آستانه شناخته شدنش از هم پاشید. نسل دوم «دنیای هنر» کمتر به مشکلات نقاشی سه‌قلبی مشغول است، علاقه‌شان به گرافیک، عمدتاً کتاب، و هنرهای نمایشی و تزئینی است، در هر دو زمینه اصلاحات هنری واقعی انجام دادند. در نسل دوم "دنیای هنر" افراد عمده ای نیز حضور داشتند (کوستودیف، سودیکین، سربریاکوا، چخونین، گریگوریف، یاکولف، شوخایف، میتروخین و غیره)، اما هنرمندان مبتکر اصلاً وجود نداشتند، زیرا از دهه 1910، "دنیای هنر" موج اپیگونیسم را تحت الشعاع قرار داده است. بنابراین ، هنگام توصیف دنیای هنر ، عمدتاً در مورد اولین مرحله وجود این انجمن و هسته آن - Benois ، Somov ، Bakst صحبت خواهیم کرد.

هنرمند برجسته "دنیای هنر" کنستانتین آندریویچ سوموف (1869-1939) بود. سوموف، پسر سرپرست ارشد هرمیتاژ، که از آکادمی هنر فارغ التحصیل شد و به سراسر اروپا سفر کرد، آموزش عالی دریافت کرد. بلوغ خلاق در اوایل به او رسید، اما، همانطور که محقق (V.N. Petrov) به درستی اشاره کرد، او همیشه دارای دوگانگی بود - مبارزه بین یک غریزه واقع گرایانه قدرتمند و یک جهان بینی دردناک عاطفی.

سوموف، همانطور که ما او را می شناسیم، در پرتره هنرمند مارتینوا ("بانوی آبی پوش"، 1897-1900، گالری ایالتی ترتیاکوف)، در نقاشی پرتره "پژواک های زمان گذشته" (1903، b. روی نقشه) ظاهر شد. , aqua., gouache, State Tretyakov Gallery ) جایی که او توصیفی شاعرانه از زیبایی زنانه شکننده و کم خون مدل منحط را خلق می کند و از انتقال نشانه های واقعی روزمره مدرنیته امتناع می ورزد. او مدل‌ها را لباس‌های باستانی می‌پوشاند، به ظاهر آن‌ها ویژگی‌های رنج پنهان، غم و اندوه و رویاپردازی، شکستگی دردناک می‌دهد.

سوموف دارای یک سری پرتره گرافیکی از معاصران خود - نخبگان روشنفکر (V. Ivanov، Blok، Kuzmin، Sollogub، Lansere، Dobuzhinsky، و غیره) است که در آنها از یک تکنیک کلی استفاده می کند: در پس زمینه سفید - در یک زمان خاص. کره - او چهره ای ترسیم می کند، شباهتی که در آن نه از طریق طبیعی شدن، بلکه با تعمیم های جسورانه و انتخاب مناسب جزئیات مشخصه به دست می آید. این فقدان نشانه های زمان، تصور ایستا، سفتی، سردی، تنهایی تقریبا غم انگیز را ایجاد می کند.

سوموف قبل از هر کس دیگری در دنیای هنر به موضوعات گذشته و به تفسیر قرن هجدهم روی آورد. ("نامه"، 1896؛ "محرمانه ها"، 1897)، که پیشرو مناظر ورسای بنوا است. او اولین کسی است که دنیایی سورئال را خلق کرد، بافته شده از نقوش اشراف، املاک و فرهنگ درباری و احساسات هنری صرفاً ذهنی خود، پر از کنایه. تاریخ گرایی «دنیای هنر» گریز از واقعیت بود. نه گذشته، بلکه صحنه سازی آن، اشتیاق به بازگشت ناپذیری آن - این انگیزه اصلی آنهاست. نه سرگرمی واقعی، بلکه یک بازی سرگرم کننده با بوسه در کوچه ها - چنین است سوموف.

دیگر آثار سوموف جشن‌های شبانی و شجاعانه است ("بوسه مضحک"، 1908، موزه روسیه، "پیاده روی مارکیز"، 1909، موزه روسیه)، پر از کنایه تند، پوچی معنوی، حتی ناامیدی. صحنه های عاشقانه از قرن 18 تا اوایل قرن 19. همیشه با یک لمس شهوانی داده می شود. مورد دوم به ویژه در مجسمه های چینی او که به یک موضوع اختصاص یافته بود - تعقیب واهی لذت - تجلی یافت.

سوموف به عنوان یک گرافیست بسیار کار کرد، او تک نگاری S. Diaghilev در مورد D. Levitsky، مقاله A. Benois در مورد Tsarskoye Selo را طراحی کرد. کتاب به عنوان یک ارگانیسم واحد با وحدت ریتمیک و سبکی خود، توسط او به ارتفاعی خارق العاده ارتقا یافت. سوموف یک تصویرگر نیست، او "نه یک متن، بلکه یک دوره را با استفاده از یک وسیله ادبی به عنوان سکوی پرش به تصویر می کشد." A.A. سیدوروف، و این بسیار درست است.

رهبر ایدئولوژیک "دنیای هنر" الکساندر نیکولاویچ بنویس (1870-1960) بود - یک استعداد غیرمعمول همه کاره. نقاش، گرافیست و تصویرگر سه پایه، هنرمند تئاتر، کارگردان، نویسنده لیبرتوهای باله، نظریه پرداز و مورخ هنر، شخصیت موسیقی، به قول ا.بلی، سیاستمدار و دیپلمات اصلی «دنیای هنر» بود. او که از بالاترین قشر روشنفکر هنری سن پترزبورگ (آهنگسازان و رهبران ارکستر، معماران و نقاشان) آمده بود، ابتدا در دانشکده حقوق دانشگاه سن پترزبورگ تحصیل کرد. او به عنوان یک هنرمند با گرایش های سبکی و اعتیاد به گذشته با سوموف مرتبط است ("من از ورسای مست هستم ، این نوعی بیماری ، عشق ، اشتیاق جنایتکارانه است ... من کاملاً به گذشته نقل مکان کردم ...") . در مناظر ورسای، بنوا بازسازی تاریخی قرن هفدهم را ادغام کرد. و برداشت های معاصر از هنرمند، درک او از کلاسیک فرانسه، حکاکی فرانسوی. از این رو ترکیب واضح، فضایی روشن، عظمت و شدت سرد ریتم ها، تقابل بین عظمت بناهای تاریخی هنری و کوچک بودن پیکره های انسانی، که تنها در میان آنها کارکنان هستند (سری اول ورسای 1896-1898 تحت عنوان "آخرین پیاده روی لوئی چهاردهم"). در سری دوم ورسای (1905-1906)، کنایه، که مشخصه ورقه های اول نیز است، با نت های تقریباً غم انگیز رنگ آمیزی شده است ("راهپیمایی پادشاه"، c.، گواش، آبی، طلا، نقره، قلم، 1906 ، گالری دولتی ترتیاکوف). تفکر بنوا تفکر یک هنرمند تئاتر عالی است که تئاتر را به خوبی می شناخت و حس می کرد.

طبیعت توسط بنوا در ارتباطی تداعی با تاریخ درک می شود (دیدگاه های پاولوفسک، پترهوف، تزارسکویه سلو، که توسط او با تکنیک آبرنگ اجرا شده است).

در یک سری نقاشی از گذشته روسیه، به سفارش انتشارات مسکو Knebel (تصاویر برای "شکار سلطنتی")، در صحنه هایی از زندگی نجیب و زمیندار قرن 18. بنوا تصویری صمیمی از این دوران خلق کرد، اگرچه تا حدودی نمایشی بود (رژه تحت پل اول، 1907، موزه دولتی روسیه).

بنوا تصویرگر (پوشکین، هافمن) یک صفحه کامل از تاریخ کتاب است. بر خلاف سوموف، بنوا یک تصویر روایی خلق می کند. هواپیمای صفحه برای او به خودی خود هدف نیست. تصاویر ملکه پیک آثار مستقل نسبتاً کاملی بودند، نه آنقدر که A.A. سیدوروف، چقدر "هنر در کتاب وجود دارد." یکی از شاهکارهای تصویرسازی کتاب، طراحی گرافیکی The Horseman برنزی (1903,1905,1916,1921-1922، جوهر و آبرنگ با تقلید از نقش های چوبی رنگی) بود. در مجموعه ای از تصویرسازی های شعر بزرگ، شخصیت اصلی منظره معماری سنت پترزبورگ است، که اکنون کاملاً رقت انگیز، اکنون صلح آمیز، اکنون شوم است، که شخصیت یوجین در برابر آن حتی ناچیزتر به نظر می رسد. اینگونه است که بنوا تضاد غم انگیز بین سرنوشت دولت روسیه و سرنوشت شخصی یک مرد کوچک را بیان می کند («و تمام شب دیوانه بیچاره، / هر جا که پاهایش را برگرداند، / اسب سوار برنزی همه جا با او بود / با یک پای سنگین تاخت»).

به عنوان یک هنرمند تئاتر، بنوا اجراهای فصول روسیه را طراحی کرد، که مشهورترین آنها باله پتروشکا به موسیقی استراوینسکی بود، او در تئاتر هنری مسکو و بعداً تقریباً در تمام صحنه های اصلی اروپا کار زیادی کرد.

فعالیت بنوا، منتقد هنری و مورخ هنر که همراه با گرابار، روش‌ها، تکنیک‌ها و مضامین تاریخ هنر روسیه را به روز کرد، یک مرحله کامل در تاریخ نقد هنر است (به «تاریخ نقاشی قرن نوزدهم مراجعه کنید». " توسط R. Muther - جلد "نقاشی روسی"، 1901-1902؛ "مدرسه نقاشی روسیه"، نسخه 1904؛ "تزارسکویه سلو در سلطنت امپراطور الیزابت پترونا"، 1910؛ مقالات در مجلات "دنیای هنر" و "سالهای قدیم"، "گنجینه های هنری روسیه" و غیره).

سومین نفر در هسته "دنیای هنر" لو سامویلوویچ باکست (1866-1924) بود که به عنوان یک هنرمند تئاتر شهرت یافت و در میان "دنیای هنر" اولین کسی بود که در اروپا به شهرت رسید. او از آکادمی هنر به "دنیای هنر" آمد، سپس به سبک آرت نوو ادامه داد، به گرایش های چپ در نقاشی اروپا پیوست. در اولین نمایشگاه های "دنیای هنر" او تعدادی پرتره تصویری و گرافیکی (بنوآ، بلی، سوموف، روزانوف، گیپیوس، دیاگیلف) را به نمایش گذاشت، جایی که طبیعت، که در جریانی از حالات زنده قرار می گرفت، به نوعی تبدیل شد. بازنمایی ایده آل از یک فرد معاصر باکست نام تجاری مجله "دنیای هنر" را ایجاد کرد که به نماد "فصول روسیه" دیاگیلف در پاریس تبدیل شد. گرافیک باکست فاقد موتیف های قرن 18 است. و تم های املاک او به سمت دوران باستان و به علاوه به یونانی باستانی که به صورت نمادین تفسیر می شود، می کشد. به ویژه در مورد نمادگرایان، نقاشی او "وحشت باستان" - "ترور عتیقه" (تمر، 1908، موزه روسیه) بود. یک آسمان طوفانی وحشتناک، رعد و برق که پرتگاه دریا و یک شهر باستانی را روشن می کند - و بر تمام این فاجعه جهانی، پوست باستانی با یک لبخند یخ زده مرموز غالب است. به زودی باکست کاملاً خود را وقف کارهای تئاتر و مناظر کرد و مناظر و لباس های او برای باله های شرکت دیاگیلف که با درخشش خارق العاده، هنری و هنری اجرا می شد، شهرت جهانی را برای او به ارمغان آورد. در طراحی آن اجراهایی با آنا پاولوا، باله های فوکین وجود داشت. این هنرمند صحنه‌ها و لباس‌هایی را برای فیلم‌های Scheherazade ریمسکی-کورساکوف، پرنده آتشین اثر استراوینسکی (هر دو در 1910)، دافنیس و کلوئه راول، و بعد از ظهر یک فاون به موسیقی دبوسی (هر دو 1912) ساخت.

از نسل اول "دنیای هنر" جوانترین اوگنی اوگنیویچ لانسر (1875-1946) بود که در کار خود به تمام مشکلات اصلی گرافیک کتاب در اوایل قرن بیستم پرداخت. (نگاه کنید به تصاویر او برای کتاب "افسانه های قلعه های باستانی بریتانی"، برای لرمانتوف، جلد "نوسکی پرسپکت" بوژریانف و غیره). لانسر تعدادی آبرنگ و سنگ نگاره های سنت پترزبورگ (پل کالینکین، بازار نیکولسکی و غیره) خلق کرد. معماری جایگاه بزرگی در ترکیب بندی های تاریخی او دارد ("ملکه الیزاوتا پترونا در تزارسکویه سلو"، 1905، گالری دولتی ترتیاکوف). می توان گفت که در آثار سرو، بنویس، لانسر، نوع جدیدی از نقاشی تاریخی ایجاد شد - عاری از طرح است، اما در عین حال ظاهر دوران را کاملا بازسازی می کند و بسیاری از انجمن های تاریخی، ادبی و زیبایی شناختی را برمی انگیزد. . یکی از بهترین خلاقیت های Lansere - 70 طراحی و آبرنگ برای L.N. «حاجی مراد» تولستوی (1912-1915) که بنوا آن را «آهنگ مستقلی می‌دانست که کاملاً با موسیقی قدرتمند تولستوی می‌آید». در دوران اتحاد جماهیر شوروی، لانسر به یک نقاشی دیواری برجسته تبدیل شد.

گرافیک مستیسلاو والریانوویچ دوبوژینسکی (1875-1957) نه چندان پترزبورگ دوران پوشکین یا قرن 18، بلکه یک شهر مدرن را نشان می دهد که او توانست با بیانی تقریباً غم انگیز آن را منتقل کند ("خانه قدیمی" ، 1905 ، آبرنگ. ، گالری ایالتی ترتیاکوف)، و همچنین یک فرد - ساکن چنین شهرهایی ("مردی با عینک"، 1905-1906، پاستل، گالری دولتی ترتیاکوف: مردی تنها، در پس زمینه خانه های کسل کننده، مردی غمگین، که سرش شبیه جمجمه است). شهرسازی آینده، ترس هراس را به دوبوژینسکی برانگیخت. او همچنین به طور گسترده در زمینه تصویرسازی کار کرد، جایی که مجموعه نقاشی های جوهر او برای شب های سفید داستایوفسکی (1922) را می توان برجسته ترین آنها دانست. دوبوژینسکی همچنین در تئاتر، طراحی شده برای نمیروویچ-دانچنکو "نیکلای استاوروگین" (به صحنه برده شده "دیوها" توسط داستایوفسکی)، نمایشنامه های تورگنیف "یک ماه در کشور" و "آزاد باردار" کار کرد.

نیکلاس روریچ (1874-1947) جایگاه ویژه ای در دنیای هنر دارد. روریچ که خبره فلسفه و قوم شناسی شرق، باستان شناس-دانشمند بود، ابتدا در خانه، سپس در دانشکده های حقوق و تاریخی-فلسفی دانشگاه سن پترزبورگ، سپس در آکادمی هنر، در کارگاه آموزشی، آموزش عالی دریافت کرد. از Kuindzhi، و در پاریس در استودیو F. Cormon. او در اوایل اقتدار یک دانشمند را به دست آورد. او با همان عشق به گذشته‌نگری با «دنیای هنر» ارتباط داشت، نه فقط مربوط به قرن‌های 17-18، بلکه مربوط به دوران باستان اسلاو و اسکاندیناوی بت پرست، به روسیه باستان. گرایش های سبکی، تزئینات تئاتری ("پیام رسان"، 1897، گالری دولتی ترتیاکوف، "پیشرفتگان همگرا"، 1898، موزه روسیه، "شوم"، 1901، موزه روسیه). روریچ از نزدیک با فلسفه و زیبایی شناسی نمادگرایی روسی مرتبط بود، اما هنر او در چارچوب روندهای موجود نمی گنجید، زیرا، مطابق با جهان بینی هنرمند، با جذابیت به تمام بشریت تبدیل شد. برای اتحاد دوستانه همه مردم. از این رو طبیعت حماسی خاص نقاشی های اوست.

پس از 1905، حال و هوای عرفان پانتئیستی در آثار روریش رشد کرد. مضامین تاریخی جای خود را به افسانه های مذهبی می دهد (نبرد آسمانی، 1912، موزه روسیه). نماد روسی تأثیر زیادی بر رویریچ گذاشت: تابلوی تزئینی او «نبرد کرژنتس» (1911) در حین اجرای قطعه ای به همین عنوان از اپرای ریمسکی-کورساکوف به نام «داستان شهر نامرئی کیتژ و دوشیزه فورونیا» در سال 1990 به نمایش گذاشته شد. فصل های روسیه پاریس

در نسل دوم "دنیای هنر" یکی از بااستعدادترین هنرمندان بوریس میخائیلوویچ کوستودیف (1878-1927) شاگرد رپین بود که به او در کارش در "شورای دولتی" کمک کرد. کوستودیف نیز با سبک سازی مشخص می شود، اما این سبک سازی از چاپ محبوب محبوب است. از این رو جشن روشن "نمایش"، "شرووتاید"، "بالاگانی"، از این رو نقاشی های او از زندگی خرده بورژوازی و بازرگانی، با کنایه ای جزئی منتقل می شود، اما نه بدون تحسین این زیبایی های گونه قرمز و نیمه خواب در پشت سماور و با نعلبکی در انگشتان چاق ("بازرگان"، 1915، موزه روسیه، "بازرگان برای چای"، 1918، موزه روسیه).

A.Ya. گولووین یکی از بزرگترین هنرمندان تئاتر ربع اول قرن بیستم است؛ آی. یا. بیلیبین، A.P. اوستروموا-لبدوا و دیگران.

«دنیای هنر» یک جنبش زیباشناختی بزرگ در آغاز قرن بود که کل فرهنگ هنری مدرن را مورد ارزیابی مجدد قرار داد، سلیقه ها و مشکلات جدید را تأیید کرد، به هنر - در بالاترین سطح حرفه ای - اشکال گمشده گرافیک کتاب و تئاتر بازگشت. و نقاشی تزئینی که با تلاش آنها شهرت تمام اروپایی را به دست آورد، نقد هنری جدیدی ایجاد کرد که هنر روسیه را در خارج از کشور ترویج کرد، در واقع حتی برخی از مراحل آن را مانند قرن 18 روسیه باز کرد. "دنیای هنر" نوع جدیدی از نقاشی تاریخی، پرتره، منظره با ویژگی های سبکی خاص خود را ایجاد کرد (گرایش های سبکی متمایز، غلبه تکنیک های گرافیکی بر تکنیک های تصویری، درک صرفاً تزئینی از رنگ و غیره). این اهمیت آنها را برای هنر روسیه تعیین می کند.

نقاط ضعف "دنیای هنر" در درجه اول در تنوع و ناهماهنگی برنامه منعکس شد و مدل "یا بوکلین، سپس مانه" را اعلام کرد. در دیدگاه‌های ایده‌آلیستی در مورد هنر، در بی‌تفاوتی متاثر از وظایف مدنی هنر، در بی‌تفاوتی برنامه‌ریزی‌شده، در از دست دادن اهمیت اجتماعی تصویر. صمیمیت "دنیای هنر"، زیبایی شناسی ناب آن دوره کوتاه تاریخی زندگی او را در عصر نشانه های غم انگیز مهیب انقلاب قریب الوقوع تعیین کرد. اینها تنها گامهای اولیه در مسیر جستجوهای خلاقانه بود و خیلی زود جوانان از دانشجویان دنیای هنر پیشی گرفتند.

با این حال، برای برخی از «دنیای هنر»، اولین انقلاب روسیه یک انقلاب واقعی در جهان بینی آنها بود. تحرک و در دسترس بودن گرافیک باعث فعالیت ویژه او در این سال های پرتلاطم انقلابی شد. تعداد زیادی از مجلات طنز به وجود آمد (380 عنوان از سال 1905 تا 1917 شمارش شد). مجله استینگ به دلیل جهت گیری انقلابی-دمکراتیک خود متمایز بود، اما بزرگترین نیروهای هنری در اطراف Bogey و مکمل Infernal Mail آن جمع شده بودند. رد استبداد هنرمندان لیبرال گرایش های مختلف را متحد کرد. بیلیبین در یکی از شماره های «بوگی» کاریکاتور «خر در اندازه 1/20 طبیعی» را قرار می دهد: در قابی با ویژگی های قدرت و شکوه، جایی که معمولاً تصویر پادشاه قرار می گرفت، الاغی کشیده می شود. لانسر در سال 1906 کارتون "جشن" را چاپ می کند: ژنرال های تزاری در یک جشن غم انگیز به آواز خواندن گوش نمی دهند، بلکه به سربازان جیغ می کشند که در معرض توجه ایستاده اند. دوبوژینسکی در تصویر "اکتبر بت" به موضوع شهر مدرن وفادار می ماند، فقط نشانه های شومی از وقایع در این شهر رخ می دهد: پنجره شکسته شده توسط گلوله، عروسک دراز کشیده، عینک و لکه خون روی دیوار و روی دیوار. پیاده رو. کوستودیف تعدادی کاریکاتور از تزار و ژنرال‌هایش و پرتره‌هایی از وزرای تزار، ویته، ایگناتیف، دوباسوف و دیگران ساخت که در تیزبینی و کنایه‌های بدخواهانه‌شان استثنایی بودند، آنها را به خوبی مطالعه کرد و در عین حال به رپین در کارش در مورد دولت کمک کرد. شورا. کافی است بگوییم که ویت در زیر دستش به عنوان یک دلقک حیرت انگیز با یک پرچم قرمز در یک دست و پرچم سلطنتی در دست دیگر ظاهر می شود.

اما رساترین در گرافیک انقلابی آن سال ها را باید نقاشی های V.A. سروو. موقعیت او در جریان انقلاب 1905 کاملاً مشخص بود. انقلاب یک سری کامل از کاریکاتورهای سروف را زنده کرد: «1905. پس از صلح» (نیکلاس دوم، با راکتی زیر بغل، صلیب های سنت جورج را بین سرکوبگران توزیع می کند). "درو" (تفنگ ها در قفسه های مزرعه گذاشته می شوند). معروف ترین آهنگ این سریال «سربازان، بچه های شجاع! شکوهت کجاست؟ (1905، موزه روسیه). موقعیت مدنی سروف، مهارت، مشاهده و لاکونیسم خردمندانه او به عنوان یک نقشه نویس در اینجا کاملاً نمایان شد. سروف آغاز حمله قزاق ها به تظاهرکنندگان را در 9 ژانویه 1905 به تصویر می کشد. در جلو، در لبه ی ورق، چهره های بزرگ فردی از قزاق ها وجود دارد، و بین اول و پس زمینه، در مرکز، افسری که آنها را به حمله سوار بر اسب دعوت می کند، با یک سابر کشیده شده است. این نام، همانطور که بود، حاوی تمام طنز تلخ وضعیت است: سربازان روسی علیه مردم خود اسلحه به دست گرفتند. چنین بود، و به این ترتیب، این رویداد غم انگیز را نه تنها سروف از پنجره کارگاه خود، بلکه (به طور مجازی بگوییم) از اعماق آگاهی لیبرال روشنفکران روسیه در کل مشاهده کرد. هنرمندان روسی که با انقلاب 1905 همدردی کردند نمی دانستند که در آستانه چه فاجعه های تاریخ ملی هستند. آنها با گرفتن سمت انقلاب، به طور نسبی، یک بمب افکن تروریستی (از وارثان نیهیلیست-رازنوچینتسی، "با مهارت های خود در مبارزه سیاسی و تلقین ایدئولوژیک بخش های وسیعی از جامعه، "طبق تعریف صحیح یک مورخ) پلیس، در حفاظت از نظم ایستاده است. آنها نمی دانستند که "چرخ قرمز" انقلاب نه تنها خودکامگی را که از آنها متنفر بودند، بلکه کل شیوه زندگی روسیه، کل فرهنگ روسیه را که به آن خدمت می کردند و برای آنها عزیز بود، از بین می برد.

در سال 1903، همانطور که قبلا ذکر شد، یکی از بزرگترین انجمن های نمایشگاهی آغاز قرن، اتحادیه هنرمندان روسیه، بوجود آمد. در ابتدا تقریباً همه چهره های برجسته "دنیای هنر" وارد آن شدند - بنویس ، باکست ، سوموف ، دوبوژینسکی ، سرووف ، وروبل ، بوریسوف-موساتوف در اولین نمایشگاه ها شرکت کردند. مبتکران ایجاد انجمن هنرمندان مسکو بودند که با "دنیای هنر" مرتبط بودند، اما با زیبایی شناسی برنامه ای پترزبورگ ها سنگین شدند. چهره "اتحادیه" عمدتاً توسط نقاشان مسکو در جهت گردشگر، دانش آموزان مدرسه نقاشی، مجسمه سازی و معماری مسکو، وارثان ساوراسوف، دانش آموزان سروو و ک.کورووین تعیین شد. بسیاری در همان زمان در نمایشگاه های سیار به نمایش گذاشتند. غرفه داران "اتحادیه" هنرمندانی از جهان بینی های مختلف بودند: S. Ivanov، M. Nesterov، A. Arkhipov، برادران Korovin، L. Pasternak. امور تشکیلاتی به عهده ع.م. واسنتسف، اس.ا. وینوگرادوف، وی. کلاسورها ستون های سرگردان V.M. واسنتسف، سوریکوف، پولنوف اعضای آن بودند. K. Korovin رهبر "اتحادیه" محسوب می شد.

منظره ملی، تصاویری که عاشقانه از روسیه دهقانی نقاشی شده است، یکی از ژانرهای اصلی هنرمندان اتحادیه است که در آن "امپرسیونیسم روسی" خود را به شیوه ای عجیب و غریب با نقوش عمدتا روستایی و نه شهری خود نشان داد. بنابراین مناظر I.E. گرابار (1871-1960)، با حال و هوای غنایی خود، با بهترین تفاوت های ظریف تصویری که منعکس کننده تغییرات آنی در طبیعت واقعی است، نوعی موازی در خاک روسیه با چشم انداز امپرسیونیستی فرانسه است ("برف سپتامبر"، 1903، گالری دولتی ترتیاکوف). گرابار در اتومونوگرافی خود این منظره را به یاد می آورد: «منظره برف با شاخ و برگ های زرد روشن چنان غیرمنتظره و در عین حال آنقدر زیبا بود که من بلافاصله در تراس مستقر شدم و در سه روز... تصویری کشیدم. ” علاقه گرابار به تجزیه رنگ‌های مرئی به رنگ‌های طیفی و خالص پالت، او را با نئوامپرسیونیسم، با جی. سورات و پی سیگناک مرتبط می‌سازد ("برف مارس"، 1904، گالری ایالتی ترتیاکوف). بازی رنگ ها در طبیعت، جلوه های رنگی پیچیده موضوع مطالعه دقیق "متفقین" می شود، که بر روی بوم دنیای فیگوراتیو تصویری و پلاستیکی عاری از روایت و تصویرسازی می آفرینند.

با تمام علاقه به انتقال نور و هوا در نقاشی استادان «اتحادیه» هرگز انحلال جسم در محیط نور-هوا مشاهده نمی شود. رنگ تزئینی می شود.

«متفقین»، برخلاف پترزبورگ ها - گرافیست های «دنیای هنر» - عمدتاً نقاشانی هستند که حس تزئینی رنگی بالایی دارند. نمونه عالی آن نقاشی های F.A. مالیاوین.

در میان شرکت کنندگان "اتحادیه" هنرمندانی بودند که با موضوع خلاقیت به "دنیای هنر" نزدیک بودند. بنابراین، K.F. یوون (1875-1958) با ظاهر شهرهای باستانی روسیه، پانورامای مسکو قدیمی جذب شد. اما یوون از نظر زیبایی شناختی انگیزه های گذشته، منظره معماری شبح مانند را تحسین نمی کند. اینها پارک های ورسای و باروک تسارسکویه سلو نیستند، بلکه معماری مسکو قدیمی در پوشش بهاری یا زمستانی آن هستند. تصاویر طبیعت مملو از زندگی است، آنها یک تأثیر طبیعی را احساس می کنند، که در درجه اول هنرمند از آن دفع شد (خورشید مارس، 1915، گالری دولتی ترتیاکوف؛ ترینیتی لاورا در زمستان، 1910، موزه روسیه). حالت های ظریف و متغیر طبیعت در مناظر یکی دیگر از اعضای "اتحادیه" و در عین حال یکی از اعضای انجمن نمایشگاه های مسافرتی - S.Yu. ژوکوفسکی (1873-1944): بی انتها بودن آسمان، تغییر رنگ آن، حرکت آهسته آب، درخشان شدن برف زیر ماه ("شب مهتاب"، 1899، گالری دولتی ترتیاکوف؛ "سد"، 1909، دولت روسیه موزه). او اغلب نقش یک ملک متروکه را نیز دارد.

در نقاشی نقاش مدرسه سن پترزبورگ، یکی از اعضای وفادار "اتحادیه هنرمندان روسیه" A.A. رایلوف (1870-1939)، "صدای سبز" (1904)، استاد موفق شد، همانطور که بود، نفس یک باد تازه را منتقل کند، که در زیر آن درختان نوسان می کنند و بادبان ها متورم می شوند. پیشگویی های شادی آور و نگران کننده ای در آن وجود دارد. سنت های عاشقانه معلمش کویندجی نیز در اینجا تأثیر گذاشت.

در مجموع، متفقین نه تنها به سمت مطالعات ساده، بلکه به سمت فرم‌های تصویری تاریخی نیز گرایش داشتند. در سال 1910، زمان انشعاب و شکل گیری ثانویه "دنیای هنر"، در نمایشگاه های "اتحادیه" می توان منظره ای صمیمی (وینوگرادوف، پتروویچف، یوون و غیره) را مشاهده کرد، نقاشی نزدیک به تقسیم گرایی فرانسوی. (گرابار، لاریونوف اولیه) یا نمادگرایی نزدیک (پ. کوزنتسوف، ساپونوف، سودیکین). همچنین هنرمندان "دنیای هنر" دیاگیلف - بنویس، سوموف، باکست، لانسر، دوبوژینسکی در آنها حضور داشتند.

"اتحادیه هنرمندان روسی" با پایه های مستحکم واقع گرایانه خود که نقش مهمی در هنرهای زیبای داخلی ایفا کرد، تأثیر خاصی در شکل گیری مکتب نقاشی شوروی داشت که تا سال 1923 وجود داشت.

سالهای بین دو انقلاب با شدت جستجوهای خلاقانه مشخص می شود که گاهی مستقیماً یکدیگر را حذف می کنند. در سال 1907، در مسکو، مجله پشم طلایی، تنها نمایشگاه هنرمندانی را به دنبال بوریسوف-موساتوف به نام گل رز آبی برگزار کرد. پی کوزنتسوف هنرمند برجسته گل رز آبی شد. M. Saryan، N. Sapunov، S. Sudeikin، K. Petrov-Vodkin، A. Fonvizin، مجسمه ساز A. Matveev در طول سال های تحصیل دور او جمع شدند. نزدیکتر از همه "Goluborozovtsy" به نمادگرایی، که در درجه اول در "زبان" آنها بیان شد: بی ثباتی خلق و خو، مبهم، موسیقی غیر قابل ترجمه تداعی ها، پالایش روابط رنگ. در هنر روسیه، نمادگرایی به احتمال زیاد در ادبیات شکل گرفت؛ در همان سال های اول قرن جدید، نام هایی مانند A. Blok، A. Bely، V. Ivanov، S. Solovyov قبلا به صدا درآمد. عناصر جداگانه "سمبلیسم تصویری" نیز در کار وروبل ظاهر شد، همانطور که قبلا ذکر شد، بوریسوف-موساتوف، روریچ، چیورلیونیس. در نقاشی کوزنتسوف و همکارانش، نقاط تماس زیادی با شعرهای بالمونت، بریوسوف، بلی وجود داشت، فقط آنها از طریق اپراهای واگنر، درام های ایبسن، هاوپتمن و مترلینک به نمادگرایی متصل شدند. نمایشگاه "رز آبی" نوعی سنتز بود: شاعران نمادگرا در آن اجرا کردند، موسیقی مدرن اجرا شد. سکوی زیبایی‌شناختی شرکت‌کنندگان نمایشگاه نیز در سال‌های بعد تأثیرگذار بود و نام این نمایشگاه در نیمه دوم دهه 900 به نامی آشنا برای کل گرایش هنری تبدیل شد. کل فعالیت "رز آبی" همچنین دارای قوی ترین اثر از تأثیر سبک آرت نوو (سبک سازی تزئینی هواپیما، ریتم های خطی عجیب و غریب) است.

آثار پاول وارفولومیویچ کوزنتسوف (1878-1968) منعکس کننده اصول اولیه خرس آبی است. آثار او مظهر مفهوم نئورومانتیک "شفافیت زیبا" (بیانی از شاعر M. Kuzmin) است. کوزنتسوف تابلویی تزئینی خلق کرد که در آن به دنبال انتزاع از بتن روزمره، نشان دادن وحدت انسان و طبیعت، ثبات چرخه ابدی زندگی و طبیعت، تولد روح انسان در این هماهنگی بود. از این رو میل به اشکال یادبود نقاشی، رویایی-تفکری، پاک از همه چیز آنی، جهانی، یادداشت های بی زمان، میل دائمی برای انتقال معنویت ماده. یک شکل فقط نشانه ای است که یک مفهوم را بیان می کند. رنگ در خدمت انتقال احساسات است. ریتم - به منظور معرفی به دنیای خاصی از احساسات (مانند نقاشی نمادها - نمادی از عشق، لطافت، اندوه و غیره). از این رو دریافت توزیع یکنواخت نور در کل سطح بوم به عنوان یکی از پایه های اثر تزئینی کوزنتسوف است. سروف گفت که طبیعت پی کوزنتسوف "نفس می کشد". این در سوئیت های قرقیز (استپ) و بخارا، در مناظر آسیای مرکزی کاملاً بیان شده است. («خواب در آستان گوسفندان» در سال 1911، همانطور که A. Rusakova، محقق آثار کوزنتسوف می نویسد، تصویری از یک دنیای رویایی استپی، صلح، هماهنگی است. زن تصویر شده یک شخص خاص نیست، بلکه یک زن قرقیز در عمومی، نشانه ای از نژاد مغولی است.) آسمان بلند، صحرای بی کران، تپه های ملایم، چادرها، گله های گوسفند، تصویری از یک بت پدرسالاری را ایجاد می کنند. رویای ابدی و دست نیافتنی هماهنگی، آمیختگی انسان با طبیعت، که همیشه هنرمندان را نگران می کرد (سراب در استپ، 1912، گالری دولتی ترتیاکوف). کوزنتسوف تکنیک های نقاشی شمایل روسی باستان، اوایل رنسانس ایتالیا را مطالعه کرد. این توسل به سنت های کلاسیک هنر جهانی در جستجوی سبک عالی خود، همانطور که محققان به درستی اشاره کردند، در دوره ای که هر گونه سنت اغلب به طور کلی انکار می شد، اهمیت اساسی داشت.

عجیب و غریب بودن شرق - ایران، مصر، ترکیه - در مناظر مارتیروس سرگیویچ ساریان (1880-1972) تجسم یافته است. شرق یک موضوع طبیعی برای هنرمند ارمنی بود. ساریان در نقاشی خود دنیایی پر از تزئینات درخشان، پرشورتر، زمینی‌تر از کوزنتسوف خلق می‌کند، و راه‌حل تصویری همیشه بر اساس روابط رنگی متضاد، بدون تفاوت‌های ظریف، در مقایسه سایه‌ای تیز ساخته می‌شود ("نخل خرما، مصر"، 1911 ، نقشه ها. ، دما، GTG). توجه داشته باشید که آثار شرقی ساریان با تضاد رنگی خود قبل از آثار ماتیس ظاهر می شود که توسط او پس از سفر به الجزایر و مراکش خلق شده است.

تصاویر ساریان به دلیل تعمیم فرم ها، هواپیماهای رنگارنگ بزرگ، بی نظمی عمومی زبان، به یاد ماندنی هستند - این معمولاً تصویری تعمیم یافته از مصر است، خواه، ایران، ارمنستان بومی، در حالی که طبیعی بودن حیاتی را حفظ می کند. اگر از زندگی نوشته شده باشد بوم های تزئینی ساریان همیشه شاد هستند، آنها با ایده خلاقیت او مطابقت دارند: «... یک اثر هنری نتیجه شادی است، یعنی کار خلاق. در نتیجه باید شعله‌ی شعله‌ی خلاقیت را در بیننده شعله‌ور سازد و به شناسایی میل طبیعی او به شادی و آزادی کمک کند.

کوزنتسوف و ساریان تصویری شاعرانه از دنیای رنگارنگ و غنی را به روش‌های مختلف خلق کردند، یکی بر اساس سنت‌های هنر شمایل باستانی روسیه و دیگری بر اساس مینیاتورهای ارمنی باستان. در دوره رز آبی، آنها همچنین با علاقه به نقوش شرقی و گرایش های نمادین متحد شدند. درک امپرسیونیستی از واقعیت برای هنرمندان گل رز آبی مشخص نبود.

«گلوبروزیت ها» در تئاتر بسیار و پربار کار کردند و در آنجا با دراماتورژی نمادگرایی ارتباط نزدیک پیدا کردند. N.N. ساپانوف (1880-1912) و S.Yu. سودیکین (1882-1946) درام های M. Maeterlinck، Sapunov - G. Ibsen و Blok "Balaganchik" را طراحی کرد. ساپانوف همچنین این فانتزی تئاتری، سبک‌سازی لوبوک نمایشگاه را به آثار سه‌پایه‌اش، طبیعت‌های بی‌جان تزیینی شدید با گل‌های کاغذی در گلدان‌های چینی نفیس ("Peonies"، 1908، تمپرا، گالری ترتیاکوف دولتی) به صحنه‌های ژانر گروتسک منتقل کرد که در آن واقعیت وجود دارد. با فانتاسماگوریا آمیخته شده است ("ماسکاراد"، 1907، گالری دولتی ترتیاکوف).

در سال 1910، تعدادی از هنرمندان جوان - P. Konchalovsky، I. Mashkov، A. Lentulov، R. Falk، A. Kuprin، M. Larionov، N. Goncharova و دیگران - در سازمان Jack of Diamonds که دارای آن بود متحد شدند. منشور خود را داشت، نمایشگاه هایی ترتیب داد و مجموعه مقالات خود را منتشر کرد. "جک الماس" در واقع تا سال 1917 وجود داشت. همانطور که پست امپرسیونیسم، در درجه اول سزان، "واکنشی به امپرسیونیسم" بود، بنابراین "جک الماس" با ابهام، ترجمه ناپذیری، و ظریف ترین تفاوت های ظریف زبان نمادین "جک الماس" مخالفت کرد. رز آبی» و سبک زیبایی شناختی «دنیای هنر». "Knave of Diamonds" که تحت تأثیر مادیات، "چیز بودن" جهان قرار گرفته بود، ساخت واضحی از تصویر را ادعا کرد، بر عینیت شکل، شدت، پری رنگ تأکید کرد. تصادفی نیست که طبیعت بی جان به ژانر مورد علاقه "valetovtsy" تبدیل می شود، زیرا منظره به ژانر مورد علاقه اعضای "اتحادیه هنرمندان روسیه" تبدیل می شود. ایلیا ایوانوویچ ماشکوف (1881-1944) در طبیعت بی جان خود ("آلوهای آبی"، 1910، گالری ایالتی ترتیاکوف؛ "طبیعت بی جان با کاملیا"، 1913، گالری ایالتی ترتیاکوف) به طور کامل برنامه این انجمن را بیان می کند، همانطور که پیوتر پتروویچ کونچالوفسکی (پیوتر پتروویچ کونچالوفسکی) 1876-1956) - در پرتره (پرتره G. Yakulov، 1910، موزه روسیه؛ "ماتادور مانوئل هارت"، 1910، گالری دولتی ترتیاکوف). ظرافت در انتقال تغییر حالات، روان‌شناسی ویژگی‌ها، دست کم گرفتن حالات، غیرمادی شدن نقاشی حاملان آبی، شعر عاشقانه آنها توسط وله‌توویان مردود است. آنها با جشن تقریباً خودانگیخته رنگ ها، بیان ترسیم کانتور، شیوه نگارش گسترده خمیری آبدار، که دیدگاهی خوش بینانه از جهان را منتقل می کند، و حال و هوای تقریباً مضحک و مربعی ایجاد می کند، مخالفت می کنند. کنچالوفسکی و ماشکوف در پرتره‌هایشان شخصیت‌پردازی زنده، اما تک بعدی ارائه می‌دهند و یک ویژگی را تقریباً تا حد غم‌انگیز تیز می‌کنند. در طبیعت بی جان، آنها بر صفحه بوم، ریتم لکه های رنگی تأکید می کنند ("آگاو"، 1916، گالری دولتی ترتیاکوف، - کنچالوفسکی؛ پرتره بانویی با قرقاول، 1911، موزه روسیه، - ماشکوف). "Knave of Diamonds" چنین ساده‌سازی‌هایی را در تفسیر فرم ممکن می‌سازد، که شبیه به چاپ محبوب، یک اسباب‌بازی عامیانه، کاشی‌های نقاشی، یک تابلوی راهنما است. میل به بدوی گرایی (از لاتین primitivus - بدوی، اولیه) در هنرمندان مختلفی ظاهر شد که در جستجوی به دست آوردن فوریت و یکپارچگی ادراک هنری از اشکال ساده هنر دوره های به اصطلاح ابتدایی - اقوام و ملیت های بدوی - تقلید کردند. "جک الماس" برداشت خود را از سزان (از این رو گاهی اوقات "سزانیسم روسی" نامیده می شود)، یا بهتر است بگوییم، از نسخه تزئینی سزانیسم - فوویسم، حتی بیشتر - از کوبیسم، حتی از آینده گرایی، گرفت. از کوبیسم "تغییر" فرم ها، از آینده گرایی - پویایی، تغییرات مختلف فرم، مانند نقاشی "حلقه. ناقوس ایوان بزرگ» (1915، گالری دولتی ترتیاکوف) توسط A.V. لنتولوف (1884-1943). لنتولوف تصویری بسیار رسا را ​​ایجاد کرد که بر اساس موتیف معماری قدیمی ساخته شده بود که هماهنگی آن توسط ادراک عصبی و تیز انسان مدرن به دلیل ریتم های صنعتی شکسته شده است.

پرتره های P.P فالک (1886-1958)، که در درک و تفسیر شکل به کوبیسم وفادار ماند (بیهوده نیست که آنها از "کوبیسم غنایی" فالک صحبت می کنند)، در هارمونی های ظریف رنگی-پلاستیکی ایجاد شد که حالت خاصی از مدل را منتقل می کند.

در طبیعت بی جان و مناظر A. V. Kuprin (1880-1960)، گاهی اوقات یک یادداشت حماسی ظاهر می شود، تمایل به تعمیم وجود دارد ("طبیعت بی جان با کدو تنبل، گلدان و منگوله ها"، 1917، گالری ایالتی ترتیاکوف، به درستی توسط پژوهشگران «شعری در تجلیل از ابزار نقاش»). آغاز تزئینی کوپرین با بینش تحلیلی از طبیعت ترکیب شده است.

ساده‌سازی شدید فرم، ارتباط مستقیم با هنر نشانه‌گذاری به‌ویژه در م.ف. لاریونوف (1881-1964)، یکی از بنیانگذاران "جک الماس"، اما قبلاً در سال 1911 از او جدا شد و نمایشگاه های جدیدی ترتیب داد: "دم الاغ" و "هدف". لاریونوف مناظر، پرتره ها، طبیعت بی جان را نقاشی می کند، به عنوان هنرمند تئاتر شرکت دیاگیلف کار می کند، سپس به نقاشی ژانر روی می آورد، موضوع او زندگی یک خیابان استانی، پادگان سربازان است. فرم ها مسطح، گروتسک هستند، گویی عمداً به عنوان نقاشی کودک، چاپ محبوب یا تابلوی راهنما طراحی شده اند. در سال 1913، لاریونوف کتاب خود "لوشیسم" را منتشر کرد - در واقع، اولین مانیفست هنر انتزاعی، که خالقان واقعی آن در روسیه V. Kandinsky و K. Malevich بودند.

هنرمند N.S. گونچارووا (1881-1962)، همسر لاریونوف، همین گرایش ها را در نقاشی های ژانر خود، بیشتر با موضوع دهقانی، توسعه داد. در سال‌های مورد بررسی، در آثار او، تزئینی‌تر و رنگارنگ‌تر از هنر لاریونوف، که در استحکام درونی و لاکونیسم آن برجسته‌تر است، اشتیاق به بدوی‌گرایی به شدت احساس می‌شود. در توصیف کار گونچارووا و لاریونوف، اغلب از اصطلاح "نئو بدویگرایی" استفاده می شود. در این سالها آ.شوچنکو، وی.چکریگین، ک.مالویچ، و.تاتلین، ام.شاگال از نظر جهان بینی هنری، جستجوی زبانی رسا به آنها نزدیک هستند. هر یک از این هنرمندان (تنها استثنا چکریگین است که خیلی زود درگذشت) به زودی مسیر خلاقانه خود را پیدا کرد.

م.ز. شاگال (1887-1985) فانتزی هایی خلق کرد که از برداشت های ملال آور زندگی در شهر کوچک ویتبسک دگرگون شده بود و با روحیه ساده لوحانه-شاعرانه و گروتسک-نمادین تفسیر می شد. با فضای سورئال، رنگارنگی روشن، بدوی سازی عمدی فرم، شاگال به اکسپرسیونیسم غربی و هنر عامیانه بدوی نزدیک است ("من و دهکده"، 1911، موزه هنرهای معاصر، نیویورک، "بر فراز ویتبسک"، 1914 ، همکار زاک. تورنتو؛ "عروسی"، 1918، گالری ایالتی ترتیاکوف).

بسیاری از استادانی که در بالا به آنها اشاره شد، نزدیک به "جک آف دایموندز"، اعضای سازمان سن پترزبورگ "اتحادیه جوانان" بودند که تقریباً همزمان با "جک آف دایموندز" (1909) شکل گرفت. علاوه بر شاگال، P. Filonov، K. Malevich، V. Tatlin، Yu. Annenkov، N. Altman، D. Burliuk، A. Exter و دیگران در سایوز به نمایش گذاشته شدند. L. Zheverzheev نقش اصلی را در آن ایفا کرد. درست مانند "valetovtsy"، اعضای "اتحادیه جوانان" مجموعه های نظری منتشر کردند. تا اینکه انجمن در سال 1917 فروپاشید. «اتحادیه جوانان» برنامه خاصی نداشت و به نمادگرایی و کوبیسم و ​​آینده پژوهی و «غیرعینی» می پرداخت، اما هر کدام از هنرمندان چهره خلاق خود را داشتند.

سخت ترین توصیف P.N. فیلونوف (1883–1941). د.سارابیانوف به درستی کار فیلونوف را «تنها و بی نظیر» تعریف کرده است. از این نظر، او به درستی هنرمند را هم تراز A. Ivanov، N. Ge، V. Surikov، M. Vrubel قرار می دهد. با این وجود، چهره فیلونوف، ظاهر او در فرهنگ هنری روسیه در دهه 10 قرن بیستم است. طبیعی فیلونوف با تمرکز بر «نوعی حرکت خود-توسعه فرم ها» (د. سرابیانوف)، به آینده نگری نزدیکتر است، اما با مشکلات کارش از آن دور است. بلکه با جستجوی معنای اصلی کلمه به آینده نگری شاعرانه خلبانیکوف نزدیکتر است. فیلونوف اغلب با شروع به کشیدن یک تصویر از هر لبه، انتقال بار خلاقانه خود به فرم ها، به آنها زندگی می بخشد و سپس، گویی نه به خواست هنرمند، بلکه با حرکت خود آنها، توسعه می یابند، تغییر می کنند، نو می شوند. ، رشد. این خودسازی اشکال توسط فیلونوف واقعاً شگفت‌انگیز است» (D. Sarabyanov).

هنر سال‌های پیش از انقلاب در روسیه با پیچیدگی و ناهماهنگی فوق‌العاده تلاش‌های هنری مشخص می‌شود، از این رو گروه‌بندی‌های متوالی با تنظیمات برنامه‌ای و همدلی‌های سبکی خود را نشان می‌دهد. اما در کنار آزمایش‌کنندگان در زمینه فرم‌های انتزاعی در هنر روسیه آن زمان، «دنیای هنر» و «گولوبوروزیت‌ها»، «متحدان»، «کوه‌های الماس» به کار خود ادامه دادند. جریان قدرتمندی از جریان‌های نئوکلاسیک که نمونه‌ای از آن را می‌توان کار یکی از اعضای فعال «هنر میر» در «نسل دوم» خود Z.E. سربریاکوا (1884-1967). سربریاکوا در بوم‌های ژانر شاعرانه‌اش با طراحی لاکونیک، مدل‌سازی پلاستیکی حسی محسوس و تعادل ترکیب، از سنت‌های ملی عالی هنر روسیه، در درجه اول ونتسیانوف و حتی فراتر از هنر باستانی روسیه ("دهقانان"، 1914، موزه روسیه; "برداشت"، 1915، موزه هنر اودسا؛ "سفید شدن بوم"، 1917، گالری ایالتی ترتیاکوف).

سرانجام، شواهد درخشانی از سرزندگی سنت های ملی، نقاشی بزرگ باستانی روسیه، اثر کوزما سرگیویچ پتروف-ودکین (1878-1939)، هنرمند متفکری است که بعدها برجسته ترین استاد هنر دوره شوروی شد. در نقاشی معروف حمام کردن اسب سرخ (1912، جمعه)، هنرمند به استعاره ای فیگوراتیو متوسل شد. همانطور که به درستی اشاره شد، مرد جوان سوار بر یک اسب قرمز روشن تداعی هایی را با تصویر محبوب سنت جورج پیروز ("قدیس یگوری") و شبح عمومی، ترکیب ریتمیک و فشرده، اشباع لکه های رنگی متضاد ایجاد می کند. صدا با قدرت کامل، و صاف بودن در تفسیر اشکال منجر به یادگاری یک نماد باستانی روسی می شود. یک تصویر هماهنگ روشن توسط پتروف-ودکین در نقاشی یادبود "دختران در ولگا" (1915، گالری ایالتی ترتیاکوف) ایجاد شده است، که در آن او نیز جهت گیری خود را نسبت به سنت های هنر روسیه احساس می کند و استاد را به یک ملیت واقعی سوق می دهد.

1. هنر روسیه در پایان قرن بیستم.دهه آخر قرن بیستم در روسیه پر از رویدادهای سیاسی و اقتصادی بود که وضعیت این کشور را به طور اساسی تغییر داد. فروپاشی اتحادیه در سال 1991 و تغییر مسیر سیاسی، گذار به روابط بازار و جهت گیری روشن به سمت مدل غربی توسعه اقتصادی، و در نهایت تضعیف، تا لغو کامل، کنترل ایدئولوژیک - همه اینها در اوایل دهه 1990 به این واقعیت کمک کرد که محیط فرهنگی به سرعت شروع به تغییر کرد. آزادسازی و دموکراتیزه شدن کشور به توسعه و ایجاد گرایش ها و جهت گیری های جدید در هنر ملی کمک کرد. تکامل هنر در دهه 1990 در روسیه با ظهور روندهای ذاتی پست مدرنیسم، با ظهور نسل جدیدی از هنرمندان جوان که در زمینه هایی مانند: مفهوم گرایی، گرافیک کامپیوتری، نئوکلاسیکمربوط به توسعه فناوری کامپیوتر در روسیه است. "نئوکلاسیکیسم جدید روسی" که از التقاط کلاسیک سرچشمه می گیرد، به یک "الماس چند وجهی" تبدیل شد و گرایش های مختلفی را که قبل از دوران مدرنیسم به "کلاسیک ها" تعلق نداشتند، ترکیب کرد. نئوکلاسیک- این جهتی در هنر است که در آن هنرمندان سنت های کلاسیک نقاشی، گرافیک، مجسمه سازی را احیا می کنند، اما در عین حال فعالانه از آخرین فن آوری ها استفاده می کنند. مورخ و نظریه‌پرداز هنر بریتانیایی ادوارد لوسی اسمیتنئوکلاسیسیسم روسی را "اولین پدیده برجسته فرهنگ روسیه که پس از کازیمیر مالویچ بر روند هنری جهان تأثیر گذاشت." نئوکلاسیک خواستار نگرش متفاوتی نسبت به دوران باستان نسبت به کلاسیک ها بود. دیدگاه تاریخی فرهنگ یونان آثار باستانی را نه مطلق، بلکه یک ایده آل تاریخی خاص می ساخت، بنابراین، تقلید از یونانیان معنای دیگری به دست آورد: در درک هنر باستان، هنجار بودن آن نبود که به منصه ظهور رسید، بلکه آزادی بود. ، مشروط بودن قواعدی که بعداً تبدیل به قانون شد، زندگی واقعی مردم. D.V. سارابیانوفنئوکلاسیک را نوعی «عارضه» مدرنیته می داند. با همین احتمال، نئوکلاسیک را می توان هم متاخر و هم یک گرایش مستقل در نظر گرفت. در آثار "هنرمندان جدید" مدرنیته ناب یا نئوکلاسیک جداگانه وجود ندارد، آنها همیشه به هم پیوسته عمل می کنند، هنرمندان آکادمی جدید چندین گرایش در هنرهای تجسمی را به طور همزمان ترکیب کردند: آوانگارد، پست مدرنیسم، کلاسیک در "کلاژ". فضا". آثار "هنرمندان جدید" ترکیبی از گرافیک کامپیوتری، اچینگ، نقاشی و عکاسی است. هنرمندان آثار تمام شده را دیجیتالی کردند، قطعات لازم را انتخاب کردند و کلاژ ایجاد کردند و لباس ها و دکور دوران باستان را به طرز ماهرانه ای بازسازی کردند. ترکیب روش های سنتی با قابلیت های برنامه های گرافیک کامپیوتری، پتانسیل خلاقیت هنرمندان را گسترش داده است. کلاژها از مواد اسکن شده مونتاژ شدند، جلوه های ویژه هنری روی آنها اعمال شد، تغییر شکل دادند و ترکیبات وهم آلود ایجاد کردند. برجسته ترین نمایندگان نئوکلاسیک سن پترزبورگ در اوایل دهه 1990 بودند. O. Toberluts، E. Andreeva، A. Khlobystin، O. Turkina، A. Borovsky، I. Chechot، A. Nebolsin، E. Sheff.نئوکلاسیک توبرلوتزیکی از مظاهر رمانتیسم است. آثار او تجسم احساسات یک فرد، رویاها، اشراف، چیزی مشتاقانه و تبدیل به یک ایده آل غیرقابل تحقق است. . خود هنرمند قهرمان آثارش می شود. از نظر سبکی، کار O. Toberluts را می توان به عنوان نئوکلاسیک تعریف کرد که از آگاهی پست مدرن عبور کرده است، به عنوان جهانی التقاطی که معابد باستانی، فضای داخلی رنسانس، آسیاب های بادی هلندی و لباس های طراح K. Goncharov را به عنوان لمس مدرنیته به تصویر می کشد. امکانات بی حد و حصر گرافیک کامپیوتری، آثار O.Tobreluts را خارق العاده و ماوراء الطبیعه می کند. با کمک فناوری کامپیوتر ای.شفبه یونان باستان و سپس به روم باستان باز می گردد و تصاویری از اساطیر باستان را در کلاژهای خود خلق می کند. در سریال "اسطوره های لودویگ"این هنرمند از عکس‌های مجسمه‌های یونانی، سازه‌های معماری استفاده کرد و جلوه‌های دوران باستان را بر روی آنها قرار داد. این هنرمند با کمک فن آوری رایانه ای اصالت کولوسئوم را بازیابی می کند و گشت و گذارهای جذابی را در اطراف آن انجام می دهد. نقاشی دیجیتال شوتوفمعادل عاطفی سرگرمی های زیاد او را نشان می دهد. این کتاب شامل آثار کلاسیک یونانی و پژواک تحقیقات قوم نگاری و همچنین عناصر خرده فرهنگ جوانان است.بنابراین می توان اشاره کرد که پایان قرن بیستم نقطه عطفی نه تنها در زندگی سیاسی و اقتصادی روسیه، بلکه در هنر در دهه 1990، یک گرایش قدرتمند در هنرهای تجسمی "نئوکلاسیک روسیه جدید" پایه گذاری شد. توسعه فن آوری های کامپیوتری در روسیه پتانسیل خلاق هنرمندان را گسترش داد، هنرمندان جدید با استفاده از فناوری های جدید، آثار کلاسیک را خلق کردند. نکته اصلی تکنیک و فناوری نیست، بلکه زیبایی شناسی است. هنر مدرن نیز می تواند کلاسیک باشد. 2. هنر روسیه در آغاز قرن بیست و یکم.یکی از ویژگی‌های هنرهای زیبا در اواخر قرن بیست و یکم این است که از ظلم سانسور، از نفوذ دولت، اما نه از اقتصاد بازار رها شد. اگر در زمان شوروی به هنرمندان حرفه‌ای بسته‌ای از تضمین‌های اجتماعی ارائه می‌شد، نقاشی‌های آنها برای نمایشگاه‌ها و گالری‌های ملی خریداری می‌شد، اما اکنون آنها فقط می‌توانند به نیروی خود تکیه کنند. اما نقاشی روسی نمرده و به ظاهری از هنر اروپای غربی و آمریکایی تبدیل نشده است، بلکه بر اساس سنت های روسی به رشد خود ادامه می دهد. هنر معاصر توسط گالری‌های هنر معاصر، مجموعه‌داران خصوصی، شرکت‌های تجاری، سازمان‌های هنری دولتی، موزه‌های هنر معاصر، استودیوهای هنری یا توسط خود هنرمندان در فضایی که توسط هنرمند اداره می‌شود به نمایش گذاشته می‌شود. هنرمندان معاصر از طریق کمک های مالی، جوایز و جوایز حمایت مالی دریافت می کنند و همچنین از فروش آثار خود وجوه دریافت می کنند. رویه روسیه در این زمینه با رویه غربی تا حدودی متفاوت است. موزه‌ها، دوسالانه‌ها، جشنواره‌ها و نمایشگاه‌های هنر معاصر به تدریج به ابزاری برای جذب سرمایه، سرمایه‌گذاری در تجارت گردشگری یا بخشی از سیاست‌های دولت تبدیل می‌شوند. مجموعه داران خصوصی تأثیر زیادی بر کل سیستم هنر معاصر دارند. در روسیه، یکی از بزرگترین مجموعه های هنر معاصر توسط موزه هنرهای معاصر Erarta در سن پترزبورگ برگزار می شود. گرایش های هنر معاصر: هنر غیر دیدنی- گرایشی در هنر معاصر که نمایش و نمایش را رد می کند. نمونه ای از این هنرها اجرای هنرمند لهستانی پاول آلتامر "طرح کلی فیلمنامه" در نمایشگاه "مانیفست" در سال 2000 است. در روسیه، او نسخه خود را از هنر غیر دیدنی ارائه کرد آناتولی اسمولوفسکی هنر خیابانی(انگلیسی) هنر خیابانی- هنر خیابانی) - هنرهای زیبا، ویژگی بارز آن سبک شهری برجسته است. بخش اصلی هنر خیابانی گرافیتی است (در غیر این صورت هنر اسپری) اما نمی توان آن را گرافیتی دانست. هنر خیابانی همچنین شامل پوستر (غیر تجاری)، شابلون، اینستالیشن‌های مختلف مجسمه‌سازی و... می‌شود. در هنر خیابانی، هر جزئیات، جزئی، سایه، رنگ، خط مهم است. این هنرمند آرم سبک خود را ایجاد می کند - یک "نشانه منحصر به فرد" و آن را در بخش هایی از منظر شهری به تصویر می کشد. مهمترین چیز در هنر خیابانی، اختصاص قلمرو نیست، بلکه درگیر کردن بیننده در یک دیالوگ و نمایش یک برنامه داستانی متفاوت است. دهه گذشته نشان دهنده تنوع جهت هایی است که هنر خیابانی انتخاب می کند. نویسندگان جوان با تحسین نسل قدیمی تر، از اهمیت توسعه سبک خود آگاه هستند. به این ترتیب، شاخه های جدیدی در حال ظهور هستند که آینده ای غنی را برای جنبش پیش بینی می کنند. اشکال جدید و متنوع هنر خیابانی گاهی اوقات از نظر وسعت از هر چیزی که قبلا ساخته شده است فراتر می رود. هواشناسی -یکی از تکنیک های نقاشی هنرهای زیبا، استفاده از قلم مو به عنوان ابزاری برای اعمال رنگ مایع یا پودری با استفاده از هوای فشرده بر روی هر سطحی است. می توان از اسپری رنگ نیز استفاده کرد. با توجه به استفاده گسترده از ایربراشینگ و ظهور تعداد زیادی رنگ و ترکیبات مختلف، ایربراشینگ انگیزه جدیدی برای توسعه یافته است. در حال حاضر ایربراش برای ایجاد نقاشی، روتوش عکس، تاکسیدرمی، مدلینگ، نقاشی پارچه، نقاشی دیواری، هنر بدن، نقاشی ناخن، نقاشی سوغاتی و اسباب بازی، نقاشی ظروف استفاده می شود. اغلب برای کشیدن نقاشی روی ماشین، موتور سیکلت، سایر تجهیزات، در چاپ، طراحی و ... استفاده می شود. با توجه به لایه نازک رنگ و امکان پاشش صاف آن بر روی سطح، می توان به جلوه های تزئینی عالی دست یافت. مانند انتقال رنگ صاف، سه بعدی بودن، واقع گرایی عکاسی از تصویر حاصل، تقلید از یک بافت خشن با صافی سطح ایده آل.

موضوعات و سوالات سمینارها;

مبحث 1. مفاهیم اساسی تاریخ هنر و تاریخ هنر.

سوالات:

1. مشکل طبقه بندی هنرها.

2. مفهوم «اثر هنری». پیدایش و وظیفه یک اثر هنری. کار و هنر.

3. ذات، اهداف، وظایف هنر.

4. کارکردها و معنای هنر.

5. مفهوم «سبک». سبک هنری و زمان آن

6. طبقه بندی هنرها.

7. تاریخچه پیدایش و شکل گیری تاریخ هنر.

موضوعات مورد بحث:

1. 5 تعریف از هنر وجود دارد. ویژگی هر کدام از آنها چیست؟ از کدام تعریف پیروی می کنید؟ آیا می توانید تعریف خود را از هنر بیان کنید؟

2-هدف از هنر چیست؟

3. چگونه می توان یک اثر هنری را تعریف کرد؟ «اثر هنری» و «اثر هنری» چگونه همزیستی دارند؟ روند پیدایش یک اثر هنری را توضیح دهید (طبق نظر I. Ten). تکلیف یک اثر هنری (به گفته پ.پ گندیچ) چیست؟

4. 4 کارکرد اصلی هنر (به گفته آی پی نیکیتینا) و چهار را فهرست کنید

درک ممکن از معنای هنر

5. معنای مفهوم «سبک» را تعریف کنید. چه سبک هایی از هنر اروپایی را می شناسید؟ «سبک هنری»، «فضای هنری» چیست؟

6. انواع هنرها را فهرست کرده و شرح مختصری ارائه دهید: هنرهای مکانی، زمانی، مکانی-زمانی و تماشایی.

7-موضوع تاریخ هنر چیست؟

8. به نظر شما نقش موزه ها، نمایشگاه ها، گالری ها، کتابخانه ها برای مطالعه آثار تاریخ هنر چیست؟

9. ویژگی های تفکر باستانی در مورد هنر: اطلاعات باقی مانده در مورد اولین نمونه های ادبیات در مورد هنر ("کانون" توسط Polykleitos، رساله های دوریس، Xenocrates). جهت "توپوگرافی" در ادبیات در مورد هنر: "توصیف هلاس" اثر پاوسانیاس. شرح آثار هنری لوسیان. مفهوم فیثاغورثی "کیهان" به عنوان یک کل هماهنگ، تابع قوانین "هماهنگی و عدد" و اهمیت آن برای آغاز نظریه معماری. ایده نظم و تناسب در معماری و شهرسازی. تصاویر شهر ایده آل در نوشته های افلاطون (کتاب ششم قوانین، گفتگوی کریتیاس) ​​و ارسطو (کتاب هفتم سیاست). درک هنر در روم باستان «تاریخ طبیعی» اثر پلینی بزرگ (قرن اول پس از میلاد) به عنوان منبع اصلی اطلاعات در مورد تاریخ هنر باستان. رساله ویتروویوس: ارائه سیستماتیک نظریه معماری کلاسیک.

10. سرنوشت سنت های باستانی در قرون وسطی و ویژگی های ایده های قرون وسطی در مورد هنر: دیدگاه های زیبایی شناختی قرون وسطی (آگوستین، توماس آکویناس)، ایده زیبایی شناختی پیشرو: خداوند منشأ زیبایی است (اگوستین) و اهمیت آن برای تئوری و عمل هنری ایده "نمونه اولیه". ویژگی های ادبیات قرون وسطی در مورد هنر. کتابچه راهنمای عملی-فناوری، نسخه ای: "راهنمای نقاشان" از کوه آفاون دیونیسیوس فورنگرافیوت، "درباره رنگ ها و هنرهای رومیان" توسط هراکلیوس، "Schedula" (Schedula - دانشجو) توسط Theophilus. شرح آثار معماری در تواریخ و زندگی قدیسین.

11. رنسانس به عنوان نقطه عطفی در تاریخ توسعه هنر و تاریخ هنر اروپا. نگرش جدید به دوران باستان (بررسی آثار باستانی). توسعه جهان بینی سکولار و پیدایش علوم تجربی. شکل‌گیری گرایش به تفسیر تاریخی و انتقادی از پدیده‌های هنر: «نظرات» لورنزو گیبرتی رساله‌هایی درباره موضوعات خاص - شهرسازی (فیلارت)، تناسبات در معماری (فرانچسکو دی جورجیو)، چشم‌انداز در نقاشی (پیرو دلا فرانچسکا). درک نظری نقطه عطف رنسانس در توسعه هنر و تجربه مطالعه انسان‌گرایانه میراث باستانی در رساله‌های لئون باتیستا آلبرتی ("درباره مجسمه"، 1435، "درباره نقاشی"، 1435-36، "درباره معماری" ")، لئوناردو داوینچی ("رساله در مورد نقاشی"، منتشر شده پس از مرگ)، آلبرشت دورر (چهار کتاب در مورد نسبت های انسانی، 1528). نقد نظریه معماری ویترویوس در «ده کتاب در معماری» (1485) اثر لئون باپتیست آلبرتی. ویترویان "آکادمی شجاعت" و فعالیت های آن در مطالعه و ترجمه آثار ویترویوس. رساله جاکومو دا ویگنولا «قاعده پنج نظم معماری» (1562). چهار کتاب در مورد معماری (1570) اثر آندریا پالادیو یک پایان کلاسیک در تاریخ معماری رنسانس است. نقش پالادیو در توسعه ایده های معماری باروک و کلاسیک. پالادیو و پالادیانیسم

12. مراحل اصلی شکل گیری تاریخ هنر تاریخی در عصر جدید: از وازاری تا وینکلمان: "زندگی برجسته ترین نقاشان، مجسمه سازان و معماران" جورجیو وازاری (1550، 1568) به عنوان اثری نقطه عطف در تاریخ شکل گیری نقد هنری "کتاب هنرمندان" نوشته کارل ون مندر در ادامه زندگینامه وازاری بر اساس مواد نقاشی هلندی.

13. متفکران قرن هجدهم در مورد مشکلات شکل گیری سبک در هنر، در مورد روش های هنری، جایگاه و نقش هنرمند در جامعه: عقل گرایی در تاریخ هنر. نظریه کلاسیک نیکلاس پوسین. برنامه نظری کلاسیک گرایی در "هنر شاعرانه" اثر نیکلاس بوآلو (1674) و "مکالمات در مورد مشهورترین نقاشان، قدیم و جدید" اثر A. Feliben (1666-1688).

14. عصر روشنگری (قرن 18) و مسائل نظری و روش شناختی هنر. تشکیل مدارس ملی در چارچوب نظریه عمومی هنر. توسعه نقد هنری در فرانسه نقش سالن ها در زندگی هنری فرانسه بررسی سالن ها به عنوان اشکال پیشرو ادبیات انتقادی در مورد هنرهای زیبا. اختلاف در مورد وظایف نقد هنری (ارزیابی خلاقیت یا آموزش عمومی). ویژگی های تاریخ هنر آلمان مشارکت در نظریه هنرهای زیبا توسط گوتولد افرایم لسینگ. رساله «لائوکون» (1766) و مسئله مرزهای نقاشی و شعر. معرفی مفهوم «هنرهای زیبا» به جای «هنرهای زیبا» (تغییر تأکید از زیبایی به حقیقت و برجسته کردن کارکرد فیگوراتیو-رئالیستی هنر). اهمیت فعالیت های یوهان یواخیم وینکلمان برای توسعه علم تاریخی هنر. مفهوم وینکلمان از هنر باستان و دوره بندی توسعه آن.

15. خاستگاه اندیشه روسی در مورد هنر. اطلاعات در مورد هنرمندان و بناهای هنری در تواریخ قرون وسطی روسیه و منابع رساله. طرح سوالاتی درباره هنر در زندگی اجتماعی و سیاسی قرن شانزدهم. (کلیسای جامع استوگلاوی 1551 و کلیساهای دیگر) به عنوان شاهدی بر بیداری تفکر انتقادی و مبارزه با گرایش های مختلف ایدئولوژیک.

16. تغییر اساسی در هنر روسیه قرن هفدهم: شکل گیری آغاز یک جهان بینی سکولار و اولین آشنایی با اشکال اروپایی فرهنگ هنری. شکل گیری تفکر هنری و نظری. فصل "درباره شمایل نگاری" در "زندگی" آووکم. «مقاله ای در مورد هنر» نوشته جوزف ولادیمیروف (1665-1666) و «کلمه ای برای نقاشی نمادهای کنجکاو» اثر سیمون اوشاکوف (1666-1667) اولین آثار روسی در زمینه تئوری هنر هستند.

17. شکل گیری فعال اشکال جدید سکولار فرهنگ در قرن 18. یادداشت

J. von Stehlin اولین تلاش برای خلق تاریخ هنر روسیه است.

18. درک رمانتیک جدید از هنر در مقالات انتقادی توسط K.N. باتیوشکووا، N.I. Gnedich، V. Kuchelbeker، V.F. اودویفسکی، دی.و. ونویتینوا، N.V. گوگول.

19. تاریخ هنر اواخر قرن 19 - 20: تلاش برای ترکیب دستاوردهای مکتب رسمی با مفاهیم منتقدان آن - "علم ساختاری" سبک های هنری. رویکرد نشانه‌شناسی در تاریخ هنر. ویژگی های مطالعه نشانه شناختی آثار هنرهای زیبا در آثار یو.م. لاتمن، اس.ام. دانیل، بی. اوسپنسکی. انواع روش های مطالعه هنر در علم مدرن داخلی. اصول تجزیه و تحلیل یک اثر هنری و رویکرد مشکل آفرین به مطالعه تاریخ هنر در آثار M. Alpatov ("مشکلات هنری هنر یونان باستان" ، "مشکلات هنری رنسانس ایتالیا"). سنتز رویکردهای روش شناختی (سبکی رسمی، شمایل نگاری، شمایل شناختی، جامعه شناختی) توسط V. Lazarev. روش تحقیق تطبیقی-تاریخی در آثار د. سرابیانوف ("نقاشی روسی قرن نوزدهم در میان مکاتب اروپایی. تجربه تحقیق تطبیقی"). رویکرد نظام مند به هنر و ویژگی های آن.

1. Alekseev V.V. هنر چیست؟ درباره اینکه یک نقاش، گرافیست و مجسمه ساز چگونه جهان را به تصویر می کشد. - م.: هنر، 1991.

2. Valeri P. درباره هنر. مجموعه. - م.: هنر، 1993.

3. Vipper B.R. مقدمه ای بر مطالعه تاریخی هنر. - م.: هنرهای تجسمی، 1985.

4. Vlasov V.G. سبک ها در هنر - سن پترزبورگ: 1998.

5.زیس ع.یا. انواع هنر. - م.: دانش، 1979.

6. Kon-Wiener. تاریخچه سبک های هنرهای زیبا. - M.: Svarog و K، 1998.

7. Melik-Pashaev A.A. فرهنگ لغت مدرن - کتاب مرجع در مورد هنر. – M.: Olimp – AST، 2000.

8. جانسون اچ.وی. مبانی تاریخ هنر. - م.: هنر، 2001.

تم 2. هنر دنیای باستان. هنر عصر سیستم اشتراکی بدوی و شرق باستان.

سوالات:

1. دوره ای شدن هنر جامعه بدوی. ویژگی های هنر اولیه عصر: پارینه سنگی، میان سنگی، نوسنگی، برنز.

2. مفهوم سنکرتیسم در هنر بدوی، نمونه های آن.

3. قوانین و اصول کلی هنر شرق باستان.

4. هنر بین النهرین باستان.

5. هنر سومریان باستان.

6. هنر بابل و آشور باستان.

موضوعات مورد بحث:

1. مروری کوتاه بر دوره بندی هنر بدوی ارائه دهید. هنر هر دوره چه ویژگی هایی دارد؟

2. ویژگی های اصلی هنر بدوی را شرح دهید: سنکرتیسم، فتیشیسم، آنیمیسم، توتمیسم.

3. قوانین موجود در تصویر یک شخص را در هنر شرق باستان (مصر و بین النهرین) مقایسه کنید.

4. هنرهای زیبای بین النهرین باستان چه ویژگی هایی دارد؟

5. در مورد معماری بین النهرین با نمونه بناهای خاص توضیح دهید:

زیگورات Etemenniguru در اور و زیگورات Etemenanki در بابل جدید.

6. از مجسمه بین النهرین بر روی نمونه بناهای خاص بگویید: دیوارهای امتداد جاده موکب، دروازه ایشتار، نقش برجسته های کاخ آشورنصیرپال در

7. مضمون تصاویر نقش برجسته بین النهرین چیست؟

8- اولین بناهای معماری بابلی چه نام داشت؟ آنها چه بود

وقت ملاقات؟

9. ویژگی کیهان شناسی فرهنگ سومرو-اکدی چیست؟

10. دستاوردهای هنر تمدن سومرو-اکدی را فهرست کنید.

1. Vinogradova N.A. هنر سنتی شرق - م.: هنر، 1997.

2. دیمیتریوا N.A. تاریخچه مختصر هنر. موضوع. 1: از دوران باستان تا قرن شانزدهم. مقالات. - م.: هنر، 1985.

3. هنر شرق باستان (یادبودهای هنر جهان). - م.: هنر، 1968.

4. هنر مصر باستان. نقاشی، مجسمه سازی، معماری، هنرهای کاربردی. - م.: هنرهای تجسمی، 1972.

5. هنر دنیای باستان. - M.: 2001.

6. تاریخ هنر. اولین تمدن ها - بارسلونا-مسکو: OSEANO - بتا-سرویس، 1998.

7. بناهای یادبود هنر جهان. شماره سوم، سری اول. هنر شرق باستان. - م.: هنر، 1970.

8.Pomerantseva N.A. مبانی زیبایی شناختی هنر مصر باستان. - م.: هنر، 1985.

9. Stolyar A.D. خاستگاه هنرهای زیبا - م.: هنر، 1985.

قرن بیستم: از آوانگارد تا پست مدرنیسم." title="(!LANG: نقاشی روسی 20 قرن: از آوانگارد تا پست مدرنیسم.">!}

قرن بیستم زمان تحولات، دوره دیوانه وار دوران است. به نظر غیرممکن به نظر می رسد که بتوان یک ضربه قلم مو را ترک کرد، اما نه... مانند قبل، جهت نقاشی مد شد و به فراموشی سپرده شد.
آغاز قرن - جستجو برای اشکال جدید، ایده ها. آوانگارد، سوپرمدرنیسم، انتزاع گرایی، رئالیسم سوسیالیستی پدید می آیند، توسعه می یابند و ناپدید می شوند. طبیعت وارد فضای داخلی اتاق می شود و طبیعت بی جان به هوای آزاد می رود. 20 قرن - این زمان بوریس کوستودیف، کازیمیر مالویچ، کنستانتین یوون، فدور رشتنیکوف است.
بنابراین، آوانگارد روسی. یک شروع.
خود اصطلاح "آوانگارد" به معنای پیشرفته، مبتکر، پاره کردن همه پیوندها با گذشته است. آوانگارد روسی 20 قرن تعمیم جریان های رادیکال هنر است. سپس نام ها و جهت های مختلفی داشت: آینده گرایی، مدرنیسم، هنر نو یا چپ، انتزاع گرایی، ساخت گرایی، سوپرماتیسم. شورش در هنر پس از اولین انقلاب روسیه، سال های قبل از جنگ آغاز شد 1914 - شکوفایی تدریجی و بلوغ - دهه اول پس از انقلاب.
آوانگارد روسی با ویژگی های زیر متحد شده است:
رد کامل و اساسی گذشته فرهنگی؛
ترکیبی از دو اصل: مخرب و خلاق. پرخاشگری، انقلاب، میل به شکستن ایده های قدیمی در مورد ارزش های هنری، در مورد تصویر جهان، انسان، و جوشاندن انرژی خلاق، میل به ایجاد چیزی جدید نه تنها در نقاشی، بلکه در همه حوزه های زندگی.
صحبت از آوانگارد، قابل ذکر است واسیلی کاندینسکی. در کار او، آغاز 20 قرن - این دوران باستان است، ترکیبی از مدرنیته روسی، آلمانی و برخی از چاپ های عامیانه روسی ("زندگی متمایز"، "آواز ولگا"). در سال های جنگ و انقلاب، کاندینسکی نقاشی هایی با سبک های مختلف خلق کرد. کمی بعد - "بیضی سفید" (1920) - یک بوم نمادین-انتزاعی، که در آن بیضی از راه دور شبیه به قلب پر از چهره های انتزاعی است، جایی که محور برجسته می شود. او مناظر کاملا واقعی را نقاشی می کند - "مسکو. میدان Zubovskaya" (1916) و مناظر تا حدودی دور از واقعیت - "مسکو. میدان سرخ (1916).
در میان جنبش های آوانگارد، سوپرماتیسم و ​​نماینده و نظریه پرداز مبهم آن کازیمیر مالویچ مشخص می شود. سوپرماتیسم یعنی چه؟ در تعریف مالویچ، سوپرماتیسم مرحله نهایی هنر است، غیر عینی بودن، دور شدن از فرا هنری. و او ابتدا این اصطلاح را در رابطه با بوم های نقاشی با انتزاعات هندسی به کار برد ("صلیب سیاه"، "مربع سیاه" در زمینه سفید). بنابراین این نام به چنین نقاشی هایی اختصاص داده شد ، اگرچه هنرمند سوپماتیسم و ​​اشکال خاص تر را تعیین کرد ، به عنوان مثال ، نقاشی هایی با چهره های مردم.
انقلاب رخ داد. آوانگاردیسم سال ها از تحولات جان سالم به در برد و در نقاشی روسی رو به افول گذاشت 20 قرن، مرحله جدیدی آغاز شده است. در زندگی کاری آینده، زیبایی شناسی جدیدی در هنرهای زیبا باید ایجاد شود. و این سبک نامی مطابق با نام دوره جدید - رئالیسم سوسیالیستی - داشت. این نه در میان هنرمندان، بلکه در میان سیاستمداران به وجود آمد.
«تصویر واقعی واقعیت»، همانطور که حزب خواسته بود، با جهت گیری به سنت های نقاشی آکادمیک کمک می کرد. این سبک ویژگی های خاص خود را داشت:
قهرمانی مبارزان انقلاب، رهبران، شخصیت های اصلی، کسانی که توده های مردم را رهبری کردند.
رئالیسم نیاز به بازتولید یک رویداد بر روی بوم را کاملاً مطابق با یک رویداد خاص در تاریخ انقلاب فرض کرد.
قهرمانان - کارگران و دهقانان؛
· هیچ حقیقتی از نویسنده وجود ندارد - حقیقت حزب وجود دارد و هنرمند باید آن را تأیید کند، انقلاب، مبارزه، مرگ مردم - این راه آینده ای روشن است.
اما نمی توان ادعا کرد که رئالیسم سوسیالیستی نیازهای زمانه را برآورده نمی کند. بله، کنترل، فشار ایدئولوژیک، اقتصادی، مبارزات سیاسی و فرهنگی وجود داشت. برای آوانگاردها سخت است که موقعیت خود را در یک جامعه توتالیتر حفظ کنند. هم ترکیب مخاطب و هم ترکیب هنرمندان تغییر کرده است. کارهای دشوار، مانند صنعتی سازی، نیازمند تلاش های عظیم بود. و آنها را می توان از هنر استخراج کرد، که نشان داد: یک فرد ساده می تواند کارهای زیادی انجام دهد، او قهرمان زمان خود است.
بنابراین در رئالیسم سوسیالیستی دو جریان اصلی وجود داشت. معنای اولی هذل انگاری، تعمیم - رویدادهای تاریخی در مقیاس بزرگ، قهرمانان شخصی، رهبران - اولین افراد دولت جدید بود. مرکز دوم زندگی روزمره یک فرد عادی است.
برفک تغییراتی را در نقاشی نیز ایجاد کرد. اسطوره "ذوب" - بهار به شکوفایی انسان، به کودکی و جوانی منتقل می شود. اما جوانی اکنون زیبایی قدرت بدنی نیست، به شرکت در مبارزات یک فرد و چهره های ورزشی پیشرفته افتخار نمی کند. اینها کودکان و نوجوانان شهر هستند، پنجره ها به سمت خورشید باز می شوند.
اما "ذوب" به پایان رسید و "سبک شدید" به نقاشی روسی آمد. نه تنها با هنر "ذوب"، بلکه با رئالیسم سوسیالیستی اولیه نیز مخالف است و جهان بینی هنری گذشته را به عنوان "دروغ" رد می کند.
· "سبک شدید" - عاری از توهم، حقیقت بی رحمانه، که در آن جایی برای بی دقتی کودکانه وجود ندارد. خورشید و طبیعت از نقاشی ها ناپدید شدند، در زندگی جایی برای شادی های ساده وجود ندارد - فقط کار.
· قهرمانی در بازنمایی این سبک قدرت بدنی فرد و ژست زیبا نیست. این یک تنش درونی است، تلاشی که بیننده آن را نمی بیند، او فقط آرامش، انزوا را می بیند. قدرت بدن با اراده جایگزین می شود ("سازندگان براتسک" اثر V.E. Popkov، "کاوشگران قطبی"، "St. John's Wort" توسط A. Smolin و P. Smolin).
چه کسی قهرمان می شود 20 قرن؟ انسان بدون سن، جنسیت، ظاهر، موقعیت اجتماعی ندارد، زندگی به خصوصی و عمومی تقسیم نمی شود. این مردی است "روی زمین خالی" - در جهانی که او هنوز خلق نکرده است، اما باید خلق کند.
· کار لذت نیست، آرزو نیست، نیاز به خلقت نیست. این فراخوانی، تسخیر، انقیاد طبیعت است. قهرمانان جنگجوی دنیای جدید نیستند، بلکه نفت‌دانان و زمین‌شناسان، سدسازان هستند.
دایره بسته می شود و تا پایان قرن نقاشی روسی 20 قرن در 90- سالها به مدرنیته به روز شده - پست مدرنیسم باز می گردد. نقاشی عکاسی می شود - عملاً هیچ تفاوتی بین کپی و اصل وجود ندارد. و در عین حال شماتیک و کاریکاتور است. شکل گیری سبک هنوز ادامه دارد، هنوز زود است که بگوییم چه فرم هایی به میدان می آیند.